Vargas Blues Band

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Publicado por tornado 19/04/2009 @ 02:11

Tags : vargas blues band, blues, música, cultura

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Javier Vargas

Javier Vargas, guitarrista de blues y fundador de la Vargas Blues Band, ha grabado 10 discos de estudio con la Vargas Blues Band y 1 en directo, además de una recopilación en conmemoración de sus 20 años de trabajo, y otros discos, como DVDs y tributos al Rock Argentino. Ha colaborado con músicos de la talla de Carlos Santana, Glenn Hughes, Raimundo Amador, Miguel Ríos, Andrés Calamaro, Prince... y un sinfín más.

Javier Vargas nació en Madrid en el año 1955, hijo de emigrantes españoles en Argentina, aunque a los nueve años regresó a Argwntina. Vivió en la ciudad de Mendoza y, posteriormente en Mar del Plata. Su padre le regaló una guitarra española de naylon cuando vivían en Mar de Plata, y a los doce años, consiguió su primera guitarra eléctrica. Volvió a vivir a Mendoza con suss abuelos paternos, mientras su padre marchaba a Venezuela. Finalmente la familia se instala en Venezuela, donde permaneció hasta que Javier decidió viajar a Nashville, en Tenessee, la cuna del Country. Un par de años después se mudó a Los Ángeles, donde comenzó a tocar en clubs y grababa como guitarra de sesión. Fue en su estancia en Los Ángeles donde conoció a músicos de la talla de Alvin Lee, Roy Buchanan... A los 17 años, embarca desde Vigo en un crucero que recorrería Aruba, Jamaica... como guitarrista, lo cual le sirve además de como experiencia, como toma de contacto con el Reggae.

De vuelta a España desde Estados Unidos, Javier entra a formar parte del grupo de Miguel Ríos, grabando con él varios albums, como Los viejos rockeros nunca mueren, Rock and Ríos, y componiendo canciones como Un caballo llamado muerte. También colaboró con La Orquesta de Mondragón y como músico de sesión y compositor, y pasando por ciudades como Londres, París y Nueva York.

Tras pasar por diversas bandas, Javier decide en 1991 crear su propia banda, y así, aquel mismo año, graba y produce como líder de la Vargas Blues Band el disco All around the Blues, con las colaboraciones de Elena Figueroa y Philip Guttman. En 1992 graba Madrid-Texas, con Carey Bell, Louisiana Red, Rafael Riqueni y las voces de Philip Guttman y Jeff Espinoza. Ambos discos obtuvieron grandes cifras con respecto a los discos Blues en España.

En 1994 graba Blues Latino junto a Andrés Calamaro, Chris Rea, Junior Wells y Flaco Jiménez, disco que tuvo una gran aceptación no sólo en España, sino también en Argentina. El tema del álbum llamado también Blues Latino fue regrabado por Carlos Santana en su disco Santana Brothers, y fue uno de los temas que el archiconocido guitarrista tocó en el festival de Woodstock.

En 1995 graba el Texas Tango, puede que su mejor disco, en estudios de Memphis y Austin, producido por Jim Gaines y con la colaboración de la Double Trouble (La banda de Stevie Ray Vaughan, Larry Thurston de los Blues Brothers y Preston Shannon. Este disco cosechó grandes éxitos en paises como Francia, Suiza, Brasil o México, además de en España.

En julio de 1996 toca junto a Carlos Santana en París, en un concierto que enloqueció al público, concierto que se repitió en 1998 de nuevo en París y en Madrid, además de en la gira Supernatural del 2000.

En 1997 graba de nuevo producido por Jim Gaines el disco Gipsy Boogie, entre Madrid y Memphis. Esta vez colaboró con el gran Raimundo Amador, Carles Benavent, La Chonchi, Little Jimmy King... entre otros. Se publicó en 24 paises, y su gira se extendió hacia Francia, Italia, Alemania y Portugal.

En 1998 Javier toca junto a "The Artist" (Prince) en el Palacio de los Deportes de Madrid. En ese mismo año se edita Feedback/Bluestrology, CD doble grabado en Checkendon con la coproducción de Ian Taylor y junto a Steve Potts, Dave Smith, Bobby Alexander... Bluestrology se editó en año 2000 por separado también.

En 1999 el grupo se desplaza a Estados Unidos para grabar su disco en directo en el club Buddy Guys Legend, lugar donde han tocado grupos como Johnny Death, y junto a artistas como Larry McCray, Sugar Blue y Elena Andujar, todo ello bajo la supervisión de Ian Taylor. El disco se completó con otro concierto en Madrid. El disco salió a la venta en 2000 bajo el nombre de Madrid-Chicago Live, junto con un video-documental.

En el 2002 se incluye en el Last Night todos sus temas grabados en Legends y un DVD con el concierto de Madrid y algunas escenas del concierto de Chicago, y ha recibido muy buenas críticas tanto en toda Europa como en Estados Unidos.

Chill Latin Blues fue el primer disco totalmente instrumental del grupo, lanzado en 2003, cobrando gran importancia la guitarra de Javier. En el año 2004 comienza la grabación de Love, Union, Peace en Memphis con los músicos con los que suele grabar en la ciudad, además de contar con John Hampton como ingeniero de sonido (ZZ Top, Soundgarden...) y además de colaborar con artistas como Glenn Hughes (Deep Purple), Jack Bruce (Cream), Devon Allman...

En 2007 grabó Lost & Found con la participación de Devon Allman, que incluía una versión de Layla de Derek and the Dominos. Al año siguiente publicó Flamenco Blues Experience, que como su propio nombre indica, mezcla el blues con sonidos flamencos.

Al principio



Blues

Partitura musical de Saint Louis Blues (1914)

El blues (literalmente en español azules, cuyo significado es tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll,heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.

La frase the blues hace referencia a los blue devils (espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a farce in one act (1798) de George Colman. Posteriormente, durante el siglo XIX, esta frase fue usada eufemísticamente para hacer referencia al delirium trémens y a la policía.

A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues ) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo.

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta, los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical». Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues. El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.

La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico. El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».

Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes. Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.

Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles». Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.

Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.

El autor Ed Morales afirma que la mitología yorubá jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema Cross Road Blues del músico Robert Johnson como una «referencia finamente velada a Eleguá, la orishá encargada de los caminos». Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).

En el ejemplo anterior, fa es el acorde tónico y sib es el acorde subdominante. La mayoría del tiempo cada acorde es tocado dentro de la estructura de séptima dominante. Frecuentemente, el último acorde suele ser el turnaround dominante (en los ejemplos anteriores corresponde a la V o a do) creando la transición al principio de la siguiente progresión.

Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura instrumental; la armonía de estos compases de ruptura, el turnaround, puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas que modifican el análisis del tema por completo. El golpe final, al contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado firmemente en la séptima dominante, para proveer de tensión al siguiente verso del tema.

Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de terceras, quintas y séptimas disminuidas (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente. Estos tonos de las escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a las mismas escalas, como es el caso de la escala pentatónica menor de blues, donde las terceras reemplazan a las terceras naturales, las séptimas a las séptimas naturales y las quintas se añaden entre las cuartas y las quintas naturales. Mientras que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido utilizada durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las terceras, las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con el crushing (tocar dos notas adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y el sliding (similar a las notas de adorno).

Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la “nota de adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos, subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes, siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose ésta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la tónica (cantada por el músico o por el instrumentista principal con la quinta justa en la armonía).

Los shuffles de blues refuerzan el rítmo y el patrón de llamada y respuesta, formando un efecto repetitivo denominado groove. Los shuffles más simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock and roll o en el bepop inicial de post-guerra, consistían en un riff de tres notas de las cuerdas graves de la guitarra; el efecto groove se creaba cuando se interpretaba este riff con el bajo y la batería. Así mismo, el walking bass era otro dispositivo que permitía crear efectos groove.

El blues en el jazz difiere en gran medida del blues en otro tipo de géneros musicales (como el rock and roll, el rhythm and blues, el soul o el funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a través de los compases 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional (resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia final de acordes V-I conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más básica de ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11. A partir de este punto, la aproximación dominante (acordes ii-V) y la resolución (acorde I) pueden alterarse y sustituirse casi indefinidamente, incluyendo por ejemplo la omisión completa del acorde I (compases 9-12: ii | V | iii, iv | ii, V |). En este caso, los compases 11 y 12 funcionan como una extensión del turn-around para el siguiente coro.

El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.

En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por las compañías discográficas.

Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador afroamericano Thomas Sowell indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.

Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad. La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos. Paul Oliver cita un texto de Charlotte Forten, de 1862, en el que ya habla de blues como estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de forma especial, para superar los blues.

Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine indica que «psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa».

La industria estadounidense de publicación de partituras produjo una gran cantidad de música ragtime. Hacia 1912, esta industria publicó tres composiciones asociadas al blues, precipitando la adopción de elementos de blues por parte del Tin Pan Alley: Baby Seals’ Blues de Baby F. Seals (con arreglos de Artie Matthews), Dallas Blues de Hart Wand y Memphis Blues de W. C. Handy.

Handy fue un músico, compositor y arreglista bien formado que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestándolo en casi cualquier género sinfónico, con grupos y cantantes. Se convirtió en un compositor famoso y prolífico, denominándose él mismo como el «padre del blues»; sin embargo, sus composiciones pueden definirse como una mezcla de ragtime con jazz (mezcla facilitada por el uso del ritmo latino habanera, el cual estaba presente desde hace tiempo en el ragtime). Uno de principales temas de Handy fue St. Louis Blues.

En los años veinte, el blues se convirtió en un elemento principal de la cultura afroamericana y de la música popular estadounidense, llegando incluso a la audiencia blanca a través de los arreglos de Handy y las interpretaciones de cantantes femeninas clásicas de blues. El blues evolucionó de interpretaciones informales en bares a una forma de entretenimiento en teatros. Los espectáculos de blues estaban organizados por la Theater Owners Bookers Association en clubes como el Cotton Club y en juke joints como los que se podían encontrar en la calle Beale de Memphis; debido a ésta evolución, se marcó el camino hacia una importante diversificación de estilos y a una distinción aún más clara entre el blues y el jazz. Fue en este periodo en el cual compañías discográficas, como la American Record Corporation, Okeh Records y Paramount Records, comenzaron a grabar música afroamericana.

Mientras la industria discográfica crecía, intérpretes de country blues como Charlie Patton, Leadbelly, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Son House o Blind Blake adquirieron notoriedad en las comunidades afroamericanas. Jefferson fue uno de los pocos intérpretes de country blues que llegó a grabar prolíficamente y puede que fuera el primero en grabar con la técnica de slide guitar, técnica que se convertiría en un elemento importante del delta blues. En los años veinte, las primeras grabaciones de blues se englobaron en dos categorías: un blues rural (country blues, más tradicional) y un blues más pulido y urbano.

Los intérpretes de country blues solían improvisar, unas veces sin acompañamiento y otras haciendo uso de un bajo o una guitarra. En los primeros años del siglo XX existía una gran variedad de estilos regionales en el country blues; el Misisipi Delta Blues era un estilo de profundas raíces con voces apasionadas acompañadas de guitarra slide. Robert Johnson, el cual grabó muy pocas canciones, combinó elementos tanto del blues urbano como del rural. Junto a Robert Johnson, intérpretes influyentes de este género fueron sus predecesores Charlie Patton y Son House. Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller interpretaron la «delicada y lírica» tradición sureña del Piedmont blues, estilo que utilizaba una técnica muy elaborada de tocar la guitarra sin púa. Georgia también tuvo una tradición temprana hacia los slides.

El Memphis blues, el cual se desarrolló durante los años veinte y treinta alrededor de Memphis (Tennessee), estuvo influenciado por bandas como Memphis Jug Band o Gus Cannon's Jug Stompers. Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy o Memphis Minnie (famosa esta última por su virtuosismo a la hora de tocar la guitarra) utilizaron una gran variedad de instrumentos atípicos como el mirlitón, el violín o la mandolina. El pianista Memphis Slim inició su carrera en Memphis, pero su estilo tranquilo y distintivo era mucho más suave y ya contenía algunos elementos del swing. Gran parte de los músicos blues que vivían en Memphis se trasladaron a Chicago a finales de los años treinta y principios de los años cuarenta, formando parte del movimiento de blues urbano que uniría la música country con el blues eléctrico.

Los estilos urbanos del blues estaban más codificados y elaborados. El blues clásico femenino y las cantantes blues de vaudeville, fueron famosas en los años veinte, destacando intérpretes como Mamie Smith, Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith y Victoria Spivey. Mamie Smith, la cual era más una intérprete de vaudeville que una artista del blues, fue la primera afroamericana en grabar un blues en 1920; su Crazy Blues vendió 75.000 copias en el primer mes.

Ma Rainey (denominada la Madre del Blues) y Bessie Smith cantaban «... cada canción alrededor de tonos centrales, quizás para proyectar sus voces más fácilmente hacia el fondo de la habitación». Smith «... cantaba una canción en una afinación inusual, y su calidad como artista mezclaba y estiraba las notas gracias a su bella y poderosa voz de contralto para acomodarse a la interpretación de una manera inigualable». Entre los intérpretes masculinos de blues urbano se incluían músicos negros populares del momento como Tampa Red (denominado ocasionalmente como el Mago de la Guitarra), Big Bill Broonzy y Leroy Carr, tomando este último la decisión inusual de acompañarse a sí mismo con un piano.

El boogie-woogie fue otro de los géneros importantes de blues urbano en los años treinta y principios de los años cuarenta. Mientras que el género suele asociarse con un único piano, el boogie-woogie solía interpretarse con cantantes como acompañamiento en algunas bandas de música. Este estilo estaba caracterizado por una figura en forma de bajo, un ostinato o riff y un cambio de nivel en la mano izquierda, elaborando cada acorde y creando ornamentos con la mano derecha. El boogie-woogie fue desarrollado principalmente por el músico de Chicago Jimmy Yancey y por el trío de boogie-Woogie (Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis). Los intérpretes de este género en Chicago incluían a Clarence Pine Top Smith y Earl Hines, el cual «enlazó los ritmos de la mano izquierda de los pianistas del ragtime con las figuras melódicas similares a las que interpretaba Louis Armstrong con la mano derecha».

En los años cuarenta comenzó a desarrollarse el género jump blues, el cual estuvo influenciado por la música big band, utilizando el saxofón u otros instrumentos de viento, además de la guitarra, en las secciones rítmicas para crear un sonido jazzero y desacompasado con voces claramente marcadas. Las melodías jump blues de Louis Jordan y Big Joe Turner, de Kansas City, influenciaron el desarrollo de posteriores géneros como el rock and roll y el rhythm and blues. Tanto el estilo suave de Louisiana de Professor Longhair como el más reciente de Dr. John, mezclaron el ritmo clásico con los géneros del blues.

Tras la Segunda Guerra Mundial, y en los años cincuenta, los afroamericanos se trasladaron a las ciudades del norte de Estados Unidos y nuevos géneros musicales (como el blues eléctrico), se hicieron populares en ciudades como Chicago, Detroit y Kansas City. El blues eléctrico utilizaba guitarras amplificadas eléctricamente, bajos eléctricos, baterías y armónicas. Chicago se convirtió en el centro de este género a principios de los años cincuenta.

El Chicago blues está influenciado, en gran parte, por el género del Delta Blues, debido a la migración de intérpretes desde el estado de Misisipi. Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed nacieron en Misisipi y se trasladaron a Chicago durante la Gran migración afroamericana. Su estilo estaba caracterizado por el uso de la guitarra eléctrica, la slide guitar, la armónica y una sección rítmica de bajo y batería. J. T. Brown, el cual tocó en las bandas de Elmore James o J. B. Lenoir, también utilizó saxofones, pero de forma secundaria en vez de utilizarlos como instrumentos principales.

Little Walter y Sonny Boy Williamson II, famosos armonicistas (denominados harp en el argot de los músicos de blues), pertenecen a la etapa inicial del Chicago blues. Otros armonicistas como Big Walter Horton también desempeñaron un papel importante en aquella etapa. Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de la slide guitar eléctrica. B. B. King y Freddie King, no utilizaban la slide guitar pero fueron guitarristas influyentes en el género del Chicago blues. Howlin' Wolf y Muddy Waters también eran conocidos por sus voces profundas y graves.

El bajista y compositor Willie Dixon desempeñó un papel importante en la escena del Chicago blues; compuso y escribió muchos temas de blues estándar de aquel periodo, como Hoochie Coochie Man, I Just Want to Make Love to You (ambos compuestos para Muddy Waters), Wang Dang Doodle (compuesto para Koko Taylor y Back Door Man (compuesto para Howlin' Wolf). La mayoría de los artistas del Chicago blues grabaron sus discos para el sello discográfico de Chicago Chess Records.

En los años cincuenta, el blues tenía una gran influencia en la música popular de masas de EE. UU. Mientras que músicos populares como Bo Diddley y Chuck Berry estuvieron influenciados por el Chicago blues, su estilo entusiasta a la hora de tocar se diferenciaba claramente de los aspectos melancólicos del blues. Precisamente, la forma de tocar de Diddley y Berry fue uno de los factores de influencia en la transición del blues al rock and roll. Elvis Presley y Bill Haley estuvieron más influenciados por el jump blues y el boogie-woogie, popularizando ambos el rock and roll dentro del segmento de población blanca de aquellos tiempos. El Chicago blues también influenció la música zydeco de Luisiana, en la cual Clifton Chenier utilizaba acentuaciones blues. Los músicos del género zydeco utilizaban guitarras eléctricas y arreglos cajún basados en los estándares del blues.

Otros artistas de blues, como T-Bone Walker y John Lee Hooker, no estuvieron influenciados directamente por el subgénero de Chicago. Nacido en Dallas, T-Bone Walker suele asociarse con el West Coast blues, el cual es más suave que el Chicago blues y ofrece una transición entre el Chicago blues, el jump blues y el swing, con cierta influencia en las guitarras del jazz. El blues de John Lee Hooker es más personal, basado en su voz profunda y en el único acompañamiento de una guitarra eléctrica; a pesar de no estar influenciado directamente por el boogie-woogie, el género suele denominarse guitar boogie. Su primer éxito Boogie Chillen alcanzó el número 1 en las listas de R&B en 1949.

Hacia finales de los años cincuenta, el swamp blues se desarrolló cerca de Baton Rouge, con intérpretes como Slim Harpo, Sam Myers y Jerry McCain. Este género tenía un ritmo más lento y utilizaba la armónica de forma más simplificada que las interpretaciones realizadas por artistas del Chicago blues tales como Little Walter o Muddy Waters. Algunas canciones de este género son Scratch my Back, She’s Tough y King Bee.

Al principio de los años sesenta, los géneros musicales influenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular estadounidense. Los intérpretes caucásicos habían llevado la música afroamericana a nuevas audiencias, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. En Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues estadounidense, y a lo largo de la década el blues inglés desempeñó un importante papel de recuperación de cantantes afroamericanos al llevarlos a Europa y reinterpretar sus temas clásicos.

Bluesmen como John Lee Hooker y Muddy Waters siguieron tocando para sus admiradores entusiastas e inspirando a nuevos artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido en Nueva York, Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con elementos del rock y empezó a tocar con jóvenes músicos blancos, creando un género musical que puede escucharse en el disco de 1971 Endless Boogie. La técnica virtuosa de B. B. King le valió el apodo de Rey del Blues. A diferencia del subgénero de Chicago, la banda de King utilizaba soporte de viento (en forma de saxofón, trompeta y trombón), en vez de utilizar únicamente la slide guitar y la armónica. El cantante de Tennessee, Bobby 'Blue' Bland, al igual que B. B. King, también mezcló los géneros musicales del blues y del rhythm and blues.

El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante los años sesenta se incrementó debido al movimiento liderado por el grupo Paul Butterfield Blues Band y por el blues británico (British Blues). Este género, promovido principalmente por Alexis Korner, se desarrolló en Reino Unido, donde grupos como Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, The Rolling Stones, The Yardbirds y Cream interpretaron canciones clásicas de blues de los subgéneros Delta blues y Chicago blues.

Los músicos británicos de blues de principios de los años sesenta inspiraron, a su vez, a un número de intérpretes estadounidenses de blues-rock, incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del grupo británico Led Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales de blues. Un intérprete de blues-rock, Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por aquellos tiempos: un negro que tocaba 'rock psicodélico'; Hendrix fue un guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback' en su música. A través de éstos y de otros artistas, la música blues influenció el desarrollo de la música rock.

A finales de los años sesenta, el West Coast blues emergió en Chicago con Magic Sam, Magic Slim y Otis Rush; su principal característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una guitarra rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y Luther Allison fueron componentes de este género, el cual estaba dominado por una guitarra eléctrica principal amplificada.

Desde los años ochenta se ha experimentado un resurgir en el interés por el blues por parte de cierto sector de la población afroamericana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones del 'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño, tuvo un éxito inesperado gracias a dos grabaciones del sello discográfico Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill Down Home Blues (1982) y el tema de Little Milton The Blues is Alright (1984). Entre los intérpretes afroamericanos contemporáneos que trabajaron por este resurgir puede nombrarse a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy Soul Bonds, T. K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La red de cadenas de radio de blues de EE. UU., fundada por Rip Daniels (un ciudadano negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó con la presencia de personalidades de la radio como Duane DDT Tanner y Nikki deMarks.

Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma tradicional como dando paso a nuevos géneros. El Texas blues nació con la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en solitario. A diferencia del West Coast blues, el género tejano está influenciado principalmente por el movimiento rock-blues británico. Artistas de renombre del Texas blues son Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, The Fabulous Thunderbirds y ZZ Top. Los años ochenta también vieron el renacer de la popularidad de John Lee Hooker, realizando colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis, Robert Cray y Bonnie Raitt, entre otros. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los Blues Breakers y Cream, grabó en los años noventa su disco MTV Unplugged, en el cual interpretó varios temas blues con una guitarra acústica. Desde entonces ha rendido tributo a este estilo con discos que pueden considerarse totalmente de blues, como From the Cradle o Me and Mr. Johnson, y que han acercado el género al gran público.

En los años ochenta y noventa comenzaron a distribuirse publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, formándose asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al aire libre y aumentando el número de clubes nocturnos y edificios asociados al blues.

En los años noventa, los intérpretes de blues exploraron un amplio rango de géneros musicales, como puede verse en las nominaciones para los premios anuales Blues Music Awards, denominados con anterioridad W. C. Handy Awards, o en las nominaciones para los premios Grammy en las categorías de Mejor disco de blues contemporáneo y Mejor disco de blues tradicional. La música blues contemporánea está representada por varios sellos discográficos como Alligator Records, Blind Pig Records, MCA, Delmark Records, Delta Groove Music, NorthernBlues Music y Vanguard Records, siendo algunos de los más famosos por haber redescubierto y remasterizado rarezas del blues Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings, Yazoo Records y Document Records.

Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos los aspectos de este género musical, desde el clásico Delta blues hasta el blues más orientado al rock; artistas que nacieron a partir de los años setenta como Shemekia Copeland, Jonny Lang, Corey Harris, John Mayer, Vargas Blues Band, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars han desarrollado sus propios estilos.

Los géneros musicales del blues, sus estructuras, melodías y la escala blues han influenciado a muchos otros géneros musicales como el rock and roll, jazz y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Bob Dylan y The White Stripes tienen en su haber varias grabaciones importantes de blues. La escala blues suele utilizarse en canciones populares como la del músico Harold Arlen Blues in the Night, baladas blues como Since I Fell for You y Please Send Me Someone to Love e incluso en trabajos de orquesta como las obras de George Gershwin Rhapsody in Blue y Concerto en fa.

La escala blues está presente en gran parte de la música popular moderna, especialmente la progresión de terceras utilizada en la música rock (por ejemplo en el tema A Hard Day’s Night de The Beatles). Las estructuras blues se utilizan en cabeceras de series de televisión como el éxito Turn Me Loose del teen idol Fabian en la serie Batman, en temas country como los interpretados por Jimmie Rodgers e incluso en temas famosos de guitarristas o vocalistas como el de Tracy Chapman Give Me One Reason.

El blues puede bailarse como un tipo de swing, sin patrones fijos de movimiento y centrándose en la sensualidad, el contacto corporal y la improvisación. La mayoría de los movimientos de baile del blues están inspirados en la música blues tradicional. A pesar de que el baile de blues suele realizarse con temas blues, éste puede realizarse con cualquier música que tenga un ritmo lento de 4/4.

El origen del rhythm and blues puede seguirse hasta los espirituales y el blues. Musicalmente, los espirituales fueron descendientes de la tradición coral de Nueva Inglaterra, en particular de los himnos de Isaac Watts y la mezcla de ritmos africanos junto con patrones musicales de llamada y respuesta. Los espirituales, o cánticos religiosos, de las comunidades afroamericanas, están más y mejor documentados que los blues low-down (o blues depresivos). El canto espiritual se desarrolló debido a que las comunidades afroamericanas podían llegar así a reunir a más personas en sus reuniones, las cuales eran denominadas encuentros en el campo.

Los primeros bluesmen country, además de estar influenciados por el canto espiritual, intepretaron música country y blues urbano; algunos de estos músicos inclúyen a Skip James, Charlie Patton y Georgia Tom Dorsey. Dorsey ayudó a popularizar la música gospel, género que se desarrolló en los años treinta gracias al grupo Golden Gate Quartet. En los años cincuenta, la música soul (con artistas como Sam Cooke, Ray Charles y James Brown) ya utilizaba elementos del gospel y del blues. En los años sesenta y setenta, el gospel y el blues se fusionaron en la música soul blues. El género funk de los años setenta tuvo grandes influencias del soul; así mismo, el funk puede considerarse como el antecesor del hip hop y del rhythm and blues contemporáneo.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, las fronteras entre el jazz y el blues no estaban claras. Generalmente, el jazz utilizaba estructuras armónicas distintas a la estructura de doce compases asociada al blues, sin embargo, el subgénero jump blues de los años cuarenta juntó ambos géneros. Tras la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una gran influencia en el jazz: clásicos del bebop, como el tema de Charlie Parker Now's the Time, utilizaron las estructuras blues con la escala pentatónica y las notas blues.

El bebop marcó un gran cambio en el papel del jazz, convirtiéndolo de un género musical popular para bailar a un «alto grado», «menos accesible y cerebral música para los músicos». La audiencia para ambos géneros, jazz y blues, se dividió y la distinción entre ambos géneros quedó claramente definida. Los artistas que se mueven entre la frontera del jazz y el blues se engloban dentro del subgénero denominado jazz blues.

La estructura de doce compases y la escala blues fueron una gran influencia para el rock and roll. Un claro ejemplo de ello es el tema de Elvis Presley Hound Dog (un tema blues transformado en una canción rock and roll), el cual mantiene una estructura de doce compases (tanto en armonía como en letra) y una melodía centrada en la tercera de la tónica (además de en la séptima de la subdominante).

Posteriormente, un rock blanco más maduro, tomó prestada la estructura y las armonías del blues, a pesar de haber menos franqueza sexual y una pobre creatividad armónica (por ejemplo el tema de Bill Haley Rock Around the Clock). Gran parte de los músicos blancos que tocaron temas de artistas negros cambiaban ciertas palabras de las letras: un ejemplo corresponde al cambio que introdujo Pat Boone, en su interpretación del tema Tutti Frutti, modificando la letra original («Tutti frutti, loose booty... a wop bop a lu bop, a good Goddamn») por una versión más moderada.

Al igual que el jazz, el rock and roll, el heavy metal y el hip hop, el blues ha sido acusado de ser la «música del diablo» y de incitar a la violencia y a todo tipo de comportamientos delictivos. Durante los años veinte (periodo en el cual la audiencia blanca comenzó a interesarse por la música blues) este género gozaba de mala reputación, siendo W. C. Handy el primer músico en mejorar la imagen del blues ante el resto de los estadounidenses que no eran negros.

Hoy en día, el blues es uno de los principales componentes de la cultura afroamericana y de la herencia cultural estadounidense en general, reflejándose dicha importancia no sólo en estudios universitarios sino también en películas como Sounder, The Blues Brothers, Crossroads y O Brother, Where Art Thou? (película en la que aparece caracterizado, con ciertas licencias, el guitarrista de blues Robert Johnson). Las películas de The Blues Brothers, en las cuales se entremezclan varios géneros musicales relacionados con el blues como el rhythm & blues o el zydeco, han tenido un gran impacto en la imagen de la música blues (a pesar de que la música de la película más famosa, la primera, es principalmente rhythm and blues); así mismo, dichas películas promocionaron la canción de blues tradicional Sweet Home Chicago, valiéndose de la versión más conocida atribuida a Robert Johnson, al estatus de himno no oficial de la ciudad de Chicago.

En el año 2003, Martin Scorsese realizó un esfuerzo importante para promocionar el blues, solicitando a directores de cine famosos, como Clint Eastwood y Wim Wenders, que participaran en una serie de películas denominadas The Blues. Scorsese también participó en un tributo a los artistas más importantes del blues a través de la edición de varios discos compactos de música.

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Músicos de blues

Intérpretes de blues desde los primeros guitarristas, de un sólo acorde, del Delta hasta las big band, pasando por la música country, el rock and roll y la música clásica.

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Flamenco Blues Experience

Flamenco Blues Experience es un álbum de Vargas Blues Band, lanzado en 2008. Contiene canciones muy conocidas como: No Pasa Nada, Blues Para Lucía o Walking The Streets.

Este trabajo es un homenaje a Are You Experienced? de Jimi Hendrix. En él intenta unir su blues con el flamenco.

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Heavy metal

Cantante de Heavy metal

El heavy metal (literalmente en español metal pesado o metal duro) es un género musical que usa elementos musicales del rock and roll caracterizado por ritmos potentes logrados mediante la utilización de guitarras distorsionadas, baterías con doble bombo o doble pedal, y bajos pronunciados.

El término heavy metal, debido a la progresión que ha sufrido este género desde su creación, se usa actualmente para hacer referencia a dos conceptos distintos: heavy metal como género musical (también llamado metal) y heavy metal clásico como subgénero musical tradicional dentro de dicho género. El Metal es el genero musical que tiene mas subgeneros dentro del mismo.

El origen del término "heavy metal" no es claro. Una versión defiende que fue acuñado por el escritor William S. Burroughs, quien en su novela de 1961 The Soft Machine, incluye al personaje "Uranian Willy, the Heavy Metal Kid" (Uranian Willy, el chico "Heavy Metal"). En su siguiente novela, del año 1964, titulada Nova Express, desarrolla aún más este concepto de "heavy metal", convirtiéndolo en una metáfora de las drogas adictivas. Otro de los aspectos destacable de estas novelas es el uso frecuente del sonido como agente liberador de la vida programada y la alienación causada por un mundo cada vez más mecánico.

Otra teoría, posiblemente apócrifa, señala como origen del término a un crítico de rock quien en 1967 dijo que la música de Jimi Hendrix era "like heavy metal falling from the sky" (en español: "como metal pesado cayendo desde el cielo").

Humanoides Asociados, una agrupación de creativos del mundo del comic francés, crearon una serie de cómics de ciencia ficción, en la revista creada para este propósito, Métal Hurlant (Heavy Metal) en su posterior versión estadounidense de la francesa Métal Hurlant.

La palabra "heavy" (traducido como serio o profundo del argot norteamericano ) había entrado en la contracultura algún tiempo antes, y las referencias a la música "heavy", normalmente variaciones más lentas y amplificadas del pop normal, eran comunes. En 1968 aparece por primera vez el término "heavy metal" en una canción, en la frase "heavy metal thunder" de la canción de Born to be Wild del grupo Steppenwolf. Ese mismo año Iron Butterfly publica su álbum debut titulado Heavy.

Durante mucho tiempo, la creación del término fue atribuida al crítico Lester Bangs de la revista Creem, que lo utilizó para describir una representación del grupo MC5 de Detroit en 1968. Se considera que Lester Bangs popularizó el término a principios de los 70 para describir a grupos como Led Zeppelin y Black Sabbath. Sin embargo, el primer uso documentado del término es de mayo de 1971, en una crítica del disco Kingdom Come de Sir Lord Baltimore de la revista Creem a cargo del redactor Mike Saunders.

Otra teoría afirma que en 1969 el crítico y periodista David Fricke de la revista especializada CIRCUS agrupó a diferentes bandas tales como Black Sabbath, Deep Purple e incluso Cream dentro del naciente movimiento al que bautizó heavy metal debido a la similitud con el característico sonido, densidad y pesadez que entrañaban los temas de Humble Pie (agrupación liderada por Steve Marriot y Peter Frampton) y la etérea y dura atmósfera experimentada en sus conciertos.

Durante 1969, John Peel de la BBC presentó oficialmente a Humble Pie como la primera banda heavy metal, no haciendo referencia a su música y sonido sino a la cantidad de volumen utilizado en su interpretación de cortes clásicos de blues consagrados durante la década de los cincuenta. Como dato adicional, el disco de Humble Pie Performance Rockin The Fillmore de 1971 fue el primer álbum editado en el que en la contraportada aparecía una pequeña etiqueta señalándolo como heavy metal, esto en los primeros tirajes del LP que debido a la duración del mismo fue originalmente lanzado como álbum doble.

Sandy Pearlman, productor, representante y compositor de la banda Blue Öyster Cult, asegura que él fue el primero en aplicar el término "heavy metal" a la música rock durante la década de los 70. En 1971 realizó una crítica para la revista americana Crawdaddy!, del álbum The Notorious Byrd Brothers de The Byrds donde calificaba como "heavy metal" a la canción Artificial Energy.

Los términos "heavy metal" y "hard rock" han sido utilizado muchas veces como sinónimos, especialmente al hablar de grupos de los años 70. Sobre cómo el término "heavy metal" se popularizó es un asunto que permanece en la oscuridad. El propio Ozzy Osbourne suele referirse al genero más como rock and roll que como heavy metal, así que probablemente la NWOBHM haya tenido algo que ver y algo después, en 1988, Judas Priest graba un tema titulado Heavy metal.

La música blues norteamericana tuvo una gran influencia en los primeros grupos de rock británicos. Grupos como The Rolling Stones y The Yardbirds grabaron versiones de muchas canciones clásicas de blues, usando guitarras eléctricas donde muchas de las originales usaban acústicas y además a veces subían el tempo (adaptaciones similares del blues y de otros géneros afroamericanos de música formaron la base del primer rock and roll, de manera especial el de Elvis Presley).

Como consecuencia de este experimento musical, las bandas británicas basadas en el blues desarrollaron lo que se convirtió en el sello del heavy metal: esencialmente un género de guitarras distorsionadas y sonidos altos, construidos alrededor de poderosos acordes The Kinks tuvieron un importante papel en popularizar este nuevo sonido con su éxito You Really Got Me en 1964. Otra contribución significativa fue el emergente sonido distorsionado de guitarras que facilitaba la nueva generación de amplificadores con el que experimentaron guitarristas como Dave Davies (The Kinks), Pete Townshend (The Who) y Jeff Beck. Influencias anteriores incluyen a Vanilla Fudge, que hacían canciones pop "psicodelizadas" y más lentas, al igual que los primeros hard-rockers británicos como The Who y el temprano Fleetwood Mac, quienes prepararon el camino para el heavy introduciendo estilos de percusión más agresivos en el rock.

Los estilos de batería del blues-rock, basados en baterías pequeñas y simples, fueron sustituidos por una técnica más compleja y sonora para poder equipararse con el volumen de las guitarras amplificadas. De manera similar, los vocalistas modificaron su técnica e incrementaron su dependencia con la amplificación, a menudo consiguiendo voces más estilizadas y dramáticas. Simultáneamente, los avances en la tecnología de amplificación y de grabación permitieron capturar la dureza de este sonido en una grabación.

La combinación del blues-rock con el rock psicodélico formó gran parte de la base original del heavy metal. Una de las bandas más importantes en fusionar estos géneros fue Cream, quienes ejemplifican el concepto de power trio (bajo, guitarra y batería) que se convertirá en habitual dentro del heavy metal. Sus dos primeros LP, Fresh Cream (1966) y Disraeli Gears (1967) son vistos como prototipos esenciales del futuro género. El disco debut de The Jimi Hendrix Experience, Are You Experienced (1967) también tuvo gran influencia. El virtuosismo técnico de Hendrix, que había desarrollado la guitarra de blues rock amplificada, ha sido emulado por muchos guitarristas y la canción más existosa del álbum, Purple Haze, es identificada por algunos como el primer hit del heavy metal. Algunos también citan al álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) de The Beatles como una influencia remarcable, ya que en este disco incrementaron la distorsión de las guitarras y usaron arreglos más "duros".

En enero de 1969, Led Zeppelin saca a la venta su álbum debut y alcanza el puesto número diez en la lista de éxitos de la revista Billboard. En julio, Led Zeppelin junto Grand Funk Railroad tocan el Atlanta Pop Festival. En agosto, Mountain tocan en el Festival de Woodstock En otoño, el disco Led Zeppelin II de Led Zeppelin alcanza el número uno en la lista Billboard y el single Whole Lotta Love el número cuatro. Led Zeppelin definió aspectos centrales del emergente género, con la altamente distorsionada guitarra de Page y la voz dramática y aguda de Robert Plant. Era el comienzo de la revolución del heavy metal.

Deep Purple fluctuaba entre diferentes estilos en sus primeros años, musicalmente sin saber estaba en el medio del hard rock y el heavy rock. En 1969 el vocalista Ian Gillan y el guitarrista Ritchie Blackmore dirigieron el sonido del grupo, desarrollando un estilo que pasaría a denominarse como género heavy metal.

La publicación de los álbumes Black Sabbath y Paranoid de Black Sabbath y el Deep Purple in Rock de Deep Purple fueron cruciales para acabar de definir la música heavy metal. Black Sabbath, liderado por Ozzy Osbourne es considerada hoy día como uno de los pioneros del heavy metal por tener una forma más agresiva y oscura a lo escuchado en esos tiempos. En parte, Black Sabbath debe el desarrollo de su sonido heavy particular a un accidente laboral del guitarrista Tony Iommi sufrido antes de la fundación del grupo. Una de las máquinas de una fábrica de metal le rebanó la punta de los dedos de su mano derecha. Incapaz de tocar de formal normal, Iommi tuvo que ajustar su guitarra más abajo para poder tocar más fácilmente y confiar en hacer los acordes con su relativamente sencilla digitación.

En América, el grupo que establecía tendencias era Grand Funk Railroad y V8 en sudamerica "el grupo americano de heavy metal con más éxito comercial desde 1970 hasta su separación en 1976, que estableció la fórmula del éxito de los 70: giras constantes." Otras bandas identificadas con el heavy metal nacen en Estados Unidos, como Dust (primer LP en 1971), Blue Öyster Cult (1972) y Kiss (1974). En Alemania, Scorpions debutan con Lonesome Crow en 1972. En Australia, AC/DC saca su primer disco, High Voltage (1975).

En 1974, el grupo británico Judas Priest debuta con Rocka Rolla. Aunque Judas Priest no entra la lista de los 40 álbumes más vendidos en Estados Unidos hasta 1980, para muchos fue la banda heavy metal definitiva post-Sabbath. Sus dos guitarras, sus tempos veloces y su sonido metálico, totalmente alejado del blues, ha sido una de las principales influencias en grupos posteriores. Con el sonido de Judas Priest el término "heavy metal" se desprende de la raíz progresiva, hippie, psicodélica y del rock denso que tenía hasta entonces.

En el año 1974, el grupo británico Queen graba Stone Cold Crazy, una canción con un riff muy pesado en conjunto con una batería también muy violenta. Ésta canción ha sido declarada muchas veces como una gran influencia, en especial entre los grupos de thrash metal como Megadeth y Metallica. Incluso, éste último grupo llegó a grabar un cover, y su vocalista James Hetfield la interpretó con Queen y Tony Iommi (de Black Sabbath) en el Concierto en Tributo a Freddie Mercury. En el año 1975, Queen graba Bohemian Rhapsody, su single más exitoso, y el cual consta de tres partes, siendo parte de ellos un metal muy agresivo. Tan exitoso fue, que el grupo Iron Maiden grabó un cover enconjunto con la sinfónica de Liverpool y Monserrat Caballé.

Mientras el heavy metal crecía en popularidad, muchos críticos no veían con buenos ojos este nuevo género musical. Se hacían objeciones respecto al espectáculo visual adoptado por el heavy metal y a otras trampas de origen comercial, pero las principales críticas se centraban sobre la música y las letras. En una crítica de un disco de Black Sabbath a principios de los 70, el reportero Robert Christgau describe el disco como "aburrido y decadente... explotación tonta y amoral".

El punk rock nace a mediados de los años 70 tanto como reacción contra las condiciones sociales y al exceso de música rock, incluido el heavy metal, de la época. Las ventas de discos heavy metal caen bruscamente a finales de los 70, a favor del punk, la música disco y el rock más comercial. Mientras la mayor parte de las discográficas se fijan en el punk, muchas nuevas bandas de heavy metal británicas publican sus discos de manera independiente, para audiencias pequeñas y fieles. Revistas británicas como NME y Sounds empiezan a hablar de este nuevo movimiento. Geoff Barton, redactor de Sounds, bautiza este movimiento como "New Wave of British Heavy Metal" (en español nueva oleada de heavy metal británico) o NWOBHM. La NWOBHM incluye a grupos como Iron Maiden, Venom y/o Motörhead que revitalizan el género heavy metal. Siguiendo la estela de Judas Priest, endurecen su sonido, reducen los elementos blues y utilizan tiempos más rápidos.

En 1980, la NWOBHM entra en las listas comerciales, cuando álbumes de Iron Maiden y Motörhead alcanzan el top 10 británico. En 1981, Motörhead se convierte en el primer grupo de este movimiento en alcanzar el número de las lista británicas con No Sleep 'til Hammersmith. Posteriormente, en 1982 Iron Maiden alcanza dicha posición con el álbum " The Number of the Beast". Otras agrupaciones, como Diamond Head o Venom, aunque consiguen menos éxito, tendrán una significativa influencia en el desarrollo del heavy metal.

Con el despertar de la New Wave of British Heavy Metal, el heavy metal vio incrementada su popularidad a principio de los años 80. Muchos artistas se vieron beneficiados de la cobertura dada por la MTV, que inició su andadura en 1981 y donde la emisión de vídeo-clips disparaban las ventas de los grupos. Los vídeo-clips para el disco Pyromania convierten a Def Leppard en superestrellas en Estados Unidos y Quiet Riot se convierten en la primera banda estadounidense de heavy metal que alcanza el número uno en la lista Billboard con su disco Metal Health (1983).

La primera generación de grupos heavies estaban cediendo el primer plano. Deep Purple se separan poco después de la partida de Ritchie Blackmore en 1975 y Led Zeppelin se retiran en 1980 después de la muerte de John Bonham. En los conciertos, Black Sabbath tenia como a telonero al grupo de Los Ángeles Van Halen. Eddie Van Halen se consolida como uno de los principales guitarristas virtuosos (su solo en la canción Eruption, del álbum Van Halen se considera un hito ). Randy Rhoads y Yngwie J. Malmsteen también se convierten en afamados guitarristas, asociados a un género conocido como metal neoclásico.

Inspirados por el éxito de Van Halen, una escena glam empieza a crecer en el sur de California, especialmente en Los Ángeles, durante finales de los 70. Basada alrededor de los clubes de Sunset Strip, grupos como Quiet Riot, Ratt, Mötley Crüe y W.A.S.P. fueron influidos por el heavy metal tradicional de principios de los 70 e incorporaron la puesta en escena (y a veces el maquillaje) del glam rock de grupos como Alice Cooper y KISS. Estos grupos de glam metal (junto a otros similares como los neoyorquinos Twisted Sister) se abrieron hueco en la escena heavy en particular y en la música rock en general. En España, destacaron grupos glam metal como Niágara, Sangre Azul o Bella Bestia. Los artistas de glam metal no se vestían con la indumentaria clásica del artista de heavy metal, sino que tenían algunas diferencias: pantalones de cuero ajustados, chaqueta de cuero, indumentaria de color negro y pelo largo, llevaban el pelo largo, rizado hasta la extravagancia y el uso de maquillaje era frecuente, incluyendo labios pintados.

A mediados de los 80, el glam metal dominaba las lista de ventas de los EE.UU, la música en televisión y el circuito de concierto. Nuevos grupos como Poison, Cinderella o Bon Jovi atraían cada vez más gente, mientras que Mötley Crüe y Ratt mantenían sus éxitos. En 1987, la MTV presenta el programa Headbanger's Ball, dedicado exclusivamente a vídeos de grupos Glam Metal. Sin embargo, entre el público de música heavy comienzan a surgir facciones, con seguidores de un metal más underground y sonido más extremo que despreciaban el heavy más popular calificándolo despectivamente como "light metal" o "hair metal.". Para estos seguidores, el glam metal no puede considerarse como "Heavy Metal", debido a que su estructura musical no está basada en ese género.

Una de las bandas que unificó publicos diversos fue Guns N' Roses. Con la publicación de Appetite for Destruction (1987), "recargaron y sostuvieron casi sin ayuda el decadente sistema de Sunset Strip por muchos años.". En 1988, Jane's Addiction surgieron de la misma escena de clubes hard rock de L.A. con su disco debut Nothing's Shocking. La revista Rolling Stone los describió como "más que ninguna otro grupo existente, Jane's Addiction son los verdaderos herederos de Led Zeppelin." Este grupo fue uno de los primeros en ser identificados como "alternative metal", tendencia musical que pasaría a primera plana en la siguiente década.

En 1985, el comité Parents Music Resource Center (PMRC) intentó censurar a la música heavy metal, glam metal y a muchas otras corrientes musicales (como el Pop), por que la denominaba obscena y no digna de ser escuchada por menores de edad. La PMRC se confrontó a tres músicos de la época: Dee Snider, Frank Zappa y John Denver. En este confrontamiento, Dee Snider dijo que en sus discos se podían poner etiquetas advirtiendo del tipo de letras que en la música habían. Finalmente, 19 discográficas acordaron añadir la etiqueta "Parental Guidance: Explicit Lyrics"" (en castellano, "Aviso a los padres: letras explícitas") en los discos que contuvieran letras con contenido explícito.

En España también hay una explosión de grupos heavy metal a principio de los 80. En Madrid es donde hay un mayor proliferación de bandas como Obús o Barón Rojo, pero también surgen durante esta década grupos como Los Suaves (Orense), Ángeles del Infierno (Lasarte), Barricada (Pamplona) o Sangtraït (La Junquera).

De los años 80 hasta principios de 2000 la evolución musical del heavy metal provocó la creación de numerosos subgéneros que se popularizaron fuera de la corriente comercial tomando entidad propia, lo que provocó que se desarrollara un término contemporáneo para englobarlos en función de sus características comunes, con la misma función que venía cumpliendo el término heavy metal, y que se diferencia a partir de la contracción derivada de éste (metal). Por lo que heavy metal es el sinónimo histórico de música metal. De esta forma, el metal engloba hoy a distintos géneros musicales que presentan características comunes, incluyendo al propio heavy metal.

El folk metal es un subgénero del metal relativamente pequeño y no muy fácil de diferenciar. Su peculiaridad es la influencia de elementos folk sobre una base normalmente metálica, que puede dar paso a la de black metal clásico (aunque a veces esta base es de black metal sinfónico) y en ocasiones death metal.

La temática varía dependiendo la vertiente, ya sea de la tradición tanto vikinga como celta, pero lo usual es que hablen del orgullo de la region de la que proviene la banda, siempre exaltando las tradiciones del pais es cuestion, los instrumentos más comunes suelen ser gaitas, whistles, flautas, acordeones, violines o arpas de boca que acompañan a instrumentos básicos del metal, como la guitarra, la batería, el bajo o el teclado. Algunos ejemplos son la bandas Mägo de Oz, Korpiklaani, Folkearth, Moonsorrow, Orphaned Land, Finntroll, Falkenbach, Eluveitie, Turisas o Ensiferum.

El thrash metal surgió a principios de los 80 bajo la influencia del hardcore punk y la New Wave of British Heavy Metal, El movimiento empezó en los Estados unidos, especialmente en el área de la Bahía de San Francisco, en lo que se conoció como la Bay Area thrash metal. El sonido que desarrollaron los grupos thrash era más rápido y agresivo, incrementando la distorsión de sus guitarras y utilizado la técnica de scratching ('raspado' con la púa). La canción Stone Cold Crazy de la banda británica Queen (que en sus inicios tenían un estilo más cercano al género hard rock y al heavy metal mismo) es considerada como la primera canción de thrash metal de la historia.

Este subgénero fue popularizado por los llamados "Big Four of Thrash" ("Cuatro grandes del thrash metal"): Anthrax, Megadeth, Metallica y Slayer. Tres grupos alemanes, Kreator, Sodom y Destruction jugaron un papel central al llevar este género a Europa.

Los grupos líderes del movimiento empezaron a tener cada vez mayor audiencia. Metallica metió el thrash en el top 40 de la lista Billboard en 1986 con Master of Puppets; considerado por muchos como el mejor álbum del Heavy Metal, dos años después, el disco ...And Justice for All alcanza el número seis, mientras que Megadeth y Anthrax entran también en la lista.

Aunque con menos éxito comercial que el resto de los Big Four, Slayer publicó uno de los discos definitivos del género: Reign in Blood (1986), descrito por Kerrang! como "el álbum más heavy de todos los tiempos". Dos décadas más tarde, la revista Metal Hammer lo nombra como el mejor álbum de los últimos veinte años. Grupos como Nuclear Assault, Exodus o Overkill también influenciaron en el género.

A principios de los 90, el thrash alcanzó el éxito comercial. El llamado álbum negro (The Black Album, 1991) de Metallica es número uno de lista Billboard, Countdown to Extinction (1992) de Megadeth alcanza el número dos y Anthrax y Slayer llegan al top 10. Álbumes de otros grupos thrash como Testament y Sepultura se sitúan entre los cien más vendidos.

El movimiento death metal adoptó posiciones más fuertes en cuanto a su fuerza a la hora de ejecutarlo. El death metal utilizaba la velocidad y la agresividad del thrash y el hardcore, fusionados con las letras acerca de violencia. Los cantantes death metal, típicamente, utilizan voces tenebrosas, incluso guturales (llamados death metal growls) combinados con voces graves y otras técnicas poco comunes. Las guitarras tienen más distorsión y la percusión es extremadamente más rápida. Los cambios frecuentes de tempo también son típicos.

Una teoría dice que el nombre del género proviene del título de la canción Death Metal del disco Seven Churches de Possessed. Otros consideran que el nombre del género se debe al título la demo de los pioneros Death: Death by metal.

Deicide, Morbid Angel junto a Death y Obituary fueron los líderes de la escena death metal que nació en Florida a mediados de los 80. En el Reino Unido, surgieron grupos estrechamente relacionados con el grindcore, liderados por Napalm Death y Extreme Noise Terror. En Escandinavia se desarrolla una importante escena death, con grupos como Entombed y Dismember.

En la última década ha sufrido innovaciones que han creado a su vez nuevos subgéneros. Así podemos mencionar el death metal tradicicional, el death metal melódico con exponentes como Eternal Tears of Sorrow, In Flames, Dark Lunacy, Children of Bodom, Arch Enemy o Dark Tranquillity, el death metal técnico con exponentes como Hate Eternal o Krisiun, progressive death metal con grupos como Opeth y el brutal death metal en el que destacan Mortician, Cannibal Corpse, Vomit The Soul, Purulent, Asesino, All Shall Perish, Aborted y Dying Fetus. El death metal más puro también ha influido de manera importante en la aparición del grindcore, por ejemplo grupos como Napalm Death o Terrorizer.

El black metal varía considerablemente en estilo y calidad de producción, aunque la mayoría de grupos enfatizan las voces muy agudas (llamados shriek) en contraste con voces muy graves (casi guturales), las guitarras altamente distorsionadas y una atmósfera "oscura". Fenriz, batería de Darkthrone, explica "hay que hacer algo con la producción, las letras, la manera en que se visten y un compromiso para hacer un material desagradable, crudo y sombrío. No hay un sonido genérico". La temática satánica es común en el black metal, aunque muchos grupos toman inspiración del antiguo paganismo, promoviendo un retorno a los valores pre-cristianos.

El origen del término black metal, proviene del título del disco Black Metal del grupo Venom.

A principios de los 90 algunos grupos escandinavos de la escena black metal son asociados con la violencia. Varios miembros de Mayhem, Burzum, Darkthrone y Emperor son acusados de quemar iglesias y de satanismo, en lo que la prensa llamó el Inner circle. En 1993, el asesinato de Euronymous, guitarrista de Mayhem, por Varg Vikernes, miembro del grupo Burzum, tiene una amplia cobertura por parte de los medios informativos.

A finales de los 90 e inicio de los 2000, Cradle of Filth y los noruegos Dimmu Borgir consiguen acercar el black metal al circuito comercial.

De la fusión del black metal con música tradicional se derivan subgéneros como el viking metal y el folk metal. El folk metal es una fusión de heavy metal con música escandinava o celta, como gaitas, whistles, flautas, violines o acordeones.

A mediados de los 80, la escena power metal nace en gran parte como reacción a los sonidos death y black metal. Aunque en EE.UU. permanece como sonido relativamente underground, el power metal alcanza una gran popularidad en Europa. El power metal se centra en una música más optimista, melodías épicas y temas que "apelan al sentido del valor y la belleza del oyente." El prototipo de este sonido, establecido a mediados y finales de los 80, lo marcan los alemanes Helloween y Running Wild, que combinan poderosos riffs, un enfoque melódico y un estilo de agudos "limpios" de grupos como Iron Maiden y Judas Priest junto a la velocidad y la energía del thrash, "cristalizando los ingredientes sónicos en lo que ahora es conocido como power metal" Los neoyorquinos Manowar y Virgin Steele fueron grupos pioneros en este género en los EE.UU. El disco Rising Force (1984) de Yngwie J. Malmsteen fue crucial en la popularización del género de guitarra eléctrica ultra rápido conocido como shred, así como para fusionar el heavy con elementos de la música clásica, hecho que influyó considerablemente en el desarrollo del power metal.

Muchos grupos de power metal como Kamelot, Rhapsody of Fire, Nightwish o Sonata Arctica utilizan una base de teclados, usando algunas veces orquestas y cantantes de ópera, creando un subgénero propio que se denomina power metal sinfónico.

En los noventa el power metal alcanzó una gran popularidad, especialmente en Europa, con bandas como Gamma Ray, Blind Guardian, Stratovarius, Hammerfall, Edguy. Este género también tiene muchos seguidores en Japón y Sudamérica, donde nacen grupos como los brasileños Angra o los argentinos Rata Blanca.

Más recientemente, se empieza a hablar de power metal extremo (se dice que los creadores son Dragonforce), sin llegar a ser este un nuevo género dentro del power metal, que busca más velocidad y dureza, y requiere de los intérpretes llegar a la perfección de la técnica.

Muy relacionado con el power metal está el metal progresivo, que adopta las composiciones complejas de grupos como Rush y King Crimson. Se caracteriza por la gran capacidad técnica de los músicos y por las melodías que le imprimen a las canciones. También es usual que, tal como fue costumbre con los discos de rock progresivo, los discos de este género sean conceptuales y de canciones de larga duración divididas en capítulos o partes.

Este género se crea en los Estados Unidos a principios y mediados de los años 80, de manos de grupos como Queensrÿche, Fates Warning y Dream Theater. En 1990, Queensrÿche obtiene un triple disco de platino gracias a su álbum Empire. La mezcla entre metal progresivo y power metal está representada por la banda de Nueva Jersey Symphony X.

El doom metal se caracteriza por la incorporación de riffs graves cargados de fuertes distorsiones, además de manejar tiempos musicales muy lentos en comparación con otros géneros de heavy metal. Enfatiza la melodía, los tempos melancólicos y el ambiente oscuro de otras variedades de heavy metal.

El sonido doom metal, así como en sus letras, tiene sus raíces en los primeros álbumes de Black Sabbath y de otros contemporáneos como Blue Cheer, Pentagram y Black Widow, Witchfinder General y Death Row entre otros, en lo que se denomina Proto Doom. The Melvins también tienen una influencia significativa en el doom metal y en sus subgéneros.

El movimiento doom metal surge como tal a mediados de los 80 con grupos como Saint Vitus, The Obsessed y Candlemass. Este genero acaba dando lugar a derivaciones como el Traditional Doom y el Sludge Doom.

En 1991, los británicos Cathedral publican Forest of Equilibrium, creando lo que sería una nueva ola de doom metal. Durante ese mismo periodo, la fusión de death/doom de grupos como Paradise Lost, My Dying Bride, y Anathema hacen resurgir el gothic metal en Europa. Mientras tanto, grupos como Theatre of Tragedy y Tristania ejemplifican a las bandas con dos voces, masculina y femenina. Type O Negative introduce este género en EE.UU.

En la actualidad el doom metal es un subgénero vivo que explora fusiones con diversos géneros musicales como el jazz (The 3rd and the Mortal), el Noise (Boris) y que ha creado nuevas variantes como el funeral doom, el black/doom o el drone doom. De la misma manera hay grupos, como Reverend Bizarre, que se mantiene en su raíces más puras.

En los EE.UU., el sludge metal nace a finales de los 80 como mezcla del proto doom y el hardcore punk. Eyehategod, Down y Crowbar (la llamada generación NOLA) lideran la escena sludge de Luisiana. A principios de los 90, los californianos Kyuss y Sleep, inspirados por los primeros grupos de doom metal, encabezan el movimiento stoner metal, mientras que en Seattle, grupos como Earth desarrollan el subgénero drone metal.

A finales de los 90 aparecen grupos como Goatsnake y Sunn O))) que mezclan doom, drone y dark ambient. El New York Times compara su sonido a "una raga india en medio de un terremoto". En 2006, Mastodon, con un estilo difícil de clasificar que mezcla progresivo y sludge, entra en top 40 de la lista Billboard con el álbum Blood Mountain.

El gothic metal mezcla la música clásica, los teclados y violines, con las voces femeninas, especialmente de sopranos, presentando efectos ambientales y sinfónicos. Surge a finales de los 80 en Finlandia con la ayuda de: Bauhaus quienes tenian raices punk y sin intención dieron vida al género gótico, lanzando su primer album "In the Flat field (1980)" y Umbra et imago quienes experimentan con sonidos basados en la oscuridad así como efectos ambientales. A partir de estos grupos aparece Lacrimosa, con un demo llamado "Clamor" (1989) que mezclaba elementos de la música clásica con géneros de música gótica, y Paradise Lost, que introduce voces femeninas a su doom metal. Grupos como The Sins Of Thy Beloved o Trail of Tears juegan con voces limpias (voz femenina) y guturales (voz masculina). Luego aparecerían The Gathering, Theatre of Tragedy y Tristania que poseían un estilo más denso.

Bandas como The Gathering, Tiamat, Anathema, entre otras, pronto dejaron de lado el sonido del Metal inclinándose hacia la música electrónica o el rock clásico, perdiendo así su inclusión dentro del género Metal mas no su temática oscura y depresiva. A finales de los 90s e inicios del 2000 algunas agrupaciones combinan los elementos del Doom Metal con atmósferas cada vez más sobrecargadas de teclados, cuerdas, sopranos y coros (Therion, Haggard), así como otras que aplican indistintamente voces guturales y Soprano como Trail of Tears, Penumbra, The Sins Of Thy Beloved, Epica -mezzo-soprano en este caso-, Vampiria, Nightwish, Forever Slave, Theatres des Vampires, After Forever, o puramente femeninas (Elis, Edenbridge).

La era del dominio comercial del metal en EE.UU toca a su fin a principios de los 90 con la aparición de Nirvana, Alice In Chains, Pearl Jam y de otros grupos grunge. Los grupos grunge estaban influenciados por el sonido heavy metal, pero rechazaban los excesos de muchos de los grupos populares de metal. El glam metal no cae sólo por el éxito del grunge, sino también por la popularidad del sonido más agresivo de Metallica y del post-thrash, denominado groove metal, de Pantera.

Algunos grupos intentan adaptarse a la nueva situación musical. Metallica renueva su imagen, sus músicos se cortan el pelo y en 1996 encabezan el festival de música alternativa Lollapalooza, fundado por Perry Farrell, cantante de Jane's Addiction. Aunque este cambio disgustó a sus fans de toda la vida, Metallica permaneció como uno de los grupos con más ventas del nuevo siglo.

Como Jane's Addiction, muchos de los grupos más populares de principios de los 90 que tenían sus raíces en el heavy metal caen bajo la sombra del término "metal alternativo" Esta etiqueta se aplica a un amplio conjunto de grupos que fusionan el metal con diferentes géneros, no todos asociados con el rock alternativo. Son calificados de "metal alternativos" Alice in Chains (proveniente de la escena grunge de Seattle) , White Zombie, System of a Down, Faith No More (que combina el sonido rock alternativo con punk, funk, metal y hip-hop), Primus (que junta elementos funk, punk, thrash metal y música experimental) y Tool (que mezcla metal y rock progresivo).

Las raíces del metal industrial se encuentran en Alemania, donde músicos inquietos y cansados de las mismas estructuras musicales, exploran con sonidos literalmente metálicos grabados en industrias, producidos por máquinas o por golpes de martillos sobre diferentes superficies, sonidos que al ser procesador en sintetizadores, dan origen a los samplers. Einstürzende Neubauten son pioneros en la creación de música industrial, caracterizada por el minimalismo y la repetición de figuras sonoras "no musicales".

El metal industrial surge a principios de los años 90. Las canciones utilizadas con esta fórmula se caracterizan por los sonidos electrónicos que se complementan acompañando a los instrumentos principales (batería, bajo, guitarra y voz). A menudo la voz del cantante suele estar modificada incluso con efectos sonoros de fondo. Asimismo se puede encontrar un tecladista para acompañar a la canción, pero también suele estar reformado el piano. Este género del metal no utiliza normalmente los ritmos demasiado complicados de batería y guitarra y acostumbra a utilizar ritmos más lentos, acercándose a un hard rock bastante denso. Entre los grupos fundamentales de este género tenemos a Ministry, White Zombie, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Fear Factory, los canadienses Skinny Puppy y los alemanes Oomph!, Rammstein y KMFDM.

El groove metal es una mezcla de varios géneros en los que se cuentan el heavy metal clásico y el thrash metal. Álbumes como Slaughter in the Vatican de Exhorder, Arise de Sepultura , y We are the Dead de Artillery incorporaron melodías groovies al thrash metal, pero no fue hasta discos como The Law de Exhorder, Vulgar Display of Power de Pantera, La Sexorcisto: Devil Music, Vol. 1 de White Zombie o Burn My Eyes de Machine Head que el groove metal tomó su verdadera forma musical.

A diferencia de las bandas de thrash metal y muchos de los subgéneros del heavy metal, el groove metal no está tan orientado hacia los riffs. Artistas del género tienden a tener un estilo fuertemente influenciado por riffs thrashers posicionados en el medio, acentuados con acordes poderosos de guitarras afinadas en tonos bajos (Drop D o afinación estándar D), acordes de patrones desincopateados, solos de guitarra posicionados en la mitad y puentes disonantes o cortes abruptos, usualmente mid-tempo. A menudo se menciona al groove metal como un puente entre el thrash metal y el nu metal.

A principios de los años 90 cobra notoriedad en la escena norteamericana una banda de Brooklyn llamada Biohazard, que unía en su estilo melodías hardcore punk con voces cantadas al estilo de la escena rap del momento. A este nuevo estilo se le denominó rapcore, y supone el origen del posterior nu metal. A mediados-finales de los 90 aparece un conjunto de grupos estadounidenses inspirados por el metal alternativo y su mezcla de géneros, eso se da gracias a la conjunción entre Anthrax y otra banda de hip hop denominada Public Enemy. Bajo la etiqueta de "nu metal", grupos como Rage Against The Machine, Limp Bizkit, Linkin Park y Slipknot. y otras bands menos populares pero muy influyentes como Coal Chamber incorporan elementos que van desde el rap al death metal. El nu metal consigue un gran éxito comercial entre el público general gracias a la MTV y al Ozzfest de 1996, que hace que los medios hablen de un resurgimiento del heavy metal. Este mismo año, el álbum Life Is Peachy de Korn es el primer disco nu metal en alcanzar el top 10. Dos años más tarde alcanzan el número uno con Follow the Leader. En 1999, la revista Billboard anuncia que hay más de 500 radios en EE.UU. especializadas en música heavy, cerca de tres veces más que hace diez años. Mientras el nu metal alcanza gran popularidad a principios de los años 2000, los seguidores tradicionales de heavy metal no acaban de aceptar este nuevo género. A partir de 2005, el movimiento nu metal empieza a decaer, aunque grupos como P.O.D y Slipknot siguen teniendo éxito, En 2009 se ve un aumento en las actividades del género musical, puesto que KoRn grabará un nuevo disco con el productor Ross Robinson y tras la reciente vuelta de Limp Bizkit con Wes borland. También en el 2009 se lanzará el cuarto álbum de estudio de Linkin Park, argumentando que: "Es un álbum conceptual, y será una gran sorpresa para todos nuestros fans" .Dope también lanzó un nuevo material discográfico que vuelve al Nu metal Agresivo.

El metalcore, un híbrido de heavy metal y hardcore punk, se presenta en la escena comercial durante 2002 y 2003, y más aún, el metalcore melódico. Tiene sus raíces en el crossover thrash de grupos como Suicidal Tendencies, Dirty Rotten Imbeciles y Stormtroopers of Death de mediados de los 80. Durante los 90, el metalcore no deja de ser un fenómeno underground, pero durante el 2000 el género toma influencia del death metal melódico y se hace popular, gracias a discos como The End of Heartache de Killswitch Engage y The War Within de Shadows Fall, que debutan respectivamente en los puestos 20 y 21 de la lista Billboard.

El grupo Bullet for My Valentine, de Gales, alcanza resultados similares con The Poison (2005). As I Lay Dying también alcanza respuestas positivas a su disco Shadows are Security En los últimos años, los grupos metalcore han tenido espacios privilegiados en los festivales Ozzfest y Download Festival.

En Europa, especialmente Alemania y Escandinavia, el heavy metal continúa teniendo una gran popularidad. El grupo thrash The Haunted, la banda de death metal melódico In Flames y la fusión de power metal y gothic metal de Nightwish han tenido mucho éxito en los últimos años. En los países de habla inglesa, el término "retro-metal" ha sido aplicado a principios y mediados de los años 2000 a grupos como los británicos The Darkness y los australianos Wolfmother. El disco Permission to Land (2003) de The Darkness, descrito como una "una reciente simulación realista del metal de los 80 y el glam de los 70", coronó las lista de ventas del Reino Unido, consiguiendo un quintuple disco de platino.

En 2006, el grupo Lordi, representando a Finlandia, gana la 51ª edición del Festival de la Canción de Eurovisión con la canción Hard Rock Hallelujah.

Los instrumentos característicos de este género musical son: batería, a preferiblemente doble bombo, bajo, una guitarra rítmica, una guitarra solista (del inglés, lead guitar) (en los primeros grupos se solía usar tan sólo un guitarrista) y un cantante (el cual a veces toca alguno de los instrumentos anteriores); también se incluye eventualmente un teclado.

La forma de tocar la guitarra es muy importante dentro del heavy metal. La amplificación de las guitarras, así como el uso de efectos innovadores o el procesamiento electrónico es usado frecuentemente para engrosar el sonido. El resultado, aunque simple, era en principio muy potente, lo que en definitiva constituía su objetivo.

Los solos de guitarra virtuosos, el uso de power chords y, principalmente, los riffs basados en progresiones de escala son una de las partes más importantes en la Música Heavy metal. Se caracteriza por utilizar compás 4/4 y usar técnicas como tresillos, seisillos, Palm mute, bends, hammer ons, pull offs y especialmente técnicas como el tapping o el sweep-picking para conseguir una gran velocidad al tocar. Un ejemplo claro de virtuosismo a la hora de ejecutar es el quinteto Dream Theater o el virtuoso Yngwie Malmsteen. De vez en cuando surge algún grupo que desafía las convenciones en cuanto al esquema de guitarra, bajo y batería; un ejemplo extremo es el cuarteto de cellos finlandés Apocalyptica, que comenzó recreando canciones de Metallica, Sepultura y otros manteniendo gran parte de los elementos armónicos y melódicos del heavy metal más oscuro. Van Canto de Alemania innova haciendo piezas de Heavy metal (power metal) recurriendo a la batería y un complejo uso armónico de voces, sin bajo, guitarras o teclados, en su disco A Storm to Come puede apreciarse el manejo creativo de las voces corales para crear armonías heavy metal e inclusive "solos de guitarra".

En el apartado vocal hay mucha variedad, desde las voces limpias, que pueden ir en rangos medios hasta registros muy agudos, pasando por las voces guturales (en inglés, growl). En el campo del black metal y el death metal se usan voces distorsionadas y guturales, lo que dificulta la comprensión de las letras. Esto se debe a la cruda temática (como las de Cannibal Corpse), pero hay muchas bandas en el death y el black metal con muy buenas letras enmascaradas por el estilo de las voces. Kim Bendix Petersen, vocalista líder de las bandas Mercyful Fate y King Diamond, inspirado en los grupos Judas Priest y Alice Cooper, básicamente realiza obras conceptuales donde utiliza un amplio rango vocal, personificando a los protagonistas de sus canciones, y logrando desde voces guturales, hasta tonos muy agudos.

El grupo estadounidense Grand Funk Railroad fue uno de los antiguos prototipos de banda heavy metal (junto a The Who y otros) que subieron los niveles de volumen durante sus conciertos. El volumen de su música se consideraba un factor importante, independientemente de su calidad musical. Esta influencia es normalmente despreciada y catalogada por muchos como inútil, pero la realidad es que ha sido muy importante y todavía domina la forma en que la gente ve este género de música. Motörhead y Manowar son ejemplos recientes de grupos que se enorgullecen de ser muy ruidosos. De hecho, Manowar entró en 1984 el récord Guinness como la banda más ruidosa en directo, aunque posteriormente Guinnes retiró esta categoría.

Antes que nada, hay que tomar en cuenta que la temática del Heavy metal es muy variada y comprende básicamente cualquier tipo de tema, aun así, se puede destacar que tiene una tendencia por lo oscuro y sombrío, así como también cabe decir que la religion tiene un papel muy importante ya que siempre se hacen enfasis a los temas espirituales y relacionados con la muerte, Dios (o la falta de el), ya sea apoyando, criticando o simplemente refiriéndose al tema de un modo reflexivo.

Mientras los componentes del sonido en el heavy metal fueron influidos por el blues y el rock primitivo, el componente visual que hace a la mística del género se halla más cerca de la fantasía de la cultura pop. Cierta corriente dentro del heavy metal se manifestó como reacción al "paz y amor" de la cultura hippie de los sesenta y se desarrolló como una contracultura que tendía a desechar el final feliz del pop combinado con la visión de las cosas que no siempre funcionan en este mundo. Aunque los fans del estilo defienden que el tema de la oscuridad no es el mensaje de la música, el género ha sido repetidamente acusado por ensalzar los aspectos más negativos de la vida. Así, no son ajenos a esa corriente temas como la guerra, la aniquilación nuclear, los asuntos ambientales o la propaganda religiosa o política. La canción War Pigs de Black Sabbath o Thank God for the Bomb de Ozzy Osbourne son claros ejemplos. Sin embargo, estos comentarios pierden a menudo su eficacia lírica debido al abuso de dicotomías como el contraste entre luz y oscuridad, esperanza y desesperación, el bien y el mal o el nosotros y ellos, que le restan profundidad al planteo cuando el asunto requiere una descomposición en grises.

Otra corriente, emanada principalmente de la tradición del blues y del heavy rock y hard rock de los setenta, le da preponderancia a los asuntos de corte sexual, romántico o amoroso. En algún sentido, alguien puede argumentar que esta corriente en los ochenta representó el final lógico o culminación del glam rock o glitter rock británico de los setenta. Sin embargo, a pesar de ciertas coincidencias en materia visual y estética (maquillaje, trajes fantasiosos, extravagancia escénica), las bandas norteamericanas de los ochentas estaban mayormente influidas por la tradición de Alice Cooper, KISS o Aerosmith y muy poco por la ambigüedad sexual que proponía el glitter rock inglés. Por eso, es muy relativo hablar de glam metal en los ochentas a menos que el término se aplique a bandas muy concretas como Poison, Faster Pussycat o Pretty Boy Floyd, que ponían énfasis en el glamour escénico aunque ni siquiera hacían de la ambigüedad de su imagen personal una bandera, como sí era el caso de David Bowie, Gary Glitter y otros adalides del glam de los setentas.

En un tercer grupo temático importante, están los asuntos de fantasía épica o gótica, relatos de ficción o de colorido histórico, mitologías exóticas, etc. El heavy metal es fértil en este tipo de materia fantástica, que ya está presente en las letras de Black Sabbath o Led Zeppelin, y con el paso del tiempo el panorama se ha enriquecido y diversificado. Hay grupos como Manowar, cuya lírica suele abordar la filosofía del orgullo propio por el heavy metal, la potencia, la agresividad y el poder, ejemplificando estas ideas con un imaginario de batallas y guerreros inclaudicables. Otros como Rhapsody Of Fire abundan en historias de castillos, espadas y dragones. Ciertas bandas se han identificado tan estrechamente con una temática determinada que incluso han adoptado atuendos alusivos; es el caso de Running Wild con su escenografía pirata, o Enslaved con los vikingos. El horror gótico tiene su correlato en las bandas de black metal que utilizan variaciones del maquillaje espectral que inspiró King Diamond desde sus comienzos con Mercyful Fate y en las leyendas de fantasmas y vampiros que cunden por toda la oscura franja que corre entre Type O Negative y Theatre Of Tragedy y más allá.

También existen bandas de lo que se le conoce como NSBM (Nacional Socialista Black Metal) aunque la mayoria se enfoca en lo que es la supremacia Blanca ( sobre todo en Europa), algunos lo toman más bien como antijudaismo y critica para esa religion, negación del holocasuto y dentro de esas bandas, algunas predican la destrucción total de la humanidad.

Es necesario concluir que prácticamente no hay tema de ficción o fantasía que el heavy metal no haya tocado aunque todos saben que la esencia temática de esta subcultura, nace como una protesta al aislamiento y exclusión social que sufrierion los frecuentemente llamados outcasts y freaks escolares u otros especialmente durante los años de adolescencia y el inicio de la adultez.

Tambien hay que tomar en cuenta el gènero, por ejemplo, muchas de las tematicas del black metal, hablan de satansimo, blasmemias, suicidio, muerte,desesperacion, etc. como este podemos encontrar muchos ejemplos. En este caso lo importante es analizar cada uno de los subgeneros, a fin de identificar el estilo particular de estos, principalmente singles, pues ellos sirven como estandarte de la banda en question.

La influencia de la música clásica en el heavy metal es notoria. Desde un comienzo, Black Sabbath utilizó escalas de música clásica en su música, y mucho antes que ellos, ya se habían hecho experiencias de fusión entre el rock y el blues con música clásica. Se considera un hito fundamental la grabación de Deep Purple en 1969 con la Orquesta Filarmónica de Londres del Concerto For Group And Orchestra. Más tarde Ritchie Blackmore, guitarrista de Deep Purple continuó ampliando las influencias con Rainbow. Partiendo de estas referencias, en los ochentas fue el sueco Yngwie Malmsteen, con su Rising Force, quien dio nacimiento a un nuevo estilo de tocar la guitarra (Shred Metal) netamente orientado a lo clásico, pero aderezado con altas dosis de velocidad y virtuosismo, al que pronto se sumaron otros guitarristas (Tony MacAlpine, Vinnie Moore, Greg Howe, Jason Becker, Marty Friedman, Paul Gilbert, etc.) que produjeron numerosos álbumes instrumentales. Ulrich Roth, guitarrista de Scorpions, grabó dos discos con su banda Electric Sun hondamente inspirados en la música clásica que influyeron notablemente en Yngwie Malmsteen. Fue pionero en practicar un estilo de fusión clásica-metal en el que primara la parte clásica. También el guitarrista de Accept Wolf Hoffmann introduce tonadas de la música clásica en canciones como Metal heart o Sodom & Gomorra. Durante los años 90, bandas como Haggard y en especial Therion lograron reconocimiento desarrollando una fusión plena de música clásica y elementos del heavy metal, el death melódico y el power metal. A finales de los 90, bandas como Kiss, Scorpions y Metallica grabaron versiones orquestadas de sus temas más conocidosm, este último grabó, por ejemplo, una versión de su tema Nothing else Matters con la Orquesta Filarmónica de San Francisco, acompañados de músicos clásicos formales, aunque ya a finales de los 80, X Japan (claramente orientados a la estética del glam rock americano de los 80) hizo lo mismo.

Si bien cada banda es única, se pueden encontrar aspectos comunes entre las bandas de heavy metal. La indumentaria por excelencia del heavy metal consiste en pantalones de cuero ajustados o jeans elásticos de pitillo (o mallas), chaqueta de cuero, indumentaria de color negro, botas deportivas o militares y pelo largo. Fue probablemente el grupo Judas Priest quien estableció el estereotipo de vestimenta de los grupos "metaleros" al popularizarse entre los fans de dicha banda la costumbre de vestir con ese estilo. Paradójicamente, Rob Halford, vocalista de Judas Priest pretendiendo mostrar abiertamente su tendencia homosexual, recurre en escena a la indumentaria de los Leather Knights, un estilo estético homosexual que proyecta en el uso de ropa de de cuero tachonada, una tendencia sadomasoquista, la respuesta de su atuendo logró un alto impacto contrario, proyectó para los fans y las bandas una imagen más viril y agresiva, que fue rápidamente replicada por muchos y que aún hoy funciona. El color negro es la nota predominante dentro del heavy metal y el uso de bisutería, principalmente de color plata, está también bastante extendido, además de los cinturones de balas dando así una estética aún más agresiva.

Ciertos subgéneros tienen una estética común. Dentro del black metal, es notable las pulseras con clavos de hasta 20cm. de largo, los alambres de púas en las ropas además de las pinturas corporales blancas y negras de patrones simples con los que suelen pintarse la cara los artistas de este género para los conciertos y sesiones fotográficas oficiales, tomadas del cantante de Mayhem Dead, el cual se pintaba de blanco para parecer un muerto.

Otro punto importante dentro de la apariencia de las bandas son los logotipos. Estos suelen ser muy característicos, y en casos particulares, tienen un denominador común, como ocurre con las bandas de black metal, que suelen incluir cruces invertidas o pentáculos (pentagramas) en sus logos, mientras que las letras del nombre de la banda suelen estar escritas con trazos poco firmes o totalmente enrevesados, representando de esta manera su "malignidad", aunque el logo resulta así muchas veces ininteligible.

La vestimenta preferida de los fans suele ser pantalón elástico o de cuero, muñequeras con pinchos y una camiseta negra con la portada de un disco de un grupo. Este hecho hace que las portadas de los álbumes sean especialmente importantes. Las portadas de grupos black metal suelen ser más oscuras y en el death metal más sangrientas. En el caso de los grupos de power metal, las portadas suelen ser muy coloridas, con guerreros o criaturas fantásticas luchando o bien mostrando escudos de armas o símbolos de apariencia antigua, dando una gran sensación de poder.

La ropa asociada al heavy metal tiene sus raíces en los motoristas, y subculturas rockeras. La vestimenta del heavy metal incluye elementos tales como chaquetas de cuero, chaquetas vaqueras; zapatillas de baloncesto altas (más comunes en thrash metal de la vieja escuela), botas de motociclista, botas de obrero o botas militares, jeans azules o negros, chaquetas de tela o chalecos a menudo adornados con insignias, botones y parches, también se utilizan tachas (formas de metal pegados desde en pulseras hasta en las chaquetas, pantalones, etc). Como con los motoristas, hay una fascinación peculiar con imágenes germánicas, tales como la cruz de hierro.

Ciertos aspectos de la imagen se pueden acreditar a cualquier banda, pero la banda que ha recibido la mayoría del crédito por revolucionar la apariencia era Judas Priest, sobre todo su cantante, Rob Halford, quien incorporó una apariencia de motorista a su personaje de la etapa desde 1978, para coincidir con la promoción del álbum Hell Bent For Leather, lanzado en el mismo año donde aparecía en una motocicleta. Pronto el resto de la banda siguió con esa apariencia.

No mucho después otras bandas comenzaron a tener la apariencia. El cantante original Paul Di'anno de Iron Maiden comenzó a usar las chaquetas de cuero y pulseras con pinchos, Motörhead usó con frecuencia las cananas. La apariencia original del hippie con las camisas de satén y los pantalones de bellbottom había cambiado; la contribución Halford era la manifestación verdadera de la música y se convirtió en tradición para los metaleros alrededor del mundo. Esta apariencia era popular sobre todo entre los seguidores del NWOBHM a comienzos de los años 80 y auspició un renacimiento para el metal en esta era.

La cabellera o ausencia de ésta es indicador del estilo estético, una cabellera larga transmite poder y sacudirla, expresa energía (nada nuevo en el rock, ya en los 50, los fanáticos jóvenes seguidores de Buddy Holly por ejemplo sacudían "obscenamente" sus cabezas como reacción a la velocidad de la música y no tener un baile como referente para seguir el ritmo), en ausencia de cabellera, la cabeza rapada y a veces tatuada expresa el mismo poder, inclusive, barbas o patillas prominentes.

Más allá del hecho artístico o musical el heavy metal en muchos aspectos representa para sus seguidores (metaleros) una forma de vida o como poco una actitud.

Dicha actitud se refleja además de en la vestimenta en una forma de hablar (jerga) donde impera mucho vocabulario musical y técnico acerca de los instrumentos típicos de una banda de heavy metal, calidad sonora, etc.

Dentro de esa jerga podríamos añadir un increíble elenco de gestos, posturas y simbología (lenguaje no verbal) como puede ser el distintivo símbolo de la mano cornuta: dedos índice y meñique estirados, recogiendo los dedos corazón, pulgar y anular. Dicho gesto parece que fue extendido por Ronnie James Dio durante su época con Black Sabbath, quien copió el gesto que utilizaba su abuela para ahuyentar los malos espíritus. Gene Simmons, bajista y vocalista de Kiss, también se atribuye el ser el primero en hacer el gesto durante un concierto.

Otra serie de patrones gestuales pueden ser sacudir la cabeza (independientemente de la longitud del cabello) al ritmo de la música. Dicho gesto ha producido el término "HeadBanger" (sacudidor de cabeza) que define típicamente al fan de heavy metal sacudiendo la cabeza en primera línea de un concierto. Alice Cooper define al Headbanger como un místico que se autoinduce un estado de trance excitado. Otro tipo de gestos aparecen de la mano de la música. Aunque poco bailable, la música heavy metal conlleva una serie de movimientos que dan lugar a un rudimentario tipo de baile conocido como "slam". Dentro de este tipo de gestos el más común es hacer que se toca un instrumento (típicamente la guitarra) en un gesto que se ha dado en llamar "Air Guitar", a partir de una idea vista como ridícula que aparece en el video Breaking the Law de Judas Priest, donde un guardia de seguridad interpreta el solo de guitarra en una guitarra de cartón burdamente confeccionada.

Lejos ha quedado la imagen de seguidor de heavy metal en países como España a principios de los 80 como una persona drogodependiente, marginal, peligrosa y algo chulesca.

El seguidor de heavy metal en su actitud más íntima es una persona con un gran sentimiento de compañerismo y de pertenencia a un grupo social que vive por y para la música metal. Gran conocedor de los detalles teóricos y técnicos que definen el sonido característico de sus grupos favoritos tanto a nivel musical-instrumental, como vocal e incluso de puesta en escena, hereda actitudes de décadas pasadas como el ecologismo y la libertad romántica, en algunos caso la afición a las motocicletas y es entusiasta de las reuniones multitudinarias con sus semejantes en conciertos y festivales (que pueden ser al aire libre en contacto con la naturaleza).

El heavy metal realmente produce una conmoción íntima al verdadero seguidor de este tipo de música. En un concierto de heavy metal se explota dicho sentimiento hasta la catarsis. Es conocido que muchos grupos de otros géneros de música moderna tienden a endurecer sus "performances" como un fiel reflejo de lo que el heavy consigue en directo. Apoyando el contundente sonido propio del género tenemos una gran variedad de efectos visuales que van desde la luminotecnia pasando por desfiles de motocicletas en el escenario.

Muchos elementos propios y ajenos al heavy metal aparecen rodeados de un halo de violencia a ojos del profano. K.K. Downing, guitarrista de Judas Priest, alaba positivamente la energía y dinámica que despide el metal como terapia revitalizante para los jóvenes.. Los conciertos de heavy metal son en su mayoría, según muchos, espectáculos inolvidables donde se demuestra toda la energía y actitud interpretes-espectadores.

Al principio



Orígenes del rock argentino

Ritchie Valens interpretó en 1958 el primer hit mundial del rock iberaoamericano, "La Bamba". Su muerte pocos meses después, abortó la posibilidad de una corriente latina en el corazón del naciente rock and roll estadounidense. (Foto: monumento a los tres músico muertos el día que murió la música).

Como en cada país iberoamericano, en la Argentina el rock and roll influyó y se desarrolló con características propias. Argentina, al igual que México, se destacó por desarrollar desde muy temprano (1957) un considerable movimiento de rock en español con figuras de amplia fama internacional como Los Cinco Latinos, Sandro de América, Luis Aguilé y Palito Ortega.

Pero lo que caracteriza al rock de Argentina es lo que en ese país se denomina como «rock nacional», un subgénero del rock que apareció en la segunda mitad de la década del 60, con características musicales originales y abordando las temáticas que preocupan a los jóvenes, que alcanzó una gran masividad, con bandas fundadoras como Los Gatos, Almendra, Manal, Vox Dei, Arco Iris y Sui Generis. El rock nacional de Argentina es uno de los antecedentes del movimiento cultural-musical continental que a partir de la década del 80 comenzó a conocerse con el nombre de «rock latino».

Los orígenes del rock argentino abarca desde las primeras manifestaciones del rock and roll en Argentina, luego de su nacimiento en Estados Unidos en 1954-1955 hasta el surgimiento del llamado «rock nacional» argentino en 1966-1967 y su consolidación antes de la instalación de la última dictadura militar en 1976.

También en términos generales, la idea de rock nacional tiende a excluir lo que se suele denominar de manera poco precisa, "música comercial". Sin embargo, en algunos casos puntuales, temas o grupos que no cumplen con algunas de las condiciones anteriores, pueden también ser aceptados como "rock nacional", sin que exista una clara racionalidad para ello.

Probablemente más que en otros países, en la Argentina hay un cierto consenso en distinguir lo que se denomina "rock nacional" de otras expresiones musicales que en otros países serían considerados rock and roll.

En particular, esta conceptualización del rock nacional ha tendido a considerar como "no rock nacional" a manifestaciones musicales masivas como las de Los Cinco Latinos, Billy Caffaro, Sandro, el Club del Clan, Palito Ortega, Leonardo Favio, Banana y César Pueyrredón, Sabú, Francis Smith, Facundo Cabral, Piero, Sandra Mihanovich, Marilina Ross, o expresiones no anglosajonas como Ritchie Valens (chicano), Los Teen Tops (México), Los Jaivas (Chile), Los Iracundos (Uruguay), Roberto Carlos (Brasil), Jaime Roos (Uruguay), Rita Pavone (Italia), Nino Bravo (España), entre muchos otros. Por el contrario otros músicos de estilos particulares sí han sido considerados como rockeros, como León Gieco, Alejandro Lerner, Vicentico, el Bahiano, Los Auténticos Decadentes, Rubén Rada (Uruguay), Carlos Bisso (que cantaba en inglés), etc.

Los límites entre lo que se entiende o no como rock nacional en Argentina, varía considerablemente entre los especialistas y a veces carece de todo fundamento. Sin embargo el concepto se ha ido haciendo menos restrictivo con el paso del tiempo, como ha pasado con Sandro, revalorizado como rockero a partir de la década del 90. En los últimos años también, el rock nacional argentino, se ha incluido más y más dentro del llamado rock latino, en el que la fusión con los más diversos ritmos latinoamericanos se ha vuelto mucho más amplia, extendiendo las fronteras de lo que se entiende por rock.

Cuando estalló el rock and roll, en la segunda mitad de la década del 50, recién comenzaba la Guerra Fría que puso al mundo bajo amenaza de destrucción nuclear, y la Argentina comenzaba a vivir una de las etapas más inestables de su historia, entrando en una espiral imparable de violencia política de casi tres décadas que desembocaría en lo que en el mundo se conoce como la guerra sucia en Argentina y la Guerra de Malvinas en 1982.

En 1952 el presidente Juan Perón había sido elegido para cumplir su segundo mandato al mismo tiempo que Eva Perón moría de cancer con 33 años. La población estaba dividida en dos partes enfrentadas que se despreciaban mutuamente: peronistas y antiperonistas. En 16 de junio de 1955 la oposición antiperonista organizó un golpe cívico-militar utilizando aviones de guerra que bombardearon Plaza de Mayo causando más de 350 muertos. Tres meses después otro golpe de estado derrocó al presidente Perón estableciendo una dictadura militar autodenominada Revolución Libertadora (1955-1958).

Desde ese momento los militares derrocarían a todos los gobiernos electos (Frondizi, Illia y Martínez de Perón) estableciendo dictaduras cada vez más violentas y opresivas. Entre 1955 y 1983, hubo 18 años de dictaduras militares y solo 10 de condicionados gobiernos electos. En ese período, con el apoyo abierto de los Estados Unidos y la tolerancia de Europa, las dictaduras militares terminaron imponiéndose en todo el Cono Sur de América. En 1958-1959 se produjo la Revolución Cubana, que influiría en la radicalización de la lucha política y en la creación de movimientos guerrilleros en toda América Latina (incluyendo Argentina) y que contaba entre sus principales dirigentes al argentino Ernesto Che Guevara.

Socialmente la Argentina había vivido una etapa de extraordinaria expansión en los últimos 70 años, con millones de inmigrantes de todas partes del mundo (principalmente italianos y españoles, pero también franceses, alemanes, judíos, polacos, árabes, gitanos, japoneses, paraguayos, uruguayos, chilenos), mayoritariamente varones, que llegaron a superar la población nativa, mestizándose masivamente y multiplicando por 20 la escasa población inicial del país (Argentina pasó de tener 0,12% al 0,57% de la población mundial). Ese proceso generó una sociedad netamente urbana, con una enorme clase media y luego una igualmente extensa clase obrera industrial, ambas sin parangón entre los países del Tercer Mundo, que mantenían tensas relaciones entre sí.

Para 1955 las grandes oleadas migratorias internacionales procedentes de Europa se habían detenido completamente (continuando las de los países fronterizos). El país había consolidado su desequilibrio territorial, con un 35% de su población concentrada en la Ciudad de Buenos Aires y su conurbano industrial, complicando la tradicional oposición entre «los porteños» de Buenos Aires y «el interior» (resto del país), con profundas consecuencias sociales y culturales. Un dicho popular, «Dios está en todas partes pero atiende en Buenos Aires», expresa gráficamente esa situación.

Culturalmente, en las décadas del 40 y del 50 el tango se había consolidado como música nacional y se había establecido como parte esencial de la identidad de la generación nacida entre 1920 y 1935, cuyos hijos serían sacudidos por el rock and roll y el movimiento juvenil contracultural de los años 60 y 70. La oposición tango-rock, sería uno de los códigos fundamentales del conflicto generacional en Argentina.

El rock and roll venía desarrollándose en Estados Unidos desde fines de la Segunda Guerra Mundial como un estilo popular desarrollado por músicos negros, a partir de la fusión del rhythm & blues, el country & western (folklore blanco) y el swing (jazz). El nuevo género estalló definitivamente entre la juventud en marzo de 1955, a raíz de la inclusión de la canción "Rock Around the Clock", de Bill Haley y sus Cometas, en la escena inicial de la película Semilla de maldad (Blackboard Jungle). Desde ese momento se instalaron en la escena internacional músicos como el propio Bill Haley, Chuck Berry, Bo Diddley, Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, entre otros.

En la Argentina, la primera manifestación local parece haberse producido en enero de 1957 al estrenarse la película "Al compás del reloj" (título original: "Rock Around the Clock", 1956), en la que Bill Haley y sus Cometas son las figuras centrales. El film fue prohibido en varios países, debido a que se decía que los adolescentes perdían el control al escuchar esa música y arrancaban las butacas. En Buenos Aires la película causó furor y al terminar las funciones los jóvenes iban al Obelisco a bailar rock and roll.

Debido al éxito, ese mismo año se estrenó en el país, una segunda película de Bill Haley y sus Cometas, Don't Knock the Rock, estrenada con el título de "Celos y revuelos al ritmo del rock" (1956).

La influencia de Bill Haley sobre los músicos argentinos tuvo un resultado inmediato con la formación de la primera banda de rock and roll argentina, Mr. Roll y sus Rocks, liderada por Eddie Pequenino, de quien se decía que iba a ver la segunda película de Billy Haley al cine Metropolitan para observar y aprender los arreglos musicales del rock and roll.

La banda estaba integrada por el propio Eddie Pequenino (trombón) a quien acompañaban Arturo Schneider (saxo tenor), Franco Corvini (trompeta), Buby Lavecchia (piano), L. Rea (guitarra), Banjo (contrabajo) y Jorge Padín (batería). El grupo fue el primero en Argentina en grabar canciones de rock, todos covers de Bill Haley: "See You Later, Alligator", "Mambo Rock", "I Cry More", "Rock", "Shake, Rattle and Roll", "Rancho Rock". Su versión de "Celos y revuelos al ritmo del rock" (Don't knock the rock), vendió más placas que el propio Haley.

Eddie Pequenino (1928-2000) era un hijo de inmigrantes italianos (siempre mantuvo un claro acento italiano al hablar) nacido en el barrio de Villa Urquiza, donde vivió toda su vida. Se había destacado como trombonista de diversas orquestas de jazz, entre ellas la de Lalo Schifrin y a lo largo de su vida fue muy popular por sus apariciones musicales y humorísticas en televisión, sobre todo aquellas en las que acompañó a Alberto Olmedo, La peluquería de Don Mateo y en Domingos para la Juventud. Pequenino también integraría el elenco de músicos del programa de televisión el Club del Clan (1963-1964), junto a Palito Ortega, Johnny Tedesco y otros, donde se cantaba un rock and roll en español. Era conocido como «el Bill Haley argentino». Moris, uno de los padres del rock nacional, lo llamó el primer rockero argentino y recuerda así su influencia en una entrevista.

El 29 de agosto de 1957 se estrenó la película argentina Venga a bailar el rock, del director Carlos Marcos Stevani, probablemente la primera del rock iberoamericano. En la misma se registraban las primeras actuaciones en cine de Nélida Lobato, Eber Lobato (coreografía), y contaba con la participación de Pedrito Rico, Alfredo Barbieri, Amelita Vargas y Eddie Pequenino, entre otros músicos.

La revista Antena publicó en tapa una foto de Bill Haley con poncho y tomando mate. El dato no es menor, porque ya en ese momento había aparecido una fuerte oposición cultural al rock and roll, con el argumento de que se trataba de «música extranjerizante», proveniente de la generación anterior, que oponían el carácter nacional del tango. Este aspecto de la confrontación generacional que comenzó entonces, influirá considerablemente en el desarrollo de una corriente de «rock nacional», con características fuertemente diferenciadas, que buscaría diferenciarse del rock and roll mimético de las manifestaciones anglosajonas. Mr. Roll y sus Rocks fueron elegidos por Billy Haley para ser la banda soporte de sus presentaciones en Argentina.

También en ese primer año de 1957 (22 de mayo) debutaron Los Cinco Latinos, un grupo coral-instrumental mítico de los orígenes del rock latino y probablemente el primero en obtener fama mundial. Fue uno de los primeros en cantar rock en español, replicando el estilo doo wop de Los Plateros (The Platters). Estaba liderado por una mujer (algo fuera de la común), Estela Raval y su esposo el trompetista Ricardo Romero, junto con Hector Buonsanti, Mariano Crisiglione y Jorge Francisco Pataro. Enseguida grabaron su primer álbum (Maravilloso, Maravilloso, Columbia, 1958), acompañados por la orquesta de Waldo de los Ríos, con grandes éxitos como "Recordándote" (que alcanzó el segundo lugar en el ránking del programa Discomania Mundial que transmitía para toda America la WRUL de Nueva York), "Amor joven", "Abran las ventanas" y el cover en español del ultrafamoso Only You (Solamente tú), abriéndoles camino para una extraordinaria difusión internacional. Realizaron conciertos en todo el mundo, llegando a tocar en el Show de Ed Sullivan y compartir escenario con Los Plateros (The Platters), siendo su mayor éxito Balada de la Trompeta, destacándose también "Juntitos, Juntitos" que fue el tema de La Familia Falcón, una popular telenovela.

Simultáneamente la radio comenzaba a difundir el nuevo estilo. Probablemente el primer programa fue "Melodías de rock'n'roll", emitido diariamente por Radio Mitre con la conducción de César Lazaga. El programa se presentaba como una respuesta dirigida a la juventud, de los Mediodías de Tango que emitía también todos los días la emisora. Allí se difundían temas de Jim Lowe, Tomy Crombie, Little Richard, Eddie Cochran, Buddy Holly, The Platters y Paul Anka. Poco después Jorge Beilliard ponía en el aire por Radio Excelsior un programa llamado Rock and Belfast (con el auspicio de la sastrería Belfast) en el que comenzó a difundir los últimos discos de los rockeros estadounidenses.

Como ya estaba sucediendo en otros puntos de América Latina, desde un primer momento apareció la cuestión del idioma, las traducciones y la incomprensión general de las letras, volviéndose habitual conocer el sentido de las canciones por unos pocos indicios (como el título en español) y cantarlas de manera puramente fonética. Por un lado empezaron a traducirse al español los títulos de las canciones y los nombres de las bandas norteamericanas (luego seguirían las letras mismas). Pero por el otro los músicos y bandas locales adoptaban nombres ingleses y a veces tergiversaban el significado original de las canciones en inglés, como pasaría con el éxito Pity, Pity, cantado por Billy Cafaro, quien no tradujo el título (que significa "Piedad, piedad"), con la intención de que pareciera un nombre de mujer.

De este modo Bill Haley & And His Comets pasó a ser Bill Haley y sus Cometas, y algo similar sucedió con Los Plateros (The Platters). Lo mismo pasó con las canciones: "Rock Around The Clock" se conoció como "Al compás del reloj", "See You Later Alligator" se tradujo primero como "Rock del caimán" y luego como "Hasta luego cocodrilo", "Mambo Rock" fue "La roca del mambo", y "Happy Baby" se llamó "Nena feliz".

Te acuerdas de Elvis, cuando movió la pelvis el mundo hizo plop y nadie entonces podía entender qué era esa furia.

A diferencia de lo que sucedió en Estados Unidos y como en otras partes de América Latina, en la Argentina Elvis Presley no desplazó a Bill Haley (en gran medida por la mayor cercanía de éste con el mundo latino), pero le agregó al rock su pose rebelde y una sensualidad que resultaba escandalosa para los criterios de entonces. Con Elvis Presley los jóvenes argentinos, comenzaron a cambiar su presencia y hacerla más provocativa: los jeans, el cuidado del pelo, el chicle y la camisa abierta con el cuello levantado. Elvis pasó también a ser el modelo de los músicos locales (Luis Aguilé, Billy Caffaro, Sandro, Palito Ortega, Johnny Tedesco, etc.).

Elvis entró masivamente a la Argentina en abril de 1958, al estrenarse su tercera película "Loving you", lanzada como "La mujer que yo adoro".

Ese año aparecieron nuevos artistas del rock and roll y se produjeron los primeros éxitos locales. El grupo Los Paters con el cantante Danny Santos (luego Lalo Fransen), difundió un exitoso rock and roll de Marty Robbins, "Saco de sport blanco" (A White Sport Coat) y "Me olvidé de olvidarla" (I Forgot To Remember To Forget), de Elvis con un destacado solo de guitarra.

Otra banda, Los Modern Rockers tenía como cantante a Luis Aguilé, que se venía destacando desde 1956, difundido desde Radio Libertad (luego Radio del Plata) y que al año siguiente alcanzaría la fama en toda Hispanoamérica con su álbum Luis Aguilé Vol. 3 y luego con clásicos del rock iberoamericano como "Cuando Salí de Cuba" y "Dile" (muy difundida en el mercado norteamericano interpetada por Vonda Shepard con el título "Tell me"), cuando ya se había radicado en España. Luis Aguilé reclama para sí, con cierto fundamento, el título de primer rockero de la Argentina.

Desde Radio El Mundo surgió Billy Cafaro, con dos grandes éxitos, un cover de Paul Anka, "Pity, Pity" (sin traducir y dando a entender que se trata del nombre de una mujer), que vendió la extraordinaria cantidad de 300.000 copias (La Balsa vendería 250.000) y "Personalidad". Billy Cafaro produjo la primera rockmanía por una estrella local. Las colas para entrar a la radio ubicada en Maipú 555, congestionaba todo el centro de la ciudad. Para realizar sus audiciones radiales, Cafaro llegaba en helicóptero hasta el obelisco. Su popularidad fue fugaz, comenzando a decaer luego de grabar un rock alemán llamado Kriminal Tango, que provocó serios enfrentamientos con los simpatizantes del tango, lo que lo llevó a emigrar a España.

En octubre de 1958 se lanzó en Estados Unidos "La Bamba" interpretada por un desconocido cantante californiano, de origen chicano, llamado Ritchie Valens (Ricardo Steven Valenzuela), quien comenzó a ser el equivalente latino de Little Richard. Sin duda alguna se trata del primer hit mundial del rock iberoamericano. Su influencia para el rock latino fue extraordinaria desde un primer momento y se ha extendido desde entonces generación tras generación. "La Bamba", un tema tradicional del folklore mexicano en ritmo de rock and roll, implicaba el surgimiento de una corriente "latina" de rock and roll con un estilo propio, cantado en español y fusionado con ritmos del folklore latinoamericano. Todo ello en el corazón del mercado estadounidense, lo que abría enormes posibilidades de difusión mundial. Sin embargo esa posibilidad fue abortada el 3 de febrero de 1959, el día que murió la música, cuando Ritchie Valens, Buddy Holly y The Big Bopper se mataron en un accidente áereo (a ese día se refiere el tema "American Pie" de Don McLean). De todos modos Ritchie Valens dejaría abierto el camino del rock chicano que años después daría músicos de renombre mundial como Carlos Santana, afluyendo a la gran corriente de rock latino a partir de los años 80.

Otra influencia decisiva para el rock argentino (y en general para todo el rock iberoamericano) fueron las bandas mexicanas de rock and roll de fines de los años 50 y comienzos de los años 60. Decenas de grupos como Los Teen Tops, Los Blue Caps y Los Locos del Ritmo crearon adaptaciones en español de clásicos de Elvis, Chuck Berry, Little Richard, Buddy Holly ganando una extraordinaria popularidad continental.

En Argentina, de todos ellos, fueron Los Teen Tops los que tuvieron mayor influencia, en gran parte por las giras que realizaron al país recorriendo varias ciudades. Los Teen Tops eran una banda mexicana creada en 1957 y liderada por el venezolano-mexicano Enrique Guzmán (canto), que también integraban originalmente Jesús “Tutti” Martínez (requinto), Armando “Manny” Martínez (batería), Sergio Martell (piano) y Rogelio Tenorio (bajo). Difundieron temas que han quedado como clásicos anónimos en la memoria colectiva de varias generaciones de jóvenes en Argentina, como "La Plaga" («ahí viene la Plaga!»), una adaptación al español de "Good Golly Miss Molly" de Little Richard, y "Popotitos", notable recreación de "Bony Moronie" de Larry Williams. Otros grandes éxitos de alto impacto en la Argentina fueron "Presumida", "Speedy González", "El Rock de la cárcel", entre muchos otros. Son ellos los que inventaron el verbo español «rocanrrolear». Con esa integración grabaron tres álbumes de enorme difusión con versiones latinas de las canciones de rock and roll estadounidense más conocidas. En 1962 Guzmán se separó de la banda (reemplazado primero por el "gringo" Ken Smith y luego por Dyno) lo que llevó a una pérdida de convocatoria, grabando dos álbumes más hasta su disolución en 1965, y con su desaparición una caída generalizada del interés por el rock en México durante dos décadas.

Los Teen Tops visitaron la Argentina varias veces. La primera vez en 1961 con Enrique Guzmán y luego con vocalistas como César Cervera y Dyno hasta 1965. Siempre tocaban en el programa Escala Musical, conducido por Carlos Ballón, que se transmitía por Canal 13 los domingos entre las 14:00 y las 15:00. Su visitas coincidían con los bailes de carnaval, muy populares por entonces, donde se concentraba la juventud para bailar los ritmos de moda.

Los rockeros argentinos han reconocido una y otra vez la influencia de esas bandas mexicanas en los comienzos del rock nacional. Litto Nebbia ha dicho que las bandas rosarinas que se formaban a comienzos de la década del 60, estaban muy influenciadas por el rock mexicano. Serú Giran, la súper banda que integraron Charly García, David Lebón, Pedro Aznar y Oscar Moro, grabó en 1982 una versión de "Popotitos" (en la que Lebón grita "agarrame la vena, nena") que volvió a ser un gran hit.

¿Te acuerdas del Club del Clan y la sonrisa de Jolly Land?.

En 1959 el sello RCA manejado por un publicista ecuatoriano, Ricardo Mejía, inició una experiencia de fabricación de ídolos y éxitos musicales orientados a la juventud, que primero adoptó el nombre de La Nueva Ola y luego el Club del Clan. Experiencias similares, en mayor o menor magnitud se realizaron en toda América Latina, a veces como parte de la misma estrategia comercial de RCA para el mercado latino. En Brasil, hubo un programa muy parecido llamado la Joven Guardia (1964), que tenía a Roberto Carlos como figura principal.

El sello grabador se dio una estrategia inicial de difusión con centro en la grabación de discos y la realización de recitales públicos en sus instalaciones y shows televisivos (Swing, Juventud y Fantasía en Canal 7; La cantina de la guardia nueva en Canal 11).

Los tres primeros artistas en ser contratados fueron Rocky Pontoni (Orlando Amador Pontón), Marty Cosens (Rubén Cosentino) y Mariquita Gallegos. En los años siguientes serían contratados otros músicos, algunos de los cuales tendrían una larga actuación en el pop argentino, entre ellos: Fernando Borges, Jolly Land, Victor Buchino, Violeta Rivas (Ana María Adinolfi), Chico Novarro, Lalo Fransen (Norberto Franzoni), Edith Scandro, Nena y Terry Morán, Raúl Lavié, Raúl "Tanguito" Cobián, Pino Valenti, Johnny Tedesco (Alberto Felipe Soria), Nicky Jones (Norberto Fago) & The Rocklands, y Palito Ortega. Se realizaban versiones en castellano de famosos temas extranjeros, adaptadas por Ben Molar.

El primer gran hit de esa serie llamada Explosivos, previa al Club del Clan, fue el tema "Eso, Eso, Eso" del grupo uruguayo Los T.N.T. y autoría de los hermanos Virgilio y Homero Expósito, en 1960. Luego siguieron la ultrafamosa "La novia", cantada por el chileno Antonio Prieto y "Llorando me dormí", interpretada por Bobby Capó y Violeta Rivas. Se trató de éxitos inéditos, que superaban cada uno el millón de copias vendidas y que se hicieron conocidos en todo el continente.

Al año siguiente Mejía contactó a Alberto "Tito" Soria, un humilde adolescente de 16 años, admirador de Elvis, que alternaba el canto con empleos informales. Luego de oirlo cantar varios covers en inglés le preguntó si sabía alguna canción en español, y Soria le contestó que él mismo había compuesto una, llamada "Rock del Tom Tom". La canción fue grabada el 18 de abril de 1961, bajo su flamante nombre artístico, Johnny Tedesco. El éxito fue inmediato vendiendo medio millón de copias y es uno de los más firmes candidatos a ser considerado el primer rock argentino.

El éxito de La Nueva Ola llevó naturalmente a que, en 1962 RCA Víctor y el Canal 13 de televisión de Buenos Aires, firmaran un contrato para poner en el aire un programa semanal, musical-juvenil, denominado El Club del Clan que salió al aire el 10 de noviembre de 1962 y se transmitía todos los sábados a las 20:30.

El programa mostraba una tribu juvenil a la que se presentaba como reflejo de la juventud argentina de entonces, en el que cada cantante representaba un estereotipo y con él un estilo musical diferente: melódico, tango, twist, bolero, cumbia, ritmos caribeños. Los números musicales constituían el eje del programa. Poco a poco los covers comenzaron a ser reemplazados por canciones propias de los más creativos del programa, entre los que se destacaban Chico Novarro y Palito Ortega, junto a Johnny Tedesco, Nicky Jones, Violeta Rivas «y la sonrisa de Jolly Land» como recordó Charly García varios años después, en el tema "Mientras miro la nuevas olas".

El éxito del programa fue histórico, alcanzado un rating de 55,3 puntos. En un año se lanzaron tres álbumes con las canciones que se cantaban en el programa que se agotaron. Los cantantes se transformaron en ídolos juveniles y producían escenas de histeria colectiva, mientras que los clubes se disputaban su presencia en vivo.

En 1964 se realizó la segunda temporada, pero los otros canales tomaron medidas para recuperar posiciones, contratando a los artistas más destacados. El Club del Clan contrató nuevos artistas pero el éxito de 1963 ya no era repetible. Ese año, el 12 de marzo se estrenó la película "El club del clan", con dirección de Enrique Carreras, pero el programa de televisión fue levantado.

Simultáneamente llegaba al país ese terremoto mundial que fue la beatlemanía, modificando de raíz el gusto juvenil y abriendo un nuevo panorama musical-contracultural que en 1967 estallaría con el tema "La Balsa" de Los Gatos y el nacimiento del «rock nacional», tal como se entiende en Argentina.

En 1960, simultáneamente con el inicio del fenómeno comercial de la Nueva Ola y el Club del Clan, un grupo de jóvenes de los suburbios industriales del sur de la ciudad de Buenos Aires, creaban una banda de rock and roll llamada Los Caniches de Oklahoma. Entre sus integrantes, como guitarrista, se encontraba Roberto Sánchez, quien se hacía llamar Sandro. El grupo se completaba con Héctor Centurión (bajo), Armando “Cacho” Quiroga (batería), Miguel “Lito” Vázquez (guitarra rítmica) y Carlos Ojeda (piano y percusión); luego formarían parte de él Enrique Irigoytía (guitarra rítmica) y Juan José Sandri (guitarra). Un año después cambiaban el nombre por Los de Fuego.

Los de Fuego fueron la primera banda argentina que reunía todas las características clásicas del rock and roll. Sin bien la mayoría de sus temas eran covers en español de los hits rockeros en Estados Unidos y Gran Bretaña (al estilo de las bandas mexicanas de entonces), también hicieron algo que era una novedad, incluir rock propios. El primero fue "Comiendo rosquitas calientes en el Puente Alsina", de Sandro, que grabaron en un demo en 1960 (candidato a primer rock argentino) y luego le siguieron otros como "Los brazos en cruz", "El trovador", "Sólo y sin ti", "Queda poco tiempo" y "Ave de Paso", compuestos por Sandro.

Los de Fuego -y Sandro en particular-, habían seguido una trayectoria artística completamente diferente de la del Club del Clan, tocando en bares y bailes suburbanos, por poco dinero y hasta el amanecer, ganando un espacio popular para el rock and roll.

En 1964 Sandro y Los de Fuego grabaron su primer álbum, que lleva como título el nombre del grupo, incluyendo "Te conseguiré", "Anochecer de un día agitado" (Beatles), "My Bonnie", "El dinero no puede comprarme amor (Beatles)", con letras en español traducidas por Ben Molar, convirtiéndose en uno de los grupos de mayor éxito comercial del momento. Este álbum ha sido considerado histórico, un eslabón de importancia en la evolución del rock en la Argentina, así como una influencia determinante para el nacimiento del «rock nacional» argentino dos años después.

Sandro desarrolló un estilo de canto "convulsivo" y movimientos de significación sexual, evidentemente derivados de Elvis, pero que adquirieron características completamente personales y que fue principalmente dirigido como un acto constante de seducción hacia las mujeres. Este estilo sexual irreverente tuvo un efecto arrasador sobre las jóvenes argentinas y latinoamericanas (donde curiosamente más incidencia tenía la prédica sexualmente restrictiva de la Iglesia Católica), sobre todo aquellas pertenecientes a los sectores más populares. Las fanáticas de Sandro ("sus nenas") llegaron a ser tan importantes como él mismo, devolviendo en sus presentaciones un clima de desenfreno y sexualidad, entre las que se volvió un clásico entregarle sus bombachas (panties). Para la época, el mensaje de Sandro resultaba un revulsivo radical contra las normas morales establecidas sobre la virginidad de las mujeres y las relaciones prematrimoniales, férreamente establecidas en toda América Latina.

Desde fines de la década del 60 Sandro viró su estilo musical para ser uno de los principales desarrolladores de la balada romántica latinoamericana (aunque manteniendo muchas características del rock en su temática de desenfreno sexual y en ciertos arreglos musicales) que lo llevaría una fama sin precedentes en todo el continente, llegando a ser el primer latino en cantar en el Madison Square Garden en 1970.

Con el dinero obtenido en sus actuaciones, Sandro fue uno de los que alquiló el mítico local musical llamado La Cueva, para crear un reducto que impulsara el rock nacional. La Cueva terminó contratando a Los Gatos, que se formaron en ese local y se desempeñaron como grupo permanente, hasta que grabaron "La Balsa" en 1967. Sandro también creó un estudio de grabación en su casa completamente equipado, que solía prestar a las nuevas bandas de rock.

Paradójicamente, Sandro fue en general rechazado por los jóvenes que adhirieron al "rock nacional" argentino, mayoritariamente de clase media, tildándolo de «grasa», un término despectivo para referirse a ciertos gustos populares, generalmente de sectores trabajadores.

A partir de los años 90 el rock nacional revalorizaría a Sandro, y varias bandas incluyeron sus temas en el repertorio rockero, algunas de las cuales se volverían importantes éxitos, como "Dame fuego" y "Resistiré". En el año 2002, la cadena MTV y la revista Rolling Stone eligieron el tema "Tengo" de Sandro, como el Nº15 entre las 100 mejores canciones del rock nacional argentino.

En 1964 y como en el resto del mundo, el fenómeno Beatles cayó como una bomba en Argentina con A Hard Day's Night (tema, álbum y película), consolidándose al año siguiente con el álbum Help! ("Help!", "Ticket to Ride", "Yesterday") y la película.

La «beatlemanía» significaba mucho más que el gusto por un nuevo estilo musical. El rock representaba el surgimiento de una cultura juvenil global, que se expresaba en ritos colectivos y que tuvo su manifestación más profunda en la revolución sexual. Tenía como símbolos el pelo largo, la estética del jean, la minifalda y el unisex. Tomó conciencia de la existencia del «poder joven» y soñó con cambiar el mundo.

En la Argentina el rock internacional coincidió con una generación (nacida aproximadamente entre 1945 y 1960), que contenía altos niveles de politización y movilización a través de organizaciones estudiantiles y sindicales que comenzaban a enfrentarse en la calle a las dictaduras militares (sobre todo a partir de 1966), incluyendo una activa participación de los jóvenes de la extensa clase media del país, tanto varones como mujeres. Esa generación simbolizó su identidad con el rock y la revolución sexual, que opusieron como ruptura radical al tango y la doble moral machista de sus padres, sobre todo la referida a la virginidad de las mujeres y las relaciones sexuales prematrimoniales.

El rock argentino fue por muchos años, a diferencia de Estados Unidos o Gran Bretaña, un movimiento cultural juvenil de clase media, principalmente de Buenos Aires y otras ciudades cercanas, como Rosario, La Plata y Mar del Plata. Los jóvenes de clase obrera y del interior del país, con un gusto musical más asimilable al del resto de los jóvenes latinoamericanos, se volcaban más por el folklore o por formas pop (algunas emparentadas con el rock) como Sandro, Leonardo Favio, Palito Ortega y el Club del Clan, el cuarteto cordobés, etc. Eso llevó a una cierta confrontación, o al menos una separación, entre las expresiones musicales populares masivas y lo que entonces se llamaba "música progresiva", que sin dejar de tener masividad dentro de los sectores medios, afectó sus posibilidades de llegar al gran público. La misma razón llevó a algunos músicos de rock, paradigmáticamente Sandro, a abandonar el ámbito más restringido del rock argentino, para desarrollar una música popular de masas que, en países como Estados Unidos o Gran Bretaña no se hubiera dudado en calificar como rock.

En la Argentina la llamada "Invasión británica" (con bandas como Los Beatles y los Rolling Stones) fueron mucho más influyentes que la ola de rock & roll clásico estadounidense (Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard), tanto para el gusto juvenil inicial por el rock & roll internacional como para el surgimiento de un «rock nacional» con identidad propia.

Inmediatamente surgieron los imitadores, como Los Jets, que llegaron a grabar varios discos con adaptaciones de las canciones del cuarteto de Liverpool. Pero fueron las notables «invasiones uruguayas» de 1964-1965 las que contribuyeron decisivamente en Argentina para que se comenzara a tocar rock en el país. Inspirados en el nuevo rock británico, muchos músicos jóvenes uruguayos, comenzaron a emular sus sonidos. Dos bandas en particular, Los Shakers y Los Mockers, tomaron el estilo de los Beatles y los Rolling Stones, respectivamente, cantando en inglés.

Así fue que, a mediados de los años 60 y de la mano del éxito de la Invasión británica, las bandas beat uruguayas alcanzaron un pico de popularidad en la Argentina. Los sellos discográficos comenzaron rápidamente a contratar bandas uruguayas de rock para promover en la Argentina, como Los Walkers, Los In y The Seasons. Programas musicales argentinos de televisión, como el exitoso Escala musical, también fueron un trampolín hacia la popularidad para muchas de estas bandas. La razón por la cual los grupos uruguayos se hayan movido masivamente hacia la Argentina (un país con una población diez veces mayor y una enorme ciudad como Buenos Aires), debe encontrarse en la existencia de un mercado de consumo y una industria musical, considerablemente más amplias que las que existían en el Uruguay. En aquel entonces era impensable que una banda de rock latinoamericana pudiera tener éxito internacional. El éxito de las bandas uruguayas fue una notable excepción.

A mediados de la década del 60 se había desarrollado en Buenos Aires, un ambiente de artistas e intelectuales pop, que cultivaban una actitud de experimentación y desarrollo de nuevas formas culturales, conectadas con las tendencias internacionales, pero al mismo tiempo de fuerte impronta nacional. Entre ellos había poetas como Roberto Jacobi (más adelante letrista de Virus), el escritor Copi, el pintor Pablo Suárez, la escultora Marta Minujín con su Menesunda y la idea de arte participatorio, el fotógrafo Oscar Bony. Sus lugares de reunión eran el Instituto Di Tella y la Galería del Este, en la calle Florida.

Hacia 1965, el rock se desarrollaba rápidamente en la Argentina. Cuando las invasiones uruguayas y británicas todavía estaban fuertes, otras corrientes empezaron a contribuir al incipiente rock argentino. En la televisión, programas como Ritmo y Juventud y El club del clan, con cantantes como Palito Ortega y Chico Novarro, introdujeron un pop alegre y romántico.

Pero fue en la escena underground donde las piezas fundamentales del rock argentino emergieron. "Hippies" y rockeros se reunían donde podían, como Plaza Francia y bares de trasnoche. En los primeros bares de jazz, como «La Cueva» y «La Perla del Once», artistas como Moris, Pajarito Zaguri, Javier Martínez, Miguel Abuelo y Tanguito se juntaban a mediados de los años ‘60 para intercambiar ideas. Una actitud común los reunía: el amor por el rock y la vocación de "naufragar".

Al comienzo, como lo hacían las bandas uruguayas, los rockeros argentinos se limitaban a realizar covers en inglés, ya que el rock en español "no sonaba bien" a los oídos de ese momento.

Uno de los primeros pasos fue un álbum grabado por Los Gatos Salvajes en 1965, con diez temas propios en español. En 1966, Los Beatniks, de los cuales Moris y Martínez eran miembros, comenzaron a llevar al rock argentino en la lenta transición de simples imitadores a un estado musical más creativo. Formados en Villa Gesell, grabaron en español el que es considerado como el primer single del rock argentino: «Rebelde» / «No finjas más».

Ese mismo año, la revista estudiantil-adolescente Esta Generación, de un grupo de estudiantes secundarios del Nacional Buenos Aires, entre los que se encontraban Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Hernán Puyó, difundió una convocatoria del "poeta" Pipo Lernoud para realizar un encuentro juvenil en la plaza San Martín, de "todos los jóvenes con nuevas ideas y pelos largos", para el 21 de septiembre, Día del Estudiante.

El hito definitivo del rock argentino fue el grupo Los Gatos, banda que creó su propio material. Después de formarse como banda oficial de «La Cueva» a comienzos de 1967, la banda lanzó el 3 de julio un simple: "La balsa", una canción compuesta por Tanguito y Lito Nebbia, en el Lado A y «Ayer no más», en el Lado B. El disco fue un éxito masivo y vendió en torno a las 250.000 copias.

Charly García ha destacado la impronta personal de Litto Nebbia en la definición del estilo original del rock nacional argentino, diciendo que «sin Nebbia no hubiera existido Javier Martínez, ni Spinetta, ni yo». Litto Nebbia, el único músico del núcleo inicial, estableció un estilo de rock moderno con resonancias sudamericanas -emparentado con la bossa nova- y fuerte vocación de masividad. Sin embargo, el éxito de La Balsa no llevó a un interés por parte de las discográficas y los medios de comunicación masiva de difundir el recién nacido estilo del rock nacional, llamado entonces también música progresiva.

La difusión masiva entonces comenzó a ser realizada por medios propios. En 1968 se publicó el primer número de la revista de rock Pinap, y se fundó el primer sello discográfico argentino de rock: Mandioca. Fueron estas dos empresas las que impulsaron el proceso de masificación del rock en español, a través de artículos, reportajes e imágenes de los músicos y las bandas argentinas, en el primer caso, y discos en el segundo. Por otra parte, tanto Pinap como Mandioca comenzaron a organizar recitales cada vez más masivos.

En 1969 cuatro grandes festivales de la autodenominada “música beat” se llevaron a cabo: los conciertos June Sunday, Festival Nacional de Música Beat, Festival Pinap y Festival de Música Joven.

Durante este tiempo se formó Almendra, de Luis Alberto Spinetta —una de las bandas más importantes de esta etapa— y Manal, un exitoso grupo con orientación hacia el blues. Junto con Los Gatos, estas tres bandas son consideradas como la trilogía fundacional del rock argentino. Sin embargo, ninguno de estos grupos tendría una historia muy larga; de hecho, muchas de estas bandas se disolvieron a principios de los años ‘70.

Almendra se separó en 1970. Spinetta formó entonces Pescado Rabioso, y los demás miembros Color Humano y Aquelarre. A principios de la nueva década, destacaron también Vox Dei, cuya mezcla de hard rock y melodías sutiles refrescó el movimiento. Su álbum La Biblia es uno de los discos definitivos de comienzos de la década.

Esta primera escena del rock argentino estuvo caracterizada por una gran cantidad de cambios en las formaciones de las bandas, y hasta intercambios de miembros entre ellas, o miembros de diferentes grupos formando agrupaciones nuevas.

A comienzos-mediados de los años ‘70 se produjo un recambio generacional, en donde la primera generación de bandas de rock argentino le pasaría el legado a una nueva camada de artistas que diversificaron aún más al rock argentino, tomando cada vez más independencia creativa del rock estadounidense e inglés.

A comienzos de los ‘70 se produjo la primera diversificación real del rock nacional. En realidad, la división se había producido un tanto antes, cuando algunas bandas comenzaron a tocar un rock más pesado; mientras que el mundo entraba a la época del heavy metal. Entre estas bandas estaban Pescado Rabioso, Vox Dei y Billy Bond y la pesada del rock. Pero de todas las bandas de heavy metal, Pappo’s blues se convertiría en la banda de metal y blues más influyente de su época, llegando a obtener reconocimiento en el exterior (y hasta tocando con B.B. King en la ciudad de Nueva York).

Por otro lado, el primer festival B.A Rock, organizado por la revista Pelo contó con varios de los artistas y bandas que encabezaron el movimiento acústico del rock: Gustavo Santaolalla formando Arco Iris; León Gieco que combinaría el rock y el folk; Sui Generis y el comienzo de la carrera musical de Charly García; Raúl Porchetto y Pedro y Pablo, entre otras bandas. Estos grupos no solo se inclinaron hacia el folclore argentino en busca de inspiración, sino también hacia otros sonidos latinoamericanos.

Varias bandas de rock acústico ganaron popularidad, como Vivencia, Pastoral y Alma y Vida. El éxito del acusticazo llevó al rock argentino a una nueva era.

Mientras los años ‘70 avanzaban, el rock acústico continuó como uno de los estilos más populares en el país, con las bandas arriba mencionadas -y otras- dominando las listas y los gustos musicales. Y por primera vez en su historia, el rock argentino comenzó a aparecer en el exterior: Sui Generis y Pastoral ganaron cierta popularidad en otros países de Latinoamérica y el segundo grupo hasta llegó a editar un EP en Japón.

Sui Generis, banda integrada por Charly García y Nito Mestre, comenzó a pasar de un rock clásico y acústico a un sonido más eléctrico y visceral. Paralelamente, en la escena underground argentina, había bandas nuevas con un sonido diferente del rock acústico y el pesado; influenciadas por un sonido acústico más experimental, el tango y el rock progresivo inglés. El rock progresivo argentino alcanzaría su pico de popularidad en 1975.

En ese mismo año, Charly García y Nito Mestre decidieron terminar con Sui Generis, dando dos conciertos despedida en el Luna Park el 5 de septiembre de 1975 ante 30.000 personas. Historiadores han llegado a ver a los conciertos despedida de Sui Generis como el final del período fundacional del rock argentino. Para entonces el rock nacional se había convertido en un género masivo, sobre todo entre los jóvenes de clase media.

Coincidentemente, la violencia política y social creciente en la Argentina, desembocaría en el golpe de estado del 24 de marzo de 1976, que llevaría la violencia al paroxismo imponiendo un régimen de terrorismo de estado que causaría 30.000 desaparecidos y llevaría al país a una guerra contra el Reino Unido, en los siguientes ocho años.

El período clásico del rock argentino estaba casi completamente finalizado hacia 1976, año del último golpe de estado que sufriría la Argentina. A partir de ese tiempo, el rock argentino pasó a una etapa de mayor sofisticación, experimentación y una música más conceptual. Sin embargo, unas pocas bandas acústicas como Pastoral y Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre seguirían teniendo éxito.

Los años de la dictadura, en una América en la que prácticamente desapareció la democracia, serían una edad media cultural, en la que el rock nacional adoptó una posición de "supervivencia" como el resto de la sociedad y sus manifestaciones. En esa edad media asomaría la cabeza dejando testimonio artístico y humano, Serú Girán.

A finales de 1983, luego de un genocidio que causó 30.000 desaparecidos y una guerra contra Gran Bretaña, la dictadura colapsó dando paso a una democracia de transición. El rock nacional vería entrar una nueva generación de adolescentes con nuevas ideas sobre el rol de los jóvenes en las democracias postdictatoriales que comenzaban a aparecer en Iberoamérica. Entre ellos se destacaría Soda Stereo que haciendo pie en la Argentinan y su ya tradicional "rock nacional", sería el factor determinante para el nacimiento de un nuevo movimiento, ahora continental, el del rock latino o iberoamericano, al punto de que comenzarse a preguntar si tiene sentido seguir hablando de "rock nacional".

Al principio



Rock de Ecuador

Guayaquil, 20-05-2006. Más de 2.000 cabezas se reunieron en el ya obligatorio Cultura Metal Fest.

El rock de Ecuador tiene la particularidad de gozar de una amplia y diversa escena de música independiente, abarcando las diferentes ramificaciones de estilos como el hard core, gothic, metal, rock alternativo, punk, ska, blues, hardcore punk, grunge, pop, reggae. Las bandas de rock que conforman dicho movimiento no cuentan con una industria musical local (a diferencia del rock de Argentina y el rock de México con un mercado bien conformado), por lo cual ninguna ha tenido éxito comercial significativo en el Ecuador o en el extranjero.

La mayoría de ecuatorianos no están familiarizados con la música rock, lo cual es a veces conveniente para mantener su misterio y tener derecho al seleccionar a sus verdaderos seguidores, quienes se enteran de las movidas únicamente al estar estrechamente vinculados con ellas, utilizando todos los canales de comunicación a su alcance como grafittis, volantes, mensajes escritos vía SMS, spams, blogs, boletines de prensa, fanzines, etc. El hecho es que durante estos últimos años el Ecuador ha experimentado una verdadera explosión en este sentido, las bandas se multiplicaron y quienes ya tenían una trayectoria la consolidaron grabando cassettes, vinylos, CD´s o DVD´s, en búsqueda de una proyección a nivel internacional.

Entre las bandas de rock ecuatoriano que por su carrera musical destacán, están: Viuda Negra (Metal), Spectrum (Heavy Metal Sinfonico), Total Death (Doom/Death Metal), Blaze (Power Metal), Sal y Mileto (Rock progresivo), Basca (heavy-thrash metal), Notoken (hardcore punk), Muscaria (Nu metal), Metamorfosis (heavy metal-power metal), La RoCola Bacalao (ska-fusión), Mamá Vudú (rock alternativo), Rayuela (rock alternativo) ,Víbora Julieta (rock alternativo) ,Perversor (Thrash Metal) , Colmena (crossover), Los Ultratumba (punk grunge), Raíces Napalm (rock alternativo), Demolición (Thrash), Siq (Nu Metal), Cafeterasub, Likaon (thrashcore-metal), Mortal Decisón (Hardcore punk), Chulpi Tostado (punk).

Paralelos al movimiento, pero de igual importancia, la labor de los trovadores urbanos del rock Jaime Guevara en Quito, Hugo Idrovo en las Islas Galápagos y el Viejo Napo en Guayaquil, imponen su influencia.

Nadie sabe con certeza como se originó la escena musical en Ecuador, pero lo que si muchos recuerdan, es su experiencia como testigos en los conciertos y presentaciones de los grupos más relevantes, por sus actuaciones en las tarimas improvisadas, en cualquier garaje o patio donde fueron pactados los encuentros. El impulso a formar una banda nace a nivel colegial o en el barrio, pues desde allí se liga el intercambio cultural y su separación con la sociedad y su cultura oficial, creando la sub-cultura urbana afincada en el underground.

A fines de los años cincuenta el rock and roll llegó al país. La televisión pupularizó el nuevo ritmo, y tuvo en Manuel Palacios a uno de sus impulsores. Los Satélites, fue uno de los primeros grupos nacionales que se apuntó a la "nueva ola". Su sonido estaba ligado al rockabilly, garage y twist de los tardíos cincuenta y tempranos sesenta. El propio Palacios dio cabida en su programa a Pepe Parra, el rey del twist local, que popularizó el famoso "Baile del Ladrillo" (c.1964). Los Aristocráticos fue otro de los grandes grupos del momento. Incluso el maestro del requinto Rosalino Quintero tuvo sus inicios en el rockabilly durante los años cincuenta y nada más y nada menos que el ídolo Julio Jaramillo también se atrevió a explorar el rock. Durante la segunda mitad de los sesenta Los Corvets fueron los más populares en la escena musical, aunque su música estaba influenciada por el surf y baladas beat, en un principio, y luego por la psicodelia, que tuvo a sus mejores representantes en el año 1967 con Los Hippies formado por los hermanos Miguel Galllardo (guitarra) y Homero Gallardo (teclados) junto a Jorge Terán (batería) Enrique Alín (bajo) y Pepe Ordóñez (vocal) este sería el primer grupo de rock psicodélico de Guayaquil, grabando "Dame dame amor bueno" y un tema inédito "Protesta contra el mundo", gran parte de estos integrantes pasarían luego al Grupo Boddega con música inédita mas comercial. "Clan 5" lideró en cambio las ventas en la transición de las décadas del 60 al 70, la canción "Tontódromo" fue su himno particular. "Los Barracudas" con Fernandino (Fernando Vicencini) en la voz y guitarra eléctrica, Danilo Plaza (Batería), Iván Vasco (teclados), Pepe Anchundia (guitarra) Roberto Newman (bajo) graban "Black is black" y "because" con notable éxito.

Con esta década comienza realmente el despegue del rock nacional, especialmente en Guayaquil que con proyección de películas como el documental Woodstock (3 días de paz música y amor) y otras que sirvió de detonante, despertando el ánimo para imitar a sus grandes ídolos. Es aquí que aparecen bandas que generalmente eran formadas por amigos del barrio o el colegio y que tocaban hard rock o rock pesado que era como se identificaba a la música rock por aquellos tiempos. Aparecieron grupos con nombres como Pussy Band que estaba formada por Roberto Bolaños en la guitarra, Estefano Faráh en batería y Nacho Álvarez en el bajo, trio que se caracterizó por tocar temas de bandas como Grand Funk Railroad, Rare Earth, Cream, Jimi Hendrix, entre otras, también apareció en escena la agrupación Los Apostoles con tremendos guitarrista como Héctor Napolitano quien ya era un diestro en la 6 cuerdas, Glenn Rumbea (†) en el bajo, Tito Haenzel en guitarra, entre otros. Sus actuaciones en sus comienzos se limitaban a fiestas privadas y a presentaciones de ciertos colegios que por aquella época organizaban festivales de rock.

Freedom (Guayaquil), banda emule formada por Cesar Aragundi (Guitarra), Miguel Hernández (†) (Segunda Guitarra, Voz), Jaime Alfaro (Bajo, Voz) y Manuel Sión (Batería), populares por sus interpretaciones de Led Zeppelin, Grand Funk, Deep Purple, Black Sabbath, Yes, Rush, Eagles, Aerosmith, Jimi Hendrix, Van Halen.

Así también otras bandas como Company (Guayaquil), y Friendship.

También estaban las bandas que habían comenzado el movimiento por los años sesenta y que se mantenían vigentes pero tocando un estilo de rock que iba más hacia lo mainstream, pero que tenían una presencia importante en el medio como eran Los Corvets de la familia Vallarino y Boddega de la familia Gallardo.

Los setenta también nos trajeron eventos importantes como los festivales intercolegiales organizados por los colegios Vicente Rocafuerte, Aguirre Abad entre otros, quienes crearon verdaderos portales de música como el recordado Alfa Centauro que era un evento en la que nacen las primeras bandas, que en muchos casos representaban a barrios y colegios de la ciudad. De estos festivales dan a la luz pública los Alarma 5 de Ever Bermudes y Alfonso Alza, banda de rock que por aquella época ganaba todos los premios que otorgaban los organizadores. De las aulas del colegio Aguirre Abad salierón Las Doscientas Millas, Biblia, Boddega. Aparecieron también los Texaco-Gulf de Pancho Jaime apodado, la mamá del rock, aquel personaje que con su fuerte voz le impregnaba salvajismo a sus presentaciones, Only Three de Henry Semisterra, compositor, cantante y guitarrista. Por aquella época no era costumbre tocar música propia, nadie lo hacia a excepcción de los Corvets y Boddega.

La tendencia que se imponía era lo que las grandes bandas norteamericanas y británicas creaban y grababan, siendo lo que la juventud quería escuchar desde las acetatos o disco de vinilo que llegaban importados con dificultad desde EE.UU. e Inglaterra y que hacían sacudir las cabezas con lo mejor de aquel tiempo como Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, Santana, Jimi Hendrix, The Who..., y que era el material que pasaba de mano en mano, siendo música obligada de toda fiesta. Esto sucedió hasta mediados de los setenta y un poco más cuando el rock tiene un pequeño declive y es por la aparición de la música disco e hizo que mucha gente volcara sus gustos hacia esta nueva tendencia que había entrado con fuerza, pero esa ya es otra historia.

En los setenta se registra la organización del primer festival de rock: “Puma-pungo Rock”, denominado así por su ubicación en el entorno de las ruinas arqueológicas con ese nombre, aunque la prensa escandalizada por el ambiente hippie de la juventud rockera de entonces, lo motearía como “fuma-pungo Rock”. Entre las bandas destacadas de dicho festival figuran Los Apóstoles, de Guayaquil, quienes junto con cuencanos Los Cuervos, Los Antares, Paúl Sol, y otras agrupaciones de Quito y Guayaquil como Los Delfines, Corporación de Venus, Las Hormigas, Las Chicas, La Banda Azul, Boddega, Caravana, e Israel, serían las más destacadas de la corriente de los inicios de los años 70s.

En cambio, paralelamente en Quito, desde 1974 se convocan a los primeros conciertos en La Concha Acústica de la Villaflora, al sur de la ciudad, organizados por el Taller Cultural de la Villaflora. Es aquí donde se han forjado la mayoría de bandas capitalinas precursoras del movimiento rockero como, La Tribu, Sueño de Brahamas, Tárkus, Metamorfosis, Luna Llena, entre otras. En ese escenario el trovador Jaime Guevara con su disco Cantor de Contrabando desata una vida de lucha.

Al llegar la década de 1980 e impulsados por el boom del rock latino de los Hombres G, Ilegales, Los Toreros Muertos, Soda Stereo, y el Heavy metal de Ángeles del Infierno, nacen las primeras bandas de rock en componer temas en español, que en su momento, al desconocer su condición de independientes, nunca lograron una carrera estable, pero el tiempo se encarga de ubicarlos como bandas pioneras en su región, actividad imitada en las demás ciudades del Ecuador. Una de las primeras fue Spectrum, quienes registran la primera grabación con temas propios con estilo heavy metal realizada en Ecuador, con la incursión del doble bombo a cargo de su baterista Andres Alban. En1984, época de apogeo del Heavy Metal, lanzan al mercado 2 temas de grandes éxitos como lo es Ven y Religiones en conflicto.

En el género hardcore punk nace en la década de los 80 bolsas tristes. Esta banda conformada por Nelson Cruz(+), Genaro Cruz, Amin Mohamed, y Pedro Aguayo influye directamente con sus temas propios hacia toda la nueva ola de música punk, hardcore guayaquileña actual. Todos sus conciertos con temas propios era lo que diferenciaba a este grupo, de los otros conciertos que existían por esas épocas.

Lo interesante es que las bandas gozan de sonido propio con una leve influencia internacional, de esa camada pertenecen, Krilac,Clip, Tranzas, Right, Taller, Los Descontrolados, Spectrum, Abraxas, Mouline Rouge, Bolsas tristes, Reynaldo Egas, Demolición, Blaze, Ten Years After de Pancho Jaime, Equinox, Skálibur, Mandrágora... Cada uno representando las distintas facetas que tiene el abanico del rock en sonido, mensaje y actitud. En 1981 y con la convicción de que era una obligación de los grupos nacionales componer temas en español sin perder de vista el análisis social, aparece en el escenario quiteño Cancerbero, banda muy prolífica que no logró plasmar sus temas en discos, aunque si los difundió en un par de radios y a través de grabaciones propias en cassettes.

Estas grabaciones se convirtieron en material de culto, lamentablemente se perdieron en el tiempo, por lo tanto, hoy en día son imposible de encontrar en el mercado.

De ellos se desplega nuevos estilos fuera del rock manteniendo los mismos principios de independencia con estilos diversos que van desde lo calido y tropical, pasando por el HipHop hasta llegar a lo frio sintetico de lo electronico.

Existen bandas locales de diferentes géneros como grunge, alternativo y emo como la banda Hijuepunk y Chunchiman, ya que hay una gran variedad de tribus urbanas en la ciudad ,hay festivales de música rock los cuales se llevan a cabo en la Plaza de San Sebastián.

El festival anual "Loja Rock", es el más grande de la provincia y el único que se da de manera permanente desde el año 2005.

Ya superado el estado germinal del rock en Guayaquil de los ochenta, en este nuevo decenio pasan al estado de identificación; proceso amplificado por la era del acceso masivo en las comunicaciones como la televisión por cable y la internet. Ahora empiezan a organizarse por sectores en la urbe distribuidos en el norte, centro, sur, Durán y periferias.

Con recursos limitados, los arriesgados jóvenes emprendedores alquilaban espacios, que generalmente eran clubes de asociaciones en el centro o sur de Guayaquil, salas de baile, patios de colegios y parques al norte de la ciudad, para conciertos con temáticas heavy, hard rock o punk; donde acudían gran cantidad de jóvenes identificados con las nuevas tendencias que representaban el nuevo sonido de la década, bagaje alimentado por la inclusión diaria de la cadena de cable MTV Latinoamérica en la vida de muchos rockeros. Queda en duda si alguna vez alguien sacó provecho económico en estas grandes fiestas de los sábados en la tarde, pero definitivamente, eran los únicos puntos de encuentro obligados del movimiento del rock en todo Guayaquil. Paralelo a esto, los Intercolegiales de música motivaron a que en los propios colegios se armen con equipos e instrumentos y así competir musicalmente entre ellos. Lastimosamente, el interés comercial y económico por encima del musical en este tipo de eventos mermó terriblemente su calidad y seriedad, afectando la escena musical del rock de tarima en la ciudad.

Los últimos tres años de esta década fueron oscuros para el ámbito económico y político del país, afectanto poco a poco las iniciativas culturales pequeñas y grandes. Al finalizar la década, el Ecuador empezaba con nueva moneda, el dollar, un presidente fue depuesto por el congreso y la quiebra del sistema bancario truncó cualquier esperanza de seguir desarrollando un movimiento musical en estado de ebullición.

A finales de los 80, en Guayaquil, se forma la banda de punk Los Descontrolados, siendo los primeros en su género en Ecuador, alcanzaron a grabar dos discos en vinylo, la duración de su trayectoria fue abruptamente cortada por el asesinato a puñaladas de su vocalista Prema. Luego, influenciados por ellos aparecen Bolsas tristes (Nelson Cruz(+), Genaro Cruz, Amin Mohamed, Pedro Aguayo) que sin tocar en muchos lugares, graban un cassette que sería el arranque de toda esta ola musical underground guayaquileña.

Lamentablemente no todas las bandas lograron sobrevivir, pero los integrantes de los grupos desintegrados formaron nuevos proyectos mejor estructurados y estables. La nueva camada de grupos de rock guayaquileño son: Luis Rueda y el feroz tren expreso,Alucard www.alucardheavymetal.com, Guerreros de cartón, Mute, Los Brigante, YucaErécta, Los Ultratumba, Orgasmo Sónico, Víbora Julieta, The Cassettes, Sonlocoson, Alexa, Raíces Napalm, Módulo, Luciérnaga, L.E.G.O., Sarazino...> La tendencia actual en el puerto de Guayaquil apunta a rescatar el sonido del stoner rock y el rock ácido de la década del 70.

AGENTE 86 Banda pionera del Punk Ska en el Ecuador, formada en 1996. Debido a la fuerza de sus shows en vivo ha logrado tocar en varios de los festivales más importantes del país, además de compartir escenario con bandas internacionales de bastante reconocimiento como son NoFX, Panda, Los Ilegales de España, 2 Minutos, entre otros.

AGENTE 86 es una de las pocas bandas de Punk del país que debido a lo original, versátil y creativo de su música han logrado ganarse el respeto y seguidores no solamente dentro de la escena Punk, sino además han logrado romper con el estereotipo de una banda Punk compartiendo escenario con bandas de todos los géneros y tocando ante todo tipo de público con bastante aceptación.

A lo largo de su carrera varios de sus temas han sido incluidos en compilados y portales musicales tanto del Ecuador como de otros países.

Con su disco A99 la banda entró al TOP 25 de ventas de TOWER RECORDS por varias semanas ubicándose entre los puestos 12 y 16, lo cual para una banda independiente de la escena underground local es un gran logro.

A pesar de ser una banda 100% independiente AGENTE 86 ha conseguido gran número de seguidores a nivel nacional, e incluso reconocimiento a lo largo de la escena independiente internacional. Es así como con 10 años de carrera, algunos cambios en su alineación, bastantes shows en vivo y un gran grupo de seguidores, AGENTE 86 se ha convertido en una de las bandas más importantes de la escena de rock en Ecuador con miras incluso a proyectarse internacionalmente.

En inicios de los 90, se juntaron, Julio Salame en la guitarra, Carlos Juancho Avilés en la voz, Marcos Correa en el bajo y Gabriel Ávila en la batería, siendo amigos desde el colegio, en Guayaquil y formaron la banda NøTøken que se consagró como la primera banda de hardcore punk de Ecuador en proyectarse en circuitos undergrounds, fuera de su país de origen.

Movimiento juvenil formado en mayo de 1998 por bandas independientes guayaquileñas influenciadas en la corriente new school del punk melódico norteamericano y el skate punk. El concierto Monsters of Punk 1 (MOP1) se convirtió en su primera actividad oficial donde participaron las bandas guayaquileñas Agente 86, 69 Segundos, G.O.E. Sobre el objetivo de la UniónPunk, Iván Mono Casanova, guitarra y voz de 69 Segundos, explica: “Decidimos juntarnos porque nos dimos cuenta que no había oportunidades para tocar en conciertos de punk radical. Ahora hemos logrado unir a personas con un criterio parecido, buscamos que los miembros se integren, se conozcan y se respeten, todos somos panas”.

Desde el surgimiento del rock en el puerto de Guayaquil, siempre fueron mal vistos sus seguidores por su apariencia (melenas y ropa estrafalaria) o por actos de vandalismo. Por tal razón, la UniónPunk además de su música, aporta en la urbe con pequeños proyectos sociales.

Para lograrlo sus miembros están en contacto con fundaciones ecológicas, impulsores de derechos humanos, protectores de animales; y así gestionar proyectos sociales con la recaudación por la venta de boletos para los conciertos que ellos organizan. Otro objetivo de la UniónPunk es la grabación de su música y para eso montaron sus propias casas disqueras. Ellos fabrican sus materiales y la mercadería promocional como camisetas, calcomanías, folletos y carteles.

Existen tres sellos discográficos independientes que producen la música de las bandas que integran la UniónPunk. Estos son: Start Up Records; Hang Punk Records y Trucho Records.

Movimiento formado en noviembre del 2003, como solución a la necesidad de las bandas rockeras en tener representatividad en el mercado local. Al igual que otros movimientos como UniónPunk y AnarkoPunk, la idea es autopromocionarse y financiar sus conciertos con medios propios y sin recurrir a auspicios de terceros. De esta manera han resucitado a bandas inactivas y han unificado el rock alternativo y el Nu Metal en un circuito que crece con rapidez. La movida la componen bandas que se encuentran dispersas y que no cuentan con los medios necesarios para exponer masivamente sus planteamientos musicales.

Jimmy Cassinelli, integrante de Colmena, es el mentalizador y promotor principal de esta unión de grupos jóvenes, el movimiento se encarga en producir, grabar, armar giras y difundir su propio material; el objetivo principal es realizar música y hacerla conocer a la mayor cantidad de personas. Las bandas que representán la ComuniónMetal son Sangra, 20MT, Colmena, Raíces Napalm, Módulo, Porno Ducks, Weakskin, Maltrato Público...

Banda de rock indie ecuatoriano, originarios del puerto de Guayaquil, formados en el 2002. Está integrada por Gabriel Fandiño (voz), Bruno Carranza (batería) y Carlos Proaño (guitarra); cuentan con una maqueta de 8 temas, grabados en live performance en los estudios OSSO Producciones, bajo la dirección de Lenín Vargas, frontman del grupo L.E.G.O. El estilo musical que propone está basado en la emulación de las grabaciones del rock de los años 70´s, de Led Zeppelin y Black Sabbath fusionados con el grunge de los 90´s de Soundgarden, Alice in Chains, Nirvana y Pearl Jam.

Septiembre 2006; Guayaquil, Ecuador. Tres chicas y un tipo se juntan para tocar canciones de Ramones, Blondie, Iggy Pop, The Clash y otros. Al poco tiempo, sus conciertos se vuelven una fiesta tipo película-gringa-de-adolescentes a la que hay que ir: toneladas de confetti en el piso y gente despeinada, acalorada y sin voz de tanto gritar. Ya que es inevitable para la gente etiquetar a The Cassettes como una “banda de chicas”, hay que decir que nada importante les había sucedido a las mujeres ecuatorianas desde que Matilde Hidalgo de Procel fue la primera en sufragar, allá por 1924… hasta ahora. Porque Liberti, Angela, Mariuxi y Javier están haciendo más que eso: su perfecta mezcla entre punk y rock alternativo, actualiza la cursi frase de los noventa Girl Power! con baterías y riffs dignos de la primera canción de esa influyente compilación argentina de bandas indie latinoamericanas que nunca llegó a Ecuador. Que The Cassettes, un nombre inspirado en los azucarados girl-groups de los sesenta , no los confunda: lo más rosado en la banda será el pantalón de lycra que Liberti suele usar en los shows. No hay demasiada sensibilidad pop en los temas de este grupo. “Destruye”, “Nada”, o “Yo, ¿la mala?” lo corroboran, mientras que “Cinturón mordiente” lo firma con sangre . Al buen entendedor, pocas palabras. Con ustedes, The Cassettes.

Son psicodelicos con una fuerte tendencia a todo lo retro que causo euforia en los 70's y su cine, se hacen llamar Los Brigante, su meta, emular a Carlo Brigante, el personaje principal de la película de Brian De Palma, Carlito's Way, de allí su extraño nombre, y toda la acides que ese filme tiene de trasfondo. Constituidos por los hermanos Pablo (voz / guitarra), Federico (bajo) y José Luis Freire (percusión), Aldo Macchiavello (batería), Carlos Paredes (guitarra) y Toño Moreno (teclados). Se formaron en el 2005 y su primera presentación se dio en el festival de música electrónica Chongón Parade del mismo año, desde allí se han dedicado en visitar cual mas bar puedan, el culpable, el tema Acid Blues, una grabación casera que de mano en mano fue a parar a La Metro (estación radial quiteña especializada en rock), en el espacio Prohibido Prohibir, dirigido por Mayra Benalcazar. El tema Faster on me (satisfy myself), trata sobre las satisfacciones que estos tienen al contradecir las advertencias de sus novias cuando ellos se exponen al peligro en una vida ascelerada.

Fusionan rock alternativo y jazz pop, formado por Víctor Andrade (voz / guitarra), Aldo Macchiavello (batería) y Ricardo Pita (bajo), rotan con frecuencia en el circuito de bares en Guayaquil.

Música de Guayaquil ecuador. Influenciada en la Costa, Sierra, Oriente y Galápagos.

Y muy pronto para todo el mundo, el son latino mueve tu cuerpo.

Puedes averiguar más de esta banda en su blog], cuya última actualización se realizó en octubre de 2008.

Guerreros de cartón es un grupo ecuatoriano de rock electrónico, formado en el año 2004 como un proyecto experimental. En un inicio sus integrantes eran Roberto Ferrín (voz y guitarra) y Pedro Posligua (secuencias). Actualmente la banda está formada por: Roberto Ferrín (voz/guitarra), Joseph Rivera (guitarra/coros) y Darío Arauz (batería/secuencias). En Octubre del 2007, la banda fue seleccionada por MTV como banda semifinalista en la zona de combate.

Debido al la poca frecuencia de visita de megabandas internacionales al país, y como efecto para complacer a las masas, se ha desarrollado la tendencia de las Bandas Emule, que son agrupaciones formadas por músicos en ejercicio para crear bandas tributo, ejecutando representaciones de míticas agrupaciones del rock como: Pink Floyd, Led Zeppelin, Black Sabbath, The Doors, Deep Purple, Héroes del Silencio, Nirvana, Metallica, Ramones, The Beatles, Mago de Oz, Sepultura, The Police...Solo bandas clásicas, cabe recalcar. Habitualmente, estas interpretaciones se desarrollán a nivel de bares, Willy Wong and the Brothers, La Ola, Spectrum, Mocambo Blues Trío (Banda de Blues-Rock. Remigio Castillo, Jimmy Castillo, Kiko Torres), Black Bird Band, Guayaquil City Band, Madera, La Tribu,Quien al mando de Roberto Murillo (vocalista),Julio Chicho Tamayo (bajista),Jorge V Arias (tecladista),Manolo Picon (baterista),y Xavier Diaz (guitarrista) fueron unos de los mejores exponentes del rock tributo o Emule en Guayaquil y en otras ciudades del Ecuador ganándose el cariño del público a través de su música El tributo, son representantes de esta tendencia. Claro que ninguna de estas bandas ha realizado composiciones trascendentales inéditas, así que durante casi toda su vida, se han limitado únicamente a tocar covers (exclusivamente de bandas de 1994 hacia atrás), así que es imposible ver bandas locales haciendo tributos a grupos contemporáneos como radiohead, the strokes, portishead o kashmir.

El rock en Quito tiene muchos referentes desde los años sesenta del siglo pasado. El festival más antiguo es el de la concha acústica de la Villaflora, del que se tiene evidencia que se realizaba desde mediados de la década de 1970. En 1987 el colectivo Al Sur del Cielo retoma la idea y hace un festival el 31 de diciembre de cada año y otro gran festival llamado La Semana del Rock, organizado anualmente en el mes de julio. El movimiento rockero capitalino tiene dos vertientes fundamentales: una de raíces del heavy metal, afincada sobre todo en el sur de la ciudad; la otra es una vertiente más alternativa, y de tendencias al hardcore punk y fusión con fuerte presencia en los barrios del norte, en donde uno de los principales escenarios fue el bar La Kumbancha. Esta división subjetiva de zonas y estilos musicales no quita que en el norte haya buenas bandas de power metal, y en el sur grupos de ska o fusión. Actualmente hay la tendencia a la unión de las bandas para financiarse sus conciertos y sus grabaciones. Entre estos colectivos está la Alerta, antigua Escena Hard Core .

Abadón, Alicia se tiro por el parabrisas, Antipátikos, Amigos de lo Ajeno, Argadón, Avathar, Aztra Aztra, Cacería de Lagartos, Cafetera Sub,Infiltro, Can Can, Cruks en Karnak, Chancro Duro, Curare, Decapitados, Dentro De Elena, Descomunal, El retorno de Exxon Valdez, Enemigo Público, Ente, Eskhaton, Eutanos, Hitler Cuesta, Hostill, Hijos De Quien, Puño, Humano, Jaime Guevara, La Doble, La Grupa, Malahue, Mad Brain, Mamá Vudú, Metamorfosis, Misil, Muscaria, Narcosis,Perla Negra (Banda), Obscura, Onírica, Perversor, Pulpo 3, Total Death,</ref>Total DeathRayuela, Sal y Mileto, Siq, Tandacuchi, Tanque, Viuda Negra, Vulcano, Zeol, Wizard, Anima Inside, Roma Santa.

Viuda Negra (Metal) es el grupo de rock más importante del último período de la música ecuatoriana, sus años de constante crecimiento, una primera producción nacional ciento por ciento profesional y su último trabajo realizado en el prestigioso Fusao V.M.T Studios en Sao Paulo – Brasil, les ha permitido ser nominados y premiados con los principales reconocimientos al género en todo el país. Han liderado los festivales de rock locales más importantes y han sido invitados a tocar junto a las más destacadas bandas del género que han visitado el Ecuador. Una exitosa gira colombiana y la distribución de su trabajo en España, Argentina, México, Chile y Venezuela, son solo los primeros pasos conseguidos para la internacionalización definitiva de su carrera.

Total Death (Avant Garde) una de la pocas bandas que sobrevivieron a la explosión de nuevas bandas en los 90tas, Total Death ha grabado varios trabajos que se han convertido en material de culto en la escena metalera mundial, "Bajo el mismo extraño cielo" demo fue editado en 1995 y re-editado al siguiente año, con un total de 2000 copias vendidas en aquellos años, al siguiente año lanzan el trabajo más importante que la escena extrema en latinoamerica tuvo en esta década "Silencio de Soledad" 7 pulgadas vinil un material extremadamente innovador, metal con guitarras acústicas, letras melancólicas, poesía, desgarradoras voces, un concepto totalmente nuevo en Latinoamérica, este vinilo se agoto de inmediato y hoy en día es una pieza de coleccionistas. La banda toco por todo el país y fuera la primera banda ecuatoriana en pisar tierras extranjeras con su música, siendo invitados al 3 encuentro del metal en Calí Colombia en el año 1999, celebrando la salida de su 1er Cd "Lágrimas de Ensueño", para el 2000 la banda graba su segundo álbum " EL Rostro que llevamos dentro", y se edita a través de Subterra Records a finales del 2001, les lleva a dar su 1era gira por el Colombia registrando más de 6 shows en ciudades como Calí, Manizales, Pereira, Bogotá y Bucaramanga. La banda sigue tocando por todo Ecuador, teniendo propuestas de participar en festivales muy importantes como el desaperecido Milwakee Metal Fest en USA, pero por motivos de estudios, la banda no pudo salir a tocar. Para el 2004 La banda cuenta con un nuevo line up y comienza a componer su 3era placa " Desolate Recollections, que se graba ya en a principios del 2006, en Sao Paulo-Brasil, bajo la supervisión de los reconocidos productores Heros Trench y Marcello Pompeu en MR. Som Studios, la banda se radica por el tiempo de 1 mes y medio en la ciudad paulista, aprovechan para hacer shows y mucha difusión de su música, recibiendo muchísimos elogios por la prensa brasileña. El mismo año sale bajo el sello mexicano American Line Records, este registro, este es el 1er material ecuatoriano producido por una disquera extranjera. Este material les abrió muchas puertas y excelentes reseñas en sites y magazines a nivel mundial, Total Death en el 2007 viajó a Sao Paulo nuevamente a dar su 1era gira, dando un total de 5 shows, en ciudades como Campinas, Riberao Preto, Cotia y Sao Paulo. Recientemente fueron invitados a participar en el Death Metal Festival en Brasil, junto a la veterena banda estadounidense POSSESSED, la banda ecuatoriana esta cosechando loss frutos de una vida dedicada al verdadero y único culto al metal de muerte. Material de la banda disponible ya en Obliteration Records-Japón, Voice Music-Brasil, Hateworks-Colombia, Metal Age-Slovakia, Sevared Records-USA, No Escape Records-Australia, Xtreem Music-España, Atilonga Records-México.

Formado por el periodista y activista Carlos Sánchez Montoya en 1988, después de desintegrar a la banda Mutación, Amazon Rock Vital difunde una propuesta ecológica. Los videoclips Especie en extinción (1991) y Puerta 9 (1995) -de carácrter antitaurino-, rotarón por algunas semanas en la cadena MTV Latino. Como promotor del movimiento rockero ecuatoriano, Carlos Sánchez Montoya ha sido productor y conductor de programas radiales escpecializados, donde difunde el rock independiente nacional.

Banda de Rock-Pop Electrónico. Desde su formación en el 2002, Can Can ha demostrado ser una de las principales propuestas musicales independientes ecuatorianas. Su primer disco Can Can (2002) refleja las fuertes influencias electrónicas de la banda en sus inicios, Malditos Villanos Pixelados (2004) es su segundo álbum en el cual empiezan una exploración mas interactiva entre elementos electrónicos e instrumentos analogos. En el 2005 realizan una gira norteamericana por los estados de New York y New Jersey, donde también realizan varias grabaciones que serán incluidas en su tercer material discográfico: Lado C (2007) el cual cuenta con rarezas y re-versiones de temas de sus dos primeros trabajos. En el 2007 también realizan junto a Guardarraya el show GuardaCan del cual se desprende el DVD en vivo del mismo título, un trabajo pionero en esta rama en la escena independiente musical ecuatoriana.

Banda de metal alternativo, formada en 1999 en Quito por Jorge Monojorge Balladares en la guitarra, Felipe F1L Sarmiento en el bajo, Heriberto Beto Vélez en la batería y Juan Anselmo Martínez en la voz principal. Con Mantram (2000) -su primera grabación- ganan la mención a Banda Revelación (2000), otorgada por la Radio Metro Stereo. En Agosto del 2002 lanzan su primera producción a la venta llamada La radio contra la cabeza con la que obtienen la mención de Mejor Banda Nacional (2001), otorgada por la Radio Metro Stereo. All ingresar Juan "Anselmo" Martínez en febrero del 2003, consolidan potencia en su sonido; con esta alineación la banda empieza una nueva etapa y graban Selva (2004), un EP de 4 temas, definiendo así la nueva propuesta del grupo. En Octubre del 2005 proyectan el video musical del tema Atrapados, con el cual gananan la categoría de Mejor Video Género Alternativo (2005), Mis Bandas Nacionales organizado por el canal TV HOY, la Radio HOT 106, y la Alcaldía Metropolitana de Quito. El video Atrapados también es seleccionado a proyectarse en la Muestra Internacional de Cine de Animación, Animac 2006, que se realizó en España en marzo del 2006, en la sección Clips, bajo la colaboración del Programa de la Televisión de Cataluña Loops!; programa, dedicado a la música contemporánea y sus tendencias.

Grupo de Hip Hop formado en 1996 en Quito, siendo pioneros en este género. La actual formación de Tzantza matantza es Sucio Kastro, Krudo Mesak y DJ Da Beat. El origen del nombre -Tzantza- proviene de las cabezas humanas reducidas por la tribu Shuar en el Amazonas, actividad desarrollada por la clase guerrera, al decapitar a sus enemigos y reduciendo sus cabezas mediante un proceso aún desconocido, con el fin de causar el terror a sus invasores.

Una de las más influyentes bandas de Heavy Metal de Ecuador. Su ciudad natal es Cuenca, donde tienen una amplia fanaticada. El grupo volvió a los escenarios en el 2007, con nueva formación y un tercer disco de estudio titulado Resucita. Basca es un grupo que convoca grandes masas incondicionales, desde su intervención en giras en todo el Ecuador a partir de 1996, por lo que bien se puede decir que tienen ya dos generaciones de seguidores. Su primer disco Hijos de... los catapultó al reconocimiento nacional y a un bien merecido puesto de honor en la historia del rock ecuatoriano, pues son los primeros que consiguen el apoyo masivo de los rockeros del país, algo que ninguna otra banda lo había logrado hasta ese entonces.

A partir del año 2000 la escena portovejense se empieza a mover mas gracias a la aparición de muchas bandas en portoviejo tales como Autopsia, Karmina Burama (desaparecida pero grabo un demo en el año 2001), y otras bandas desaparecidas influenciadas mucho en la música de los 90 como el grunge y el recién aparecido numetal, haciendo conciertos muy underground... en esa época se separa Karmina Burama y se forma Camareta banda la cual ha grabado algunos demos... y formándose un grupo de apoyo que comenzó a hacer conciertos y festivales llamado Winchu Producciones trayendo a bandas de Quito y Guayaquil... y formándose a la vez varios grupos que comenzaron a mezclar muchos géneros vale recalcar entre ellas La Rola y los ya nombrados Pro & Contra uqe en el año 2002 graban su 1er disco (el 1er disco album de una banda de hard rock portovejense, ya que previamente las primeras bandas en editar un álbum fueron las bandas de pop rock Trash Beat en 1990 y Descarga en 1997)... en el año 2004 comenzaron a nacer grupos como Warros, Rockersoul ahora llamados Incito, Los Pescados (duo que salió de la banda Noise), entre otros...

Festival de música independiente (indie) gratuito y masivo que se celebra cada año desde el 2003 en el inicio del mes de diciembre, por las fiestas de Quito, la capital del Ecuador. La cede es el Parque Itchimbía, el cual, además de estar localizado en el centro de la ciudad, cuenta con el espacio e infraestructura para sostener una feria de comidas, ropa, mercadería y discos. La organización en la parte de producción musical, logística y ejecutiva está a cargo de la Fundación Música Joven, su objetivo es de fomentar la cultura en el Ecuador, en el sector musical.

Para el 2007 cuenta con la participación de las bandas: Imposibles, Xtreme Tornamesas, Quito Mafia, Desus Nova, Lax'n'Busto, Messiah, Sarcoma, Funda Mental, Colapso, Paura, Koyi K Utho, Viuda Negra, Basca, Darkest Hour, Suburbia, Guardacan, Tanque, Canaille, Mamá Vudú, El Otro Yo, Lucybell.

Bandas: Todos Tus Muertos, Chucknorris, La Caution, Ratos de Porão, Death By Stereo, Masacre, Sal y Mileto, Rocola Bacalao, Fusión Mutágeno, Alicia Se Tiro Por El Parabrisas, Alma Rasta, F415, Madbrain, Curare, Descomunal, Likaon, Total Death.

Bandas: Cartel de Santa, Korzus, Immer Fört, De2, Ente, Muscaria, Tzantza matantza, Guanaco y Dj Zyborg, Tanque, Cacería de Lagartos, Zuchos del Vado, Chulpi Tostado, Siq, Cafetera Sub, Descomunal, Curare.

Bandas: Koyi K Utho, Chaos Avatar, Starflam, Sudakaya, Siq, Amigos de lo Ajeno, Cacería De Lagartos, Mortero, Mamá Vudú, Los Zuchos del Vado, 38quenojuega, Rocola Bacalao.

Bandas: Kid Cósmico, Mortero, Mamá Vudú, Tanque, Sudakaya, Can Can, Lablú, Rocola Bacalao, Guardarraya, Muscaria, El Retorno De Exxon Valdez.

Desde noviembre del 2006 en la ciudad de Latacunga, se viene arganizando anualmente el Black Mama's Fest, en el que participan agrupaciones nuevas y ya conocidas en el medio, con otivo de la fiesta de La Mana Negra.

Su convocatoria fue tal que empezó a conformarse en un masivo colectivo juvenil, y es en Diciembre de 1987 cuando nace el Movimiento "Al sur del cielo" denominándose como "Transilvania Club", en esta fecha empezó al histórico festival "Al sur del cielo", que por ese entonces se denominó "Rock por la vida"; el lugar en donde se llevó a cabo este concierto fue la Concha Acústica de la Villa Flora, sitio en donde se lo desarrolla hasta la actualidad.

Con este nombre se mantuvo durante 5 anos, a partir de aquí el movimiento se agrupa como "Los defensores del rock", y desde este momento toma fuerza involucrándose mas con el sentido social de todos los que lo conforman e iniciar un espacio de creación, reforzando la propuesta musical mediante las temas inéditos que son presentados por las bandas que participan en el evento.

Muchas bandas dieron sus primeros pasos en el escenario de este concierto, de ellas, algunas se mantienen en la lucha por la consolidación de un espacio ganado a pulso, y otras han fenecido en este mismo intento; su trabajo es el que ha impulsado esta etapa de vida en la Concha acústica de la Villa Flora, y por quienes se ha mantenido vivo este proyecto en todo este tiempo, a ellas les debemos el haber servido de inspiración para seguir todavía en pie.

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Luis Días

Luis Díaz Portorreal mejor conocido como Luis Días es un artista, compositor e intérprete de música popular nacido en la República Dominicana.

Ha sido un cultor de la música y de los ambientes populares dominicanos. En los medios artísticos se le conoce como El Terror, por sus especiales maneras de interpretar la música, por sus mezclas agresivas de aires musicales diversos y por la sensibilidad musical que exhibe.

Autor de letras y de música de inspiración folclórica que mezcla o fusiona estilos y aires musicales diversos. En algunos círculos Luis es considerado el Padre del Rock Dominicano, por sus diversos aportes a la música alternativa y experimentación de ritmos autóctonos con las guitarras influenciadas por el Rock. En sus fusiones, Luis logra mezclar los ritmos del rock, reggae, jazz y blues con más de 40 diferentes ritmos étnicos de la República Dominicana y Haití, como merengue, bachata y mangulina, entre otros.

El compositor, guitarrista y cantante dominicano Luis Díaz Portorreal nació en Bonao, el 21 de junio de 1952. Desde pequeño sintió los impulsos directos de la música, ya que su padre era tocador de "Tres (instrumento musical)" (un instrumento musical parecido a la guitarra que es usado en los campos dominicanos) y su madre era cantante de Salves, por lo que la música, el ritmo, y los ambientes artísticos eran algo natural y cotidiano en la vida de este músico innato.

En su ciudad natal, realizó sus primeros estudios musicales con los profesores Juan Zorrilla y Tatán Jiménez, donde a la edad de 16 años, creó su primer grupo musical, el cual se conoció como Los Chonnys.

En 1970 cambió su residencia a Santo Domingo con el objetivo original de estudiar Psicología en la Universidad Autónoma de Santo Domingo UASD.

En 1972, a iniciativa del sociólogo Dagoberto Tejada, se integró como guitarrista y vocalista a Convite, una banda musical dedicada a rescatar de la oscuridad los ritmos de diferentes partes de la isla. Otros miembros originales fueron el mismo Dagoberto, Ana Marina Guzmán (vocalista), José Enrique Trinidad y José Rodríguez (letras y coros), Miguel Mañaná (percusión), José Castillo (percusión) e Ivan Dominguez (percusión).

Convite, una verdadera revelación musical de la época, participó destacadamente en Festival Internacional de la Nueva Canción "Siete Días con el Pueblo" (Santo Domingo, 1974), en el cual la composición de Luis Días Obrero Acepta Mi Mano, se conviritó en el tema oficial, siendo luego grabada por grupos de la canción protesta como Expresión Joven de República Dominicana y Los Guaraguao de Venezuela.

Tras la disolución de Convite (1978), formó junto a Gustavo Moré, Wellinton Valenzuela, Carlos Fernandez y Luis Ruiz la agrupación Madora, donde trabajó la fusión del jazz con el folclore antillano. En Madora Luis culminaría toda una década de reelaboración de los cantos provenientes de las raíces mismas de la dominicanidad. Ese año también participó en el XI Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes (La Habana, 1978).

Entre 1980 y 1982 se radica en la ciudad de Nueva York, donde se dedica a enseñar talleres sobre música dominicana tradicional en el American Museum of Natural History. Durante este tiempo los ritmos del jazz y la cultura punk lograron conquistarlo.

Su regreso a la República Dominicana en 1982, representa el nacimiento del auténtico rock dominicano, al formar junto a Juan Francisco Ordóñez (guitarra), Guy Frómeta (batería), Héctor Santana (bajo), José Duluc(percusionista) y Bruno Ranson (saxofonista) la banda Transporte Urbano, donde irían a parar todas sus impresiones musicales, que conjugaban desde la bachata hasta el heavy metal. Por su labor, Transporte Urbano fue declarado el Grupo Folclórico del Año en la premiación El Dorado de 1984. Años más tarde, el bajista Hector Santana fue sustituido por Peter Nova y Transporte Urbano creo su estructura definitiva como un "Power Trio".

En 1983 ganó un concurso nacional para la composición del tema del carnaval dominicano del año 1984. Ese tema es "Carnaval" (mejor conocido como "Baila en la Calle") y sus primeros intérpretes fueron Sonia Silvestre y Luis Días.Para el carnaval de 1985 el popularísimo merenguero dominicano Fernadito Villalona grabó con el sello Kubaney la composición; esta versión es la más difundida.

En 1984 salió a la venta su L.P. Luis Díaz Merengues, el cual interpreta temas como "Ay Ombe", "Liborio" y "La porquería", entre otros.

En 1985 participó en el XII Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes (Moscú, 1985).

Comisionado, junto a Juan Luis Guerra, para realizar la música del cortometraje Las Pausas del Silencio, de Carlos Cristalini, recibió por este trabajo el premio a la mejor banda sonora para cortometraje en el Festival Internacional de Boston de 1986.

En 1986 publicó Tránsito Entre Guácaras, un libro de poemas que recrea mitos taínos. También fue contratado por UNICEF para la composición de la canción Los Niños sin Padres, interpretada junto a Sergio Vargas y Sonia Silvestre.

Más de trescientas de sus piezas han sido grabadas por diferentes artistas y orquestras, entre los que se destacan Sergio Vargas (Marola, Las Vampiras), Kaki Vargas (Los Mosquitos Puyan), Wilfrido Vargas (La Pringamosa), Sonia Silvestre (Mi Guachimán, Yo Quiero Andar, Andresito Reyna), Dionis Fernández (El Guardia del Arsenal), Los Hijos del Rey (Rocapiedra), Fernando Villalona (Baila en la Calle, tema de Carnaval) y Marc Anthony (Si He De Morir), entre otros.

Entre las distinciones que ha recibido están Letrista del Año en la Premiación El Casandra de 1989 y Compositor del Año en la Premiación El Casandra de 1990.

Tras varios años de presentaciones en la región del Caribe, los Estados Unidos y Sudamérica, además de llevado su arte por París, Marsella, Moscú, Leningrado, Madrid, Tenerife, Barcelona y Lisboa, a mediados de 1991, volvió a radicarse en Nueva York, donde seguiría dándole continuidad a su intenso trabajo étnico cultural.

En esta etapa, Luis Días compone la música para varias películas, como el cortometraje Dear Teresa (1993), recibiendo el Silver Award del Festival Internacional de Filadelfia de 1994. Se destaca también su colaboración con David Byrne en la banda sonora de la película Blue In The Face (1995), en la cual Marc Anthony interpretó su tema Mi Barrio con un rapeo de Kaz y Remi Leku.

En 1997 regresa a Santo Domingo, donde el público le brinda un importante apoyo en varios conciertos, así como en el lanzamiento de sus primeros discos compactos.

En 1999 el Centro Cultural de España en Santo Domingo y Colecciones El Europeo escogió su trabajo para lanzar una compilación llamada Jaleo Dominicano + Homenaje a Luis Días, siendo la primera vez que dicha institución selecciona un artista del continente americano para tal distinción. Ese año, también es designado Director del Departamento de Música de la Casa de la Cultura Dominicana en Nueva York.

Entre el 2002 y el 2003 emprende las grabaciones de lo que seria "Radio Macana", un álbum producido por Reynaldo García Pantaleón y Lliam Greguez, y que contaría con su banda "Las Maravillas" en las sesiones. Este es un trabajo que recoge el periodo de la estadía de Luis en Nueva York entre 1999 y el 2002. A pesar de ser ésta una producción experimental realizada de manera independiente, el disco posee un set de temas que representan la música de Luis a un gran nivel. Está disponible para comprarse vía Itunes.

En el año 2004 es declarado por el Estado Dominicano como Patrimonio Cultural de la Nación, realizándose por tal motivo un concierto en la capital dominicana.Este evento quedaría recogido en el dvd "Luis Terror Días:El Terror en Vivo".

En el 2005, a solicitud del Centro Cultural de Espana en Santo Domingo, conformó una banda de merengue para interpretara sus principales composiciones popularizadas por otros artistas. De dicha presentación se realizó la grabación en DVD "EN VIVO DESDE EL CCE: LUIS TERROR DIAS MERENGUES". Ese año realizó la banda sonora de la película dominicana La Maldición del Padre Cardona.

En 2006 se vio envuelto en una controversia con la cantante colombiana Shakira y el rapero haitiano Wyclef Jean, quienes en su tema Hips Don't Lie hacen uso del estribillo de su composición Baila en la Calle sin mecionarlo en los créditos.

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Soledad Giménez

Sole Giménez en una de las fotos de promoción de su segundo álbum en solitario "La felicidad".

Soledad Giménez (27 de febrero de 1963,) es una cantante, compositora e interprete española de las más reconocida por crítica y público por tener una de las voces con más personalidad de la música española. Ha desarrollado su carrera profesional principalmente como vocalista y compositora del grupo Presuntos Implicados en el que milita veintitrés años hasta el año 2006 y con el que graba diez discos en los que aporta canciones tan destacadas como "Alma de Blues" o "Mi pequeño tesoro" y textos tan populares como el de la conocida canción "Como hemos cambiado" entre otras . Durante su dilatada carrera ha colaborado con multitud de artistas de gran talla como Joan Manuel Serrat, Herbie Hancock, Milton Nascimento, Randy Crawfort, Armando Manzanero, Pancho céspedes, Ana Torroja, Miguel Rios, Revolver, Piratas, etc. En febrero de 2008 edita ,ya en solitario como Sole Giménez, el disco "La Felicidad" en la compañía Warner y producido por Javier Limón en el que encontramos hermosas canciones y un espléndido dueto con Ana Belén. En Mayo del 2009 saldrá a la venta su nuevo disco en solitario "Dos Gardenias".

Editado en dos versiones: la normal con 12 canciones, la especial con 14.

1992** Premios Ondas de la Música.

1994** Premios Ondas de la Música.

1999**III Edición de los Premios Amigo.

2002** Nominación a los Grammy Latino como Mejor Álbum Vocal Pop Dúo o Grupo.

2005** Nominación a los Grammy Latino como Mejor Álbum Vocal Pop Dúo o Grupo.

2008**Premio de la UPV. Asociación de Antiguos Alumnos de la Universidad Politécnica de Valencia.

2008**Premio de la Asociación de Vecinos y Consumidores del barrio de Patraix 08, a su trayectoria artística.

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Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Indio Solari en el recital de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en Montevideo 22/4/2001

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota' —popularmente conocida como "Los Redondos"— fue una banda de rock de Argentina, oriunda de la Ciudad de La Plata, Provincia de Buenos Aires.

Su obra siempre estuvo marcada por el misterio en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzada y marcada por su producción independiente.

Públicamente mantuvo un nulo contacto televisivo, un escaso contacto con la prensa y esporádicas entrevistas radiales, pero su obra siempre tuvo difusión en las radios argentinas hasta el día de la fecha.

Actualmente los integrantes ejecutan proyectos solistas, y la actividad de Patricio Rey se encuentra suspendida, pero no se descarta que en un futuro la banda se reintegre en simbiosis musical, y que Patricio Rey manifieste su idiosincrasia sobre la sociedad contemporánea.

Es considerada como la banda más importante e influyente del rock argentino, y una de las principales figuras de la escena durante fines de los años 1980 y toda la década de años 1990 —aunque la banda comenzó de a poco a finales de los años 1970 y se desarrolló en los 80—, y que sería junto con Serú Girán, Soda Stereo y Sumo, los grupos de rock más influyentes de la época.

Las letras de sus canciones se caracterizan por el uso de metáforas y posibles interpretaciones varias. Musicalmente se destaca por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente -ejecutando riffs y solos- en combinación con el vocalista y con los otros instrumentos, adicionando el violín, la trompeta, el piano, la armónica, percusión, en varias de sus canciones a los ya "oficiales" del grupo: la batería, el bajo, el saxofón y la guitarra. Pero lo más notable, es el cambio en los estilos musicales a través del tiempo y de los diferentes discos, ejecutando piezas de Rock, Hard Rock, Rock and Pop, Rock and Roll, Blues, y en sus últimos tiempos la utilización de audio games y samplers.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota nació de lo que alguna vez fue La Cofradía de la Flor Solar. Aunque su fama masiva se consolidó a finales de los años ochenta, dotándolos de un liderazgo carismático que excedió los límites de lo musical para constituir una identidad contracultural propia. En sus comienzos la banda no tenía nombre ni tampoco integrantes fijos, se trataba simplemente de un grupo de alrededor de 15 músicos que se turnaban en los instrumentos al momento de tocar. Su presencia en la escena musical se remonta a 1974, en ese año comenzaron tocando en un sótano... pero fue en 1976, cuando Eduardo Skay Beilinson (quien ya había formado parte de "Diplodocum Red & Brown" con su hermano Guillermo Beilinson, Topo D' Aloisio, Isa Portugheis y Bernardo Rubaja) y Carlos el Indio Solari, (este último nunca formó parte de la Cofradía) los pilares del grupo junto a Carmen "La Negra Poly" Castro, manager y Ricardo "Rocambole" Cohen, encargado de todos los trabajos artísticos de la banda, fundaron la agrupación en la ciudad bonaerense de La Plata.

A finales de la década de los años 1970 comenzaron a tocar en pequeños bares y pubs de Buenos Aires. Tan teatral como musical e incluyendo monologuistas, bailarinas, mensajes de Patricio Rey y el reparto de buñuelos de ricota cocinados por El sultán, uno de los talentos que acompañó al grupo en sus comienzos.

A partir del año 1978 ya habían comenzado a circular por diferentes teatros "under" del interior y de Capital Federal (Argentina). Con el conocido guitarrista franco-argentino Conejo Jolivet, quién contaba a esas fechas con 18 años, manejandose con pericia en los solos de guitarra & slide, Migoya en batería, Fenton en bajo, tocan en el Centro de Artes y Música, como primera presentación en Capital, con El Doce, Monona y todo el staff Ricotero, varios muchachos en taparrabos, entregaban los buñuelos de ricota, a los azorados presentes, mientras las chicas del Ballet Ricotero, se desnudaban en escena. El segundo concierto fue suspendido por el dueño del teatro, por miedo a la policía. En el volante que repartián los miembros de la banda, Skay, Conejo, etc, se veía un dibujo de Rocambole, con un niño pequeño, en cuya solapa, se veía P.R. (Patricio Rey) El cual era asesorado por un monstruo, en cuya solapa, se leía O.L (Oscar López), un manager local, que quería contratar a la banda, pero huyó despavorido, junto a David Lebón, quién si comenta en la revista Pelo, los buenos solos de Conejo, en el desopilante concierto.

Existen grabaciones de algunos de esos primeros shows, en el bar "El Polaco" de Salta y en el Teatro de la Cortada de San Telmo con Conejo Jolivet y el Blusero León en guitarras, además por supuesto de Skay. Luego tocan en la sala Monserrat, en el barrio homónimo del centro de Buenos Aires, se repite la formula, Skay (quién portaba un silbato para los solos de Conejo), Conejo Jolivet, Indio, Fenton, pero se incorpora Marcelo Pucci en batería y Sergio Martínez "El Mufercho" en monologos, vendado como momia, era ingresado en andas y desvendado con la Plegaria Garchante, de fondo.

Los conciertos se llenan, los músicos no cobran nada y se hace un tercero en el teatro de La Cortada, después llamado Parakultural, en el Bajo de San Telmo, asiste León Gieco, quién queda espantado por el despliegue, se incorpora León Vanela en guitarra y voz, siendo una guitarra solista muy poderosa, ejecutando sus temas, "Una noche en Bahía", cantado por el mismo, entre otros. Conejo sigue aportando sus solos. La puesta en escena fue de Robertino Granados, con Katia Alemann como conejita de PlayBoy, repartiendo verdurita. La presión de Poli hacia Conejo y León se evidencia, en una discusión y se separan. Más adelante, la banda se distancia, ya que entre 1979 y 1980, Skay y Poly se mudaron a Mar del Plata, mientras que Solari fue a vivir a Valeria del Mar. Sin embargo, seguían reuniéndose, llegados los fines de año, para salir a tocar nuevamente. Algunos de esas presentaciones fueron en el teatro "Margarita Xirgu" (22 de diciembre de 1979) y en Villa Gesell. (principio de 1980) Esto generalmente se producía debido a que el Indio viajaba a su casa de Valeria del Mar y costaba mucho que saliera para organizar un recital. Algunos integrantes del grupo afirman en el libro Indio Solari: El hombre ilustrado que el Indio debía ser "exhumado", tarea que siempre llevaba a cabo Skay.

El debut oficial en Capital Federal se realizó en el Centro de Artes y Música, a pocas cuadras del obelisco, el 18 de agosto de 1978. El 19 se iban a presentar de nuevo pero debido al despliegue nudista del ballet ricotero, los dueños del lugar decidieron cancelar el show. La forma de difusión que utilizaba la banda por entonces se centraba en la persuasión callejera, los graffitis y algunos comentarios de prensa que hacían eco de esta nueva y singular "movida".

En 1981 comenzaron a tocar nuevamente juntos y a hacer presentaciones en pubs, con un show en el Banco Provincia, en la Capital Federal, compartiendo cartel con Manal y Celeste Carballo. Se sumó a la agrupación el periodista Enrique Symns, que recitaba monologos al comienzo de los shows. A finales de 1981, tocan por primera vez ante el grán público, fue en el festival Pan Caliente, auspiciado por la revista homónima. Luego en 1982 se unen a la banda las coristas Bay Bisquits (Fabiana Cantilo, Isabel de Sebastián y Vivi Tellas) y graban su primer demo profesional. Este demo contaba los temas "Mariposa Pontiac", "Superlógico", "Nene, nena", "Un tal Brigitte Bardot" y "Pura Suerte". Estos temas fueron registrados en RCA y así lograron gran difusión en las radios de Buenos Aires. El primer sábado de enero de 1982, en el Estadio de Excursionistas tocaron compartiendo escenario con los grupos Sexteto Mía, Forma de Vida, León Gieco, Litto Nebbia, Celeste Carballo, Piero y Destroyer.

La periodista Gloria Guerrero publicaba allá por diciembre de 1982: «Una es imparcial, trata de no tomar partido por nadie, pero a veces es imposible. El grupo que más me interesó en los últimos tiempos hace un recital y quiero que lo sepan. Y además porque es muy difícil que se enteren por otro medio, ya que estos delirantes tipejos no publicitan un cuerno nada de lo que hacen. Las noticias "se corren" y los teatros se llenan» (G.Guerrero en Humor, diciembre de 1982).

En diciembre de 1984, ya con un plantel en el que quedaba sólo el núcleo fundador, Bucciarelli, y tres músicos nuevos, (el guitarrista Tito Fargo D'Aviero, el baterista Daniel Avalos y el saxofonista Willy Crook) y luego de pasar 9 años dedicándose casi en exclusivo a sus presentaciones en vivo, editaron su primer disco Gulp! en 1985, con temas emblemáticos como La Bestia Pop, Superlógico y Criminal Mambo entre otros, y con la producción del pianista Lito Vitale. Los fondos para esta producción independiente provinieron de un pozo común formado por un porcentaje de las ganancias de cada show. La distribución comercial corrió por cuenta de la Negra Poly. El tránsito a la escena musical establecida implicó también el abandono del estilo cirquense original y la consolidación de un estilo más convencional de espectáculo de rock; de esta época data la máxima de tocar solos y de noche, con la que Solari justificó su reiterada negativa a presentarse en festivales.

El contenido musical es muy diferente, a los acordes festivos de Gulp!, Oktubre abordó un estilo frío y crítico, utilizando varias veces combinaciones raras y atípicas de acordes, un bajo eléctrico con influencia pop, y una combinación muy creativa de sonidos y tonos menores, en fin, un estilo musical nuevo profundamente marcado por la crisis de la economía argentina.

Los hits más importantes de la placa son "Semen-Up", "Fuegos de octubre" y "Ji Ji JI", este último ha sido catalogado numerosas veces por sus seguidores como "El himno del Rock Argentino" y el "Pogo más grande del mundo". Muchísimos años después, la placa fue catalogada por varios autores de rock nacional como uno de las 10 mejores álbumes del rock argentino.

Aunque varias canciones del disco fueron éxitos entre sus seguidores, posteriormente los músicos deploraron el camino que habían tomado; los únicos temas del disco que siguieron formando en vivo como parte del repertorio fueron Ji, ji, ji, y Motorpsico, sumándose Preso en mi ciudad en sus últimos shows. Oktubre se presentó oficialmente los días 18 y 25 de octubre en Palladium ante 1.200 personas.

Luego de estas actuaciones, Tito Fargo y Ávalos abandonaron el grupo, integrándose a él Andrés Theocharidis (teclados). Tras la ida de Ávalos, Walter Sidotti, ex-Los Argentinos, se convierte en el nuevo baterista de la banda. Aun así, la tragedia vuelve a asolar al grupo: Theocharidis murió en un accidente automovilístico días luego de su ingreso. En noviembre de 1988, el que se va es Crook para unirse a Los Abuelos de la Nada, y su lugar lo ocupa Sergio Dawi.

En 1988 lanzaron Un baión para el ojo idiota, título del tercer disco.

En un Baión para el ojo Idiota, Patricio Rey presentó un cambio en el sonido, saliendo de los tonos menores, y acordes atípicos que marcaba a Oktubre, y comenzando a utilizar guitarras eléctricas distorsionadas, y ritmos de batería en donde se siente un intenso sonido de Rock and Roll.

Este disco ha sido catalogado como el más emblemático y representativo del sonido "ricotero", por temas como "Vamos las bandas" y "Vencedores Vencidos". El álbum ha sido completamente aceptado por sus seguidores.

El disco La Mosca y la Sopa El contenido del disco, refleja la posición de Patricio Rey a comienzos de la década del 90: Argentina incentivaba una apertura económica fomentando las inversiones extranjeras, a través de un tipo de cambio favorable y una fuerte flexibilización laboral, el gobierno de turno tomaba relaciones internacionales con Estados Unidos, la clase media argentina se dedicó a consumir con fruición bienes de lujo y de primera línea, en una actitud profundamente snobista e imitando a las sociedades desarrolladas en los países del primer mundo. En el orden Internacional, Estados Unidos se inmiscuía en Medio Oriente en la Guerra del Golfo, y tomaba el control en la ONU.

La Mosca y la Sopa sonaba en todas las radios argentinas, en cumpleaños y casamientos... La repercusión social se hizo materia por canciones como "Mi perro dinamita" -Un rock and roll con base boogie-woogie y una letra muy singular-, y "Un poco de amor francés" -Un rock de pulso suave, en base a un riff en la guitarra y un instrumental final basado en el saxo, que contenie una de las pocas letras basada en una relación intima.

Sin duda, fue el disco con más repercusión hasta ese momento, singularizado por la no difusión comercial y por la popularización de boca en boca.

En 1991, durante la gira posterior a la edición de La mosca y la sopa, -donde volvieron a contar con la colaboración de Lito Vitale- la policía detuvo a varios de los concurrentes a un recital en el estadio de Obras Sanitarias en Capital Federal, varios de ellos menores. Tras varios días de detención en condiciones de dudosa legalidad, uno de los adolescentes, Walter Bulacio, murió en una comisaría consecuencia de maltratos policiales. Pese a la inmediata reacción de la prensa y el público, los culpables nunca fueron condenados. La banda nunca se responsabilizó de la muerte de Bulacio, alegando que ellos sólo eran una banda de rock y que nadie les había dado responsabilidades. Aun así, luego que la noticia perdió la primera plana de los diarios, fue en los recitales de los Redondos donde se recordaba a Walter Bulacio y triste fin a manos de la policía.

En 1993 retornaron con la presentación del disco doble Lobo suelto/Cordero atado, con el que llenaron el estadio de Huracán, convocando a más de ochenta mil personas en dos noches. Para esta presentación echan mano de su antiguo compañero Conejo Jolivet, quién participa en siete temas. Y tocan una primera vez, en el estadio de Huracán, seguida de otra presentación, ya de dos conciertos en Huracán también, con Conejo Jolivet, nuevamente como invitado. En este disco se destacan temas como Rock para el Negro Atila, La hija del fletero, y Un ángel para tu soledad. En 1996 salió a la venta uno de sus álbumes más populares, Luzbelito, con temas como; Luzbelito y las sirenas, Me matan limón!, Juguetes perdidos y Mariposa Pontiac/Rock del país; este último tema, junto a Blues de la libertad, fueron compuestos durante la primera época del grupo. (Existen grabaciones como la del Teatro Margarita Xirgu donde "Mariposa Pontiac" es parte del Show, al igual que Blues de la Libertad) Este sería el último disco de los denominados "hiteros" de la banda. Sus seguidores, que se suelen identificar como "Las Bandas", reclamaban la presencia del grupo sobre algún escenario. Por lo tanto, en junio de ese año se fija la cita en el Patinódromo de Mar del Plata. En esa oportunidad, el público llegó a la ciudad desde muy temprano y desde Buenos Aires se organizó la salida de los famosos "trenes ricoteros". Una de las características de este disco fue su presentación en una caja de cartón, con sonidos de alta calidad y fidelidad y con grandes obras de arte.

En el año 1998, llaman nuevamente a Conejo Jolivet, para incorporarse definitivamente a la banda, toca casi, todos los temas del concierto en Racing Club, al que asisten 120.000 personas, al mismo tiempo graban junto al asistente de la banda "EL Soldado" un CD llamado "Tren de Fugitivos", en el que participan Skay, Semilla, Sidotti, Dawi, Indio y Conejo, con gran repercusión under, debido a reclamos monetarios de Conejo, nunca bién atendidos, (los plomos cobraron más que él en los conciertos anteriores en Huracán!), se distancian nuevamente al terminar los conciertos, no sin dejar su huella, los medios lo nombran como un antiguo Maradona de la guitarra, llamado a salvar el concierto. Para 1998 se incorporó también a la banda, como miembro estable un viejo colaborador de la época de Lobo suelto/Cordero atado: Hernán Aramberri, en samplers y teclados. Ese mismo año salió a la venta Último bondi a Finisterre, disco que representa un giro musical en su carrera gracias a la incorporación de sonidos digitales y samplers.

Este material fue presentado las noches del 18 y 19 de Diciembre en el estadio de Racing Club de Avellaneda, totalizando noventa mil espectadores.

En abril de 2000 realizaron dos recitales en el estadio de River Plate; la asistencia al evento, más de setenta mil espectadores cada noche, lo convirtió en uno de los shows pagos más exitosos de Argentina, y marcó, quizás, la cima de su popularidad. Durante este recital se sucedieron acontecimientos violentos que terminaron con varios heridos de arma blanca, lo cual llevó a la banda a parar el show un instante al enterarse de la noticia, para comunicar a todo el público presente lo sucedido. Este hecho llevó a que la banda se plantee dejar de tocar.

A finales de ese año se puso a la venta Momo Sampler, un disco completamente "artesanal" según Solari ya que la misma banda (no se contrató a ningún artista ni empresa para estos trabajos) se encargó de todo el diseño exterior del disco. Ésta, su última producción discográfica, es mezclada en parte en Nueva York y ahonda más en la experimentación con samplers, del cual toma parte del nombre. Este disco siguió la línea que había comenzado a trazar Último Bondi a Finisterre, con sonidos más elaborados, una mayor participación de computadoras y aparatos digitales. En este disco solamente grabaron Solari, Aramberri y Beilinson, ya que se utilizaron los sonidos sampleados de Sidotti, Dawi y Bucciarelli.

Para la presentación del último trabajo, el grupo cruza la frontera con la República Oriental del Uruguay y lo presenta en el Estadio Centenario de Montevideo los días 22 y 23 de abril de 2001. En cada recital asistieron alrededor de 22 mil personas y en un ambiente de total normalidad.

El último concierto de la banda se llevó a cabo en el estadio Chateau Carreras, en la provincia argentina de Córdoba, durante el mes de agosto de 2001 y contó con la presencia de cerca de 40.000 espectadores. Al show le siguieron varios meses de silencio, hasta que finalmente, Skay y la Negra Poly anunciaron que "al menos por un tiempo", Patricio Rey permanecería en silencio.

A pesar de la larga separación no se puede afirmar que ésta sea definitiva, y no se niega la posibilidad de que en un futuro el grupo vuelva a reunirse. Sin embargo, por el momento no se conocen planes para la vuelta a los escenarios a corto plazo. Aun así, tanto Beilinson como Solari, no descartan el regreso, siendo éste mediante un disco nuevo.

Los Redondos crearon con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniendo su independencia de la industria musical y transformándose en la única banda que, por principios, jamás se apoyó en la TV para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el boca en boca, actitud que los identificó.

El establecimiento definitivo del nombre surge por necesidad. En cierta ocasión la banda se tenía que presentar en un boliche en la ciudad Salta para pagar deudas contraídas con el dueño, quien quiso pegar unos afiches para promocionar el show. Así, en una rápida decisión, se optó por homenajear a los manjares que entregaba la banda en cada una de sus extrañas presentaciones.

Se lo recuerda disfrazado de Sultán repartiendo sus redonditos de ricota en los míticos recitales del teatro Lozano. Esa es la imagen que trascendió y por eso los devotos fans del grupo de Skay y el Indio, lo recuerdan como el Sultán.

Patricio Rey es un personaje que forma parte del imaginario de la banda de rock Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Usualmente se confunde este personaje con Carlos "El Indio" Solari, vocalista y principal letrista del conjunto.

Si bien en algunas entrevistas los integrantes de la banda hablaban sobre el personaje como un sujeto que los ayudó económicamente en sus comienzos, que tenía mucho poder y que cada tanto se comunicaba con ellos; se supone que "Patricio Rey no existe; Patricio Rey son todos", tal como lo definió Solari.

Se caracterizaron por grabar sus discos independientemente de las grandes compañías discográficas. Su primer disco Gulp! fue editado en 1984, 8 años luego de ser creado el grupo.

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