Werner Herzog

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Publicado por t800 08/03/2009 @ 04:09

Tags : werner herzog, directores de cine, cine, cultura

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Werner Herzog

Werner Herzog, nacido Werner Stipetic (Múnich, 5 de septiembre de 1942), es un director, documentalista, guionista, productor y actor alemán.

Nació en Múnich, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera. Creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza, alejado del mundo. Según él mismo afirma, no tuvo conocimiento de la existencia del cine hasta los doce años, la misma fecha en la que vio por primera vez un coche. A los 17 años hizo su primera llamada telefónica.

A los trece años lo llevaron a Múnich para que iniciara sus estudios secundarios. Su familia se alojó provisionalmente en una pensión donde, casualmente, se alojaba Klaus Kinski, (n. 1926), actor que en un futuro sería clave en su carrera cinematográfica. Kinski ni reparó en el Herzog de trece años, pero el futuro director sí lo hizo con el singular actor.

Durante su adolescencia, pasó por una etapa de gran fervor religioso, llegando a convertirse al catolicismo, lo que le provocó discusiones con sus parientes, que eran ateos convencidos. Por esta época también empezó a realizar sus primeros largos viajes a pie. Hacia los quince años atravesó Europa, desde Múnich hasta Albania. También hizo a pie el viaje que lo llevó a Grecia.

Hacia los 17 años decidió dedicarse al cine. Para pagarse sus películas, trabajó en diversos oficios, que combinaba con sus estudios secundarios y más tarde universitarios. Inició estudios de Historia, Literatura y Teatro en Múnich. Hacia 1960 obtuvo la beca Fulbright para el Seminario de cine de la Universidad de Duquesne, en Pittsburgh (Estados Unidos). A pesar de participar en seminarios universitarios de cine, nunca estudió en ninguna escuela ni tampoco trabajó como asistente de ningún director; su formación fue completamente autodidacta. En Estados Unidos combinó de nuevo sus estudios con diversos trabajos, como soldador en una fábrica o aparcacoches, para ahorrar dinero. En 1962, a los veinte años, fundó su productora de cine, Herzogfilmproduktionen. Al año siguiente inició el rodaje de su primer cortometraje, Herakles, al que seguirían Game in the Sand (1964), Last Words (1967) y The Unprecedented Defence... (1967).

Tras esta primera etapa de formación en el cortometraje realizó su primer largometraje, Lebenszeichen (Señales de vida), subvencionado por el Instituto de Cine alemán, que buscaba promocionar a nuevos cineastas. La película ganó el Premio de Cine Alemán (Deutscher Filmpreis). A partir de aquí Herzog inició una carrera singular, que ha combinado la filmación de largometrajes, documentales, dirección de ópera, actuación y redacción de guiones. Werner Herzog sigue en activo en la actualidad.

Fundador del denominado Nuevo cine alemán junto con otros cineastas como Rainer Werner Fassbinder, ya en sus primeros cortos, como Herakles o Game in the sand, Werner Herzog dejó clara su preferencia por los antihéroes: personajes de singular personalidad enfrentados a un mundo hostil, para los que la lucha por su supervivencia o por defender sus ideas está siempre abocada al fracaso. Sus personajes se rebelan ante la absurdidad de su vida y su lucha contra esta situación les lleva a la locura, la anulación total o la muerte. Esto quedó plasmado en su primer película, Lebenszeichen, donde un joven soldado alemán destinado a una isla griega durante la Segunda Guerra Mundial enloquece ante la inutilidad de su misión y la imposibilidad de comunicarse con los habitantes de la isla. Su locura se representa en la visión de un millar de molinos de viento que sólo él puede ver.

Cabe señalar también que Werner Herzog no distingue nunca sus películas de ficción y sus documentales. En su obra, ambas vertientes se funden formando una sola. Él mismo afirma que Fitzcarraldo es su mejor documental.

Con frecuencia, Herzog se inspira en personajes que existieron realmente, como Aguirre, Fitzcarraldo, Hanussen o Kaspar Hauser, entre otros. En sus documentales, esta premisa también es básica, pues tiene especial interés en presentar personas, grupos de gente o etnias que viven o han vivido situaciones difíciles y que han luchado contra todo tipo de obstáculos para sobrevivir o por alcanzar los objetivos que se habían propuesto.

La música en las películas de Herzog es como un personaje más. Desde sus primeras películas ha colaborado con el grupo Popol Vuh, agrupación de rock progresivo meditativo de su amigo Florian Fricke (a quien conoció durante sus estudios de cine), que le ha confeccionado las bandas sonoras de Aguirre, Fitzcarraldo y Cobra Verde, entre otras. A veces, incluso el propio Herzog ha compuesto algunas piezas para completar la banda sonora de sus películas. Su vinculación con la música le ha llevado a dirigir óperas. Debutó con Tanhaüsser, de Richard Wagner, para el Festival de Bayreuth. Afirma que la música es el arte que más fácilmente llega al ser humano.

Los paisajes son fundamentales en la obra de Herzog. Afirma que más de una de sus películas surgieron de un paisaje, como por ejemplo Signos de vida o Fitzcarraldo. Frecuentemente, las tramas de las películas se encuentran en localizaciones donde la naturaleza es hostil o de una exuberancia sin límites. Esta particularidad se manifiesta tanto en sus largometrajes de ficción como en sus documentales. El esplendor de la naturaleza siempre esconde para Herzog un lado oscuro y frecuentemente maligno para sus antihéroes. Puede decirse que el paisaje es un personaje más de sus historias y tiene un papel fundamental en el desarrollo de la trama.

Aunque huye del cinéma verité, Herzog siempre ha buscado efectos visuales reales en sus filmes. Es decir, no hay efectos especiales. El destartalado barco que en Fitzcarraldo sube por una montaña para pasar de un río a otro, fue realmente transportado e izado por un numeroso grupo de indios, tal y como se ve en la película. Herzog afirma que no busca engañar al espectador: lo que ve es lo que hay. En Aguirre hizo caminar a los actores por la selva hasta la extenuación para reflejar el verdadero agotamiento que debieron sufrir los conquistadores españoles en su periplo por la selva y el río. Zische, el forzudo judío, está interpretado por Jouko Ahola, quien ganó por cuatro veces el título de El hombre más fuerte del mundo; todas las escenas donde demuestra su fuerza son reales. Para plasmar esto no duda en contar con actores absolutamente amateurs (como Ahola o Bruno S., que interpretó a Kaspar Hauser) o en rodar en los lugares donde sucedieron los hechos que narra la película. En esta búsqueda de realismo, la fusión autor-obra es total. Al igual que sus personajes, que deben luchar contra innumerables contratiempos en empresas casi imposibles, Herzog mismo vive estas situaciones en sus rodajes, que suelen ser particularmente difíciles.

También cabe destacar que en sus películas ambientadas en la selva amazónica o en África hace participar de manera activa a indígenas, que muestran sus costumbres o su idiosincrasia. Suelen tener un papel fundamental.

Las obras de Herzog han recibido grandes elogios de la crítica y le han reportado gran popularidad en los circuitos especializados. Al mismo tiempo ha sido sujeto de controversias referidas a los temas y mensajes tratados en sus obras, especialmente referidos a las circunstancias relativas a su creación. Un ejemplo significativo fue Fitzcarraldo, en la que la obsesión, tema central de la película, fue reproducida por el director durante la filmación. Su tratamiento de los temas también ha sido frecuentemente calificada de wagneriana, quizá porque películas como Fitzcarraldo o su película posterior, Invencible (2001), están directamente inspiradas por la ópera o por temáticas operísticas.

No se puede hablar de la filmografía de Herzog sin comentar su tensa y difícil relación con el actor alemán Klaus Kinski. Con él rodó cinco películas, quizá las más emblemáticas de las carreras de ambos (Aguirre: la cólera de Dios, Woyzeck, Fitzcarraldo, Cobra Verde y Nosferatu, fantasma de la noche). Herzog plasmó esta relación, que a veces llegó al enfrentamiento físico, en el documental Mi enemigo íntimo.

Herzog y sus obras han ganado y han estado seleccionadas para numerosos premios a lo largo de su carrera. El más importante es, sin duda, el premio al mejor director por Fitzcarraldo en el Festival de Cine de Cannes de 1982.

Al principio



Lotte H. Eisner

Lotte H. Eisner (1896-1983) fue una de las primeras mujeres crítico de cine, pero su importancia no se debe a este hecho anecdótico, sino a su obra La Pantalla Demoníaca, considerada un clásico de la crítica cinematográfica y una obra de referencia indispensable en el estudio del cine expresionista alemán. Además fue cofundadora de la Filmoteca Francesa y los cinéfilos han de agradecerle la conservación de centenares de objetos, filmes y testimonios relacionados con el cine alemán de entreguerras.

Lotte Henriette Regina Eisner nació el 5 de marzo de 1896 en Berlín en el seno de una familia judía acomodada. En esta misma ciudad estudió Historia del Arte y Arqueología. En 1924 escribe su tesis doctoral sobre un sugerente tema que anticipa ya su interés por la imagen en movimiento, Die Entwicklung der Bildkomposition auf griechischen Vasenbildern (El desarrollo de la Composición Figurativa en los Vasos Griegos). Su formación incluye el conocimiento de idiomas, desde las lenguas clásicas hasta el español y otras lenguas románicas.

En 1921 conoce a Bertold Brecht, en cuya obra admirará la combatitividad de su teatro popular y el poder del lenguaje. El autor la apodará "Die Eisnerin". Tras una estancia en Roma dedicada al estudio de la arqueología, regresa a Berlín para cultivar su afición a la música y las artes escénicas, pero con un cierto desdén hacia el incipiente arte cinematográfico. Será un colaborador de F.W. Murnau, Willy Haas, quien la introduzca en este ámbito creativo que comienza a dar sus primeros pasos. Son tiempos de agitación, nuevas ideas y corrientes de pensamiento y obras de vanguardia, política y arte se influyen mutuamente y en ese torbellino ideológico nos encontramos a una Lotte Eisner que un día canta la Internacional en una obra de teatro y en 1928, tras un encuentro con el cineasta ruso Sergéi Eisenstein, decide apartarse del comunismo.

En 1924 asiste a la proyección de Der Letzte Mann, una maravilla del Séptimo Arte que se permite el lujo de prescindir de los subtítulos por completo, y sólo le dedica el despectivo adjetivo de "sentimental". No durará mucho esta actitud, el conocimiento de los entresijos del universo cinematográfico la dotará de suficiente experiencia y elementos de juicio como para modificar radicalmente su opinión sobre el film y, ante todo, sobre su autor, Murnau, a quien calificará de "el más grande cineasta que jamás tuvo Alemania" o, simplemente, de "genio".

En 1927 comienza su actividad como articulista en el Berliner Tageblatt, importante periódico de la época. La fascinación de Lotte Eisner por los estudios de cine la convirten en asidua visitante de los mismos. Electricistas, cámaras, actores o directores, todo merece su atención, y, no en último lugar, los decoradores. No pasará desapercibida, Hans Feld, redactor de Film-Kurier, la revista de cine más importante en esos años, logra convencerla para que se convierta en la primera mujer crítico de cine de Alemania. Tan a conciencia se toma esta actividad "crítica" que el administrador de la publicación, bajo los tentáculos de la omnipresente Ufa, se las ingenia para confiar a Eisner sólo el análisis de los filmes que valora, evitando así sus lamentos por la estandarización de la producción nacional.

Nada es ajeno a la amenaza totalitaria que se cierne sobre el Viejo Continente. Junto con los momentos intensos y la toma de contacto con las grandes personalidades del espectáculo, desde Fritz Lang hasta Louise Brooks o Joséphine Baker, Lotte Eisner comienza a sufrir los ataques de la prensa nazi, que convierte a Film-Kurier en blanco de sus críticas. La representación de obras de vanguardia y el estreno de películas como El Acorazado Potemkin no pasan desapercibidas a los grupos de extrema derecha. Poco antes de que Adolf Hitler crease la Gestapo, ha de huir en tren a París. Su primer artículo en francés está destinado a defender a su amigo Fritz Lang a raíz de la prohibición de la cinta Testament des Dr. Mabuse ("El Testamento del Doctor Mabuse").

Será en la capital francesa donde asistamos al surgimiento de una nueva faceta de die Eisnerin: la de conservadora del patrimonio cinematográfico alemán. En 1936 Henri Laglois, el director de cine Georges Franju y Lotte Eisner deciden la creación de la Cinémathèque, destinada a salvar de la destrucción o el extravío numerosas copias de películas y que, con el tiempo, hará de Francia la propietaria de un magnífico archivo de cintas expresionistas alemanas, de los más importantes del mundo, junto con infinidad de documentos, carteles y objetos cinematográficos de toda naturaleza.

Lotte Eisner sufrirá la misma suerte que no pocos alemanes residentes en territorio francés tras el ascenso de Hitler al poder y terminará en un campo de refugiados en la zona de los Pirineos. Logra huir y para permanecer en el país en 1942 debe cambiar su identidad por la de Louise Hélène Escoffier, nombre falso que le permitirá un modesto trabajo oficial bajo la dependencia de la Dirección General de Cinematografía dentro del apartado "inventario de películas". En esta época Henri Langlois será su amigo más fiel y el encargado de ocultarla.

El año en que adopta su nueva identidad francesa, el fallecimiento de su madre durante la deportación la hace renunciar a todo lo que pueda recordarle al país de su juventud. En 1945 se convierte en conservadora en jefe de los fondos de la Cinémathèque Française -cargo que ocupará hasta 1975-. Durante mucho tiempo conservará su nombre falso y en 1952 adopta la nacionalidad francesa. Tras la Liberación retoma con entusiasmo y tenacidad su labor historiográfica y conservadora del patrimonio cinematográfico. Viaja, vuelve a ver a sus amigos y conocidos de la época de la República de Weimar, realiza multitud de entrevistas y, en general, una actividad infatigable y fecunda al servicio de la Cinémathèque.

Fruto de aquel empeño por recuperar el pasado será su reencuentro con uno de los grandes directores de cine de la época, Fritz Lang, a quien dedicará una importante biografía. Los personajes de Lang serán para Eisner solitarios y románticos héroes nietzscheanos, criaturas trágicas arrastradas por el destino y a menudo incomprendidos por una crítica cinematográfica que ella califica de "burguesa". Fritz Lang se mostrará emocionado y agradecido por el espacio e interés que le dedica la Filmoteca Francesa y colaborará con el proyecto.

En 1964 verá la luz su libro sobre Murnau, considerado su segunda obra más importante tras La Pantalla Demoníaca. En 1972 tendrá lugar otro acontecimiento de cuyo éxito absoluto será responsable en buena medida: la inauguración en el Palacio de Chaillot del Museo del Cine. La prensa aclama la exposición como de obra de un "artista" y "coleccionista de genio".

Con el Manifiesto de Oberhausen y la llegada en los años sesenta del llamado Nuevo Cine Alemán, Lotte Eisner no renunciará a la recuperación del esplendor de tiempos pasados. La película El Joven Törless, de Volker Schlöndorff la hará concebir esperanzas, aunque será Werner Herzog su director favorito entre las nuevas generaciones. Se convertirá en el icono de los jóvenes realizadores, Wim Wenders le dedica Paris, Texas (1984) y Werner Herzog Jeder für sich und Gott gegen alle (más conocida por "El Enigma de Kaspar Hauser", pero la traducción literal del título es "cada cual para sí y Dios contra todos"). Famosa es la anécdota protagonizada por el propio Herzog cuando Lotte Eisner enfermó gravemente en 1974: fue caminando desde Munich hasta París, donde residía su amiga, para evitar su muerte. Sea como fuere, el "remedio" funcionó, y Lotte Eisner murió nueve años después, el 25 de noviembre de 1983 en Neuilly-sur-Seine, París.

La Pantalla Demoníaca, escrita originariamente en francés, es, junto con De Caligari a Hitler, de Sigfried Kracauer, las dos obras fundamentales sobre el cine alemán durante la República de Weimar. Se ha dicho que, mientras Kracauer se ocupó de rastrear los aspectos de la filmografía de la época que presagiaban el advenimiento del nazismo, es decir, del estudio de la psicología alemana como terreno abonado para el desarrollo de una ideología totalitaria y su instalación en el poder -su famosa teoría de que el alemán de la época sólo creía en el caos o la tiranía-, Lotte H. Eisner dedicó sus esfuerzos al aspecto estético, a las características de aquellos filmes expresionistas que dan lugar a una verdadera época dorada del cine alemán y mundial. Se le ha reprochado omitir los que no encajaban en su estudio e, incluso, ignorar aquellas características que no convenían a su exposición, pero, con todo, su obra es una referencia esencial a partir de la cual se desarrolla todo análisis actual. Otra línea de investigación es la de Rudolf Kurtz, para quien el expresionismo no es un estilo artístico propiamente, sino una línea de experimentación fruto de una situación de caos y crisis mundial.

Para su estudio de las características del cine expresionista alemán, Lotte Eisner lo contrapone al estilo de Max Reinhardt, la otra gran influencia sobre la filmografía de la época. El claroscuro reinhardtiano se distingue para Eisner claramente del brutal choque de luces y sombras del expresionismo. El interés de la autora por los decorados está presente, junto con otros factores definitorios, en sus análisis. Otros elementos propios del expresionismo cinematográfico son de origen romántico: el misticismo nórdico, lo onírico, irracional y subjetivo, la fascinación por la muerte o la impotencia ante el destino, curiosamente, eso que caracteriza lo germánico, incluso para el nazismo. De ahí que Lotte H. Eisner deba enfrentarse también a la tarea de defender aquella cinematografía que tanto admiraba de los recelos de quienes veían en ella ciertas afinidades con el nazismo, dado a emplear temas y símbolos similares.

Si bien reconoce que hay "pocos filmes enteramente expresionistas".

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Timothy Treadwell

Timothy Treadwell (29 de abril de 1957 - 5 de octubre de 2003) fue un activista ecologista y documentalista aficionado que adquirió notoriedad tras morir devorado por uno de los osos grizzly con los que había convivido durante 13 veranos en el Parque Nacional de Katmai. En 2005, el cineasta Werner Herzog estrenó Grizzly Man, un documental acerca de la vida de Treadwell que incluía varias de las grabaciones realizadas por éste mismo durante su estancia en Alaska.

Treadwell (nacido con el nombre de Timothy Dexter en Long Island, Estados Unidos) era un aspirante a actor que se vio envuelto en el mundo de las drogas tras la decepción que supuso para él no conseguir un papel en la serie Cheers (de acuerdo a sus propias palabras quedó segundo en el casting, siendo superado solo por Woody Harrelson, aunque este hecho nunca ha sido confirmado). Supuestamente, Treadwell superó su adicción a las drogas y al alcohol a finales de los 80, tras lo cual decidió viajar a Alaska en busca de una relación más profunda con la naturaleza y con el mundo animal.

Timothy Treadwell convivió durante 13 veranos con osos grizzly del Parque Nacional de Katmai. En Estados Unidos era conocido por acercarse a ellos mucho más de lo recomendado por las autoridades, hasta el punto de llegar a veces incluso a tocarlos o a jugar con ellos. También grabó alrededor de 100 horas de vídeo en las que se ve a él interactuar con los animales, y realizó numerosas fotografías de la zona. Para el comienzo del nuevo siglo, Treadwell era lo bastante popular como para empezar a recibir una atención continuada por parte de los medios. Apareció en el Discovery Channel, en el Talk Show de David Letterman y en otros programas de televisión hablando acerca de sus experiencias y de su postura ecologista. También viajó a lo largo de los Estados Unidos dando charlas gratuitas a los niños, escribió junto a Jewel Palovak el libro Among Grizzlies: Living with Wild Bears in Alaska y fundó la asociación Grizzly People, destinada a proteger a los osos y preservar su habitat salvaje.

Numerosos expertos, entre los que se encuentran miembros del propio Servicio de Parques Nacionales, han criticado duramente a Treadwell por no respetar las normas básicas de seguridad en un entorno de estas características. En concreto, y de acuerdo con el archivo que se guardaba con respecto a él, Timothy Treadwell violó entre 1994 y 2003 al menos seis normas del parque. Entre estos incumplimientos están el de guiar a turistas sin poseer la licencia apropiada, almacenar de modo incorrecto la comida o acampar en el mismo lugar durante más de siete días (esta última a menudo conocida como la "regla Treadwell", una norma creada ad hoc, específicamente para él). Asimismo, los guardabosques también insistían en que llevase un spray de pimienta como arma de defensa personal, critica en la que coincidía el naturalista Charlie Russell, otro experto en la convivencia con los osos.

Timothy Treadwell murió el 5 de octubre de 2003 en compañía de su novia, Amie Huguenard. Ambos fueron devorados por uno o más osos grizzly, y sus cadáveres los descubrió al día siguiente Willy Fulton, el piloto que tenía el encargo de ir a recogerles. Parte de sus restos fueron encontrados en el lugar de la matanza, y otra parte en el interior de uno de los osos que los devoró, el etiquetado como "oso 141", un macho de gran tamaño y que el propio Timothy consideraba (de acuerdo a sus grabaciones) como un animal peligroso y no precisamente amistoso. Este oso y otro más joven fueron abatidos a tiros por los guardabosques durante la operación de recuperación de los restos humanos. También se encontró una cámara de vídeo (con la tapa de la lente todavía puesta) que supuestamente había grabado 6 minutos de audio correspondiente al ataque. En los 85 años de existencia del Parque Nacional de Katmai, éste ha sido el primer caso de ser humano muerto a manos de un oso.

Grizzly Man, es un documental del director de cine alemán Werner Herzog. Está basado en la vida de Treadwell y compuesto principalmente por las grabaciones que este mismo realizó durante sus estancias en Alaska. Herzog acompaña las imágenes de archivo con entrevistas a personas que le conocieron, así como con reflexiones personales en las que se cuestiona diversos aspectos de la naturaleza y el espíritu humano. En un momento de la película, se puede ver al veterano cineasta alemán escuchando la cinta que supuestamente da testimonio de la muerte de Timothy y Amie, aunque el espectador no puede escuchar nada y la cinta de hecho nunca ha sido exhibida de cara al público.

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Klaus Kinski

Klaus Kinski (18 de octubre de 1926 - 23 de noviembre de 1991) fue un famoso y controvertido actor alemán, muy vinculado al director Werner Herzog y considerado como la última gran estrella del cine alemán. Es padre de la actriz Nastassja Kinski.

Su auténtico nombre era Nikolaus Karl Günther Nakszynski; nació en Sopot, Ciudad libre de Dánzig, y murió en Lagunitas, California (Estados Unidos).

Kinski sirvió en el ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial movilizado forzosamente por las Juventudes Hitlerianas, aunque pasó la mayor parte del tiempo como prisionero de guerra del ejército británico.

Al finalizar la guerra, empezó a actuar en obras de teatro con una troupe ambulante, cobrando fama con sus monólogos de William Shakespeare y del patriarca y prócer de los poetas malditos, François Villon, además de trabajar con grandes directores teatrales que inculcaron en él principios propios del teatro de la crueldad y conceptos de la teoría de la representación que utilizaría durante toda su carrera. Pero pronto pasó a la industria del cine, que consideró mucho más rentable.

Poseedor de un carácter temperamental e irascible, sus actuaciones fueron verdaderamente teatrales y sus personajes neuróticos. Era además adicto sexual y de una coprolalia irrefrenable, y solía dejar a su paso una estela de enemigos personales debido a su grosería y falta de buenos modales.

No obstante, algunas de ellas fueron películas memorables dentro de sus repectivos géneros, como Doctor Zhivago (David Lean, 1965) y Per qualche dollaro in più (Por unos pocos dólares más o La muerte tenía un precio, Sergio Leone, 1965).

Alcanzó cierto renombre con sus papeles de psicópatas y dementes, y llegó a ser de alguna manera estereotipado para ocupar dichos roles.

Su participación en Angel (Venus in Furs o Paroxismus), en 1968, fue el punto de encuentro con uno de los directores con los que más conectó (quizá más que con Werner Herzog), Jesús Franco. Con el director madrileño trabó una gran amistad, quizá debido a la peculiaridad de ambos caracteres. El director español es uno de los pocos que recuerdan con placer a Kinski, afirmando que lo prefiere a él, con su locura y temperamento, que a Christopher Lee, por ejemplo, "demasiado señorito inglés". Otras películas que realizó con Franco fueron Jack the Ripper, El conde Drácula y Justine (Deadly Sanctuary).

En los primeros años de la década del 70 llevó a cabo una serie de polémicas presentaciones teatrales conocidas como Jesus Christus Erlöser o simplemente Jesus Tour, en las que enfrentaba abierta y hostilmente al público, se autoproclamaba el mesías e incitaba la reacción visceral del auditorio con toda suerte de provocaciones. Los guiones completos de sus presentaciones, así como su grabación en audio, se conservan. El momento más célebre de esta presentación se puede encontrar en el documental biográfico Mi enemigo íntimo (Mein Liebster Feind, 1999), de Werner Herzog.

La reputación internacional de Kinski se forjó indudablemente gracias a sus colaboraciones con el director Werner Herzog —a quien, curiosamente, había conocido cuando Herzog era todavía un niño, pues habían compartido pensión en Múnich.

Colaboró en las renombradas películas de Herzog: Nosferatu, el vampiro un film clásico del terror que alberga una de las mejores actuaciones de Kinski, Aguirre:la cólera de Dios (o Aguirre, la ira de Dios), Woyzeck, Fitzcarraldo, Cobra verde y Nosferatu, fantasma de la noche, un papel hecho a su medida.

Entre Herzog y Kinski siempre hubo una difícil relación profesional que se podría calificar de amor-odio y que quedó plasmada en el documental Mi enemigo íntimo, en el que Herzog afirma que ambos llegaron a planear asesinarse mutuamente.

Ya desde un inicio, las tensiones en el tándem Herzog-Kinski habían tocado picos peligrosos y se amenazaron de muerte en repetidas ocasiones. Por otro lado, la actitud de divo que ostentaba Kinski en las filmaciones le granjeó numerosos enemigos, hasta el punto de que, según Herzog, en una ocasión un jefe indio se le ofreció para matar a Kinski.

Tal vez el mejor pasaje es cuando comenta el día en que el actor regaló al director unos carísimos pantalones de marca, durante el rodaje de Fitzcarraldo, y el director los llevó "pedorreados" durante todo el tiempo que duró la filmación.

Afirma también que es un "cagado y gallina", que le tiene miedo a los indígenas, y que es un cruel y vil que maltrata a los animales y a la gente de su troupe. En fin, para completar el cuadro, hay que decir que Werner Herzog afirma que estos insultos fueron una maniobra publicitaria planeada por ambos.

En cualquier caso, las colaboraciones de ambos son consideradas verdaderas obras maestras del cine y, de acuerdo con muchos críticos y aficionados, el mejor trabajo de ambos se produjo cuando hubieron de colaborar, ya que por separado ninguno de ambos alcanzó tales cotas de genialidad.

La más turbulenta colaboración de Kinski con Herzog fue, sin duda, Cobra verde, en la que representaba al tratante de esclavos Francisco Manoel Da Silva. Durante el rodaje, Kinski atacó físicamente a Herzog y abandonó el rodaje sin concluir. Dicho episodio terminó de romper la relación entre Kinski y Herzog.

Después de la ruptura definitiva entre los dos artistas, Kinski siguió interpretando papeles en films de muy diverso tipo. Llegó a participar incluso en Los frutos de la pasión, respecto a la cual afirmó que los actores realizaban el acto sexual de verdad.

Otros films de esta época son Androide, La chica del tambor, Venom, Psicópata, Crawlspace... Volvió al papel de Nosferatu en Nosferatu en Venezia y en 1985 rodó a las órdenes del director español Fernando Colomo El caballero del dragón. Se dice que en este rodaje Kinski intentó arrancar con la mano las barbas del director y se subió a las espaldas de Fernando Rey.

Su última película, rodada en 1989, marcó su debut como director, guionista y hasta montador, por supuesto con él como protagonista. El título fue Kinski: Paganini, o solamente Paganini, ambicioso proyecto que en inicio pretendía ser una miniserie de 16 horas para la televisión italiana.

Según Herzog, Kinski le pidió que dirigiese esta cinta, pero su relación se hallaba tan deteriorada que Herzog declinó el proyecto, y asumió entonces total control el impulsivo Kinski. Una vez que los responsables y productores del proyecto tuvieron acceso al material inicial que Kinski estuvo filmando, decidieron abortar el rodaje, accediendo a lanzarlo como un largometraje y ya no como teleserie. El film terminó siendo un caótico y colorido reflejo de la singular personalidad del actor y recibió críticas negativas que, unidas al fracaso económico de la cinta, terminaron por defenestrar el proyecto.

Paradójicamente, es conocido el manifiesto interés que grandes directores tuvieron por trabajar con Kinski. Sin embargo, este no dudaba en rechazar a genios de la talla de Federico Fellini, François Truffaut, Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti y otros. Precisamente, el famosísimo Steven Spielberg deseaba contar con él para la serie de Indiana Jones, pero Kinski rehusó la oferta.

Kinski era, además, un erotómano, adicto al sexo y sus hazañas sexuales quedaron reflejadas en su autobiografía, titulada Yo necesito amor.

A causa de la gran cantidad de papeles de loco y asesino que representó a lo largo de su carrera, y a su comportamiento obstinado y a menudo obsesivo, se le solía considerar un genio demente. Se casó tres veces y, según su propia autobiografía, tuvo al menos cinco hijos, de los cuales sólo a tres trató como tales: Nastassja, con quien tuvo una relación conflictiva que terminó rompiendo el vínculo padre-hija; Pola, y Nikolai Nanhoï. Todos fueron actores.

Su físico tan característico (cabello muy rubio, labios gruesos, mirada desquiciada y malvada) marcó su carrera, lo que, unido a un carácter poco estable, cercano a la locura, completó un cuadro muy reconocible y muy peculiar en el mundo de los actores.

Kinski, que se había retirado del cine y de la vida pública, preparaba sus memorias cuando murió a los 65 años, víctima de un ataque cardíaco, en Lagunitas, una parcela selvática en California, . Se dice que cuando Fernando Colomo fue informado de la muerte del actor alemán, no pudo evitar espetar: "Descansemos en paz".

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Grizzly Man

Grizzly Man es una película-documental del director Werner Herzog estrenada en 2005. Muestra la crónica de la vida y muerte de Timothy Treadwell, un ecologista entusiasta de los osos. El material principal de la película son las grabaciones de vídeo en que el propio Treadwell se filmaba a si mismo en compañía de los grizzly durante su estancia con ellos en el Parque y Reserva Nacional Katmai. Intercaladas entre dichas grabaciones se ven entrevistas a antiguos conocidos suyos que hablan de sus recuerdos y opiniones tanto sobre la tarea de Timothy como sobre su persona.

Las grabaciones de Treadwell fueron encontradas después y la película final fue co-producida por Discovery Docs, la unidad teatral de documentales de Discovery Channel y Lions Gate Films. La banda sonora de Grizzly Man está escrita por el británico cantante de folk Richard Thompson.

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Nosferatu, el vampiro

Max Schreck (43 años) en el papel del Conde Orlok

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España) es una película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau. Fue la primera película de terror de la historia y dio origen a este género.

Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.

Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. Un cochero contratado lo lleva hasta el bosque que rodea el castillo, pero se niega a cruzar el puente que cruza hacia este. Al rato, un cochero misterioso se identifica como cochero del Conde. Este lo lleva a una velocidad naturalmente imposible. En el castillo es recibido por el Conde Orlok quien le invita una cena, pero mientras Hutter come, éste se dedica a leer la carta de parte de Knock. En un momento, Hutter se corta el dedo y Orlok trata de chuparle la sangre, pero es detenido por el crucifijo que portaba en el cuello. Hutter se queda finalmente dormido y al despertar amanece con dos heridas en el cuello que atribuye a los mosquitos.

A la noche siguiente concreta la firma de los documentos legales para la transacción de la casa. Hutter encuentra el libro sobre vampiros en su maleta y empieza a sospechar que Orlok es un vampiro. Conforme la noche avanza, Hutter se esconde en su habitación, pero la puerta es abierta por Orlok, quien entra. Al mismo tiempo, Ellen es descubierta caminando dormida y cae en un estado como de coma precisamente después de gritar el nombre de su esposo. El grito parece provocar que Orlok deje de lado a Hutter.

A la mañana siguiente, Hutter explora el castillo y descubre la cripta donde Orlok duerme en un ataúd durante el día. Paralizado por el miedo, logra llegar a su cuarto donde observa, por la ventana, que se están llevando los ataúdes y que en el último va el Conde Orlok. Finalmente, se descuelga por una ventana, pero cae herido. Durante el viaje a Wismar, el barco en que Orlok viaja es invadido por ratas que salen de los ataúdes y sus tripulantes mueren misteriosamente. Por otro lado, Hutter se encuentra en un hospital, del cual trata de escapar para avisar a los pobladores de Wismar acerca de la amenaza que les acecha.

En Wismar, la llegada del vampiro causa una plaga de ratas que causa la muerte de sus pobladores. Hutter también llega y se reúne con su esposa. Ella lee el libro sobre vampiros, a pesar de la negativa de su esposo, y aprende que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse voluntariamente antes de que cante el gallo. Finalmente, Nosferatu se dirige hacia ella, quien se entrega voluntariamente a él precisamente cuando el gallo inicia su canto. Nosferatu muere en una nube de polvo y con él, la plaga.

Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.

El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.

Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración,” un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).

El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.

Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán.

Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original.

En 1979, Werner Herzog dirigió un revisión de Nosferatu, Nosferatu, el vampiro de la noche. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau, con Klaus Kinski en el papel principal, acompañado de Isabelle Adjani y Bruno Ganz.

En el año 2000 se rodó La sombra del vampiro, que es una historia ficticia sobre el rodaje de la versión muda de Nosferatu. Protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe, se trata de una historia fantástica de horror en la que un director (Murnau, interpretado por Malkovich) crea una película de vampiros completamente realista gracias a que contrata a un auténtico vampiro (interpretado por Dafoe) para que interprete el papel del vampiro.

Nosferatu además de la partitura original de Herdmann, ha conocido la música de los siguientes compositores: Peter Schirmann (1969), Richard Marriott (1989), Hans Posegga (1989), Timothy Howard (1991), James Bernard (1997), Carlos U. Garza (2001), Richard O'Meara (2001) y Bernd Wilden (2004).

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Source : Wikipedia