Series españolas

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Publicado por t800 12/03/2009 @ 10:07

Tags : series españolas, series, televisión, cultura

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El Sueño de Morfeo

El Sueño de Morfeo es un grupo de música pop español formado en 2002, compuesto por Raquel del Rosario, Juan Luis Suárez y David Feito, quienes desde Asturias llevan algunos años trabajando juntos y elaborando canciones de sólidas estructuras pop-rock aderezadas con fuertes aromas folk, apoyados en la llamativa voz de Raquel.

El grupo fue formado en el año 2002 bajo el nombre de Xemá. Su primer disco salió ese año, titulado "Del interior", no alcanzó demasiado éxito de ventas. Este primer disco fue grabado mientras David, asturiano, y Raquel, canaria, daban clases de música en el Colegio Internacinal Meres, en Meres (Siero), junto con otros profesores del mismo colegio, que más tarde dejaron el grupo.

Tras la incorporación de Juan Luis al grupo en 2003, deciden elegir otro nombre para éste. Se pensaron nombres como "Pupitre Azul" y "La hija del caos", pero finalmente escogieron "El Sueño de Morfeo".

En el verano de 2004 el grupo tuvo la oportunidad de salir en una de las series españolas que más audiencia cosechaba en esos momentos, Los Serrano.

Con solo una maqueta, la compañía discográfica Globomedia Música les propone grabar un disco. El primer sencillo de éste, titulado Nunca volverá, se puso a la venta en formato CD-Single en enero de 2005, y consiguió ser el tercer sencillo más vendido de 2005. En marzo de ese mismo año, se pone a la venta su primer disco homónimo, que en poco tiempo obtuvo un disco de oro que, más tarde, se convirtió en disco de platino. Realizaron una gira con más de 100 conciertos por toda España y una gira promocional en Latinoamérica. A finales de año sacaron una reedición del disco con un DVD.

En 2006 grabaron una versión del tema "I Will Survive" de Gloria Gaynor para el anuncio televisivo de una marca de cerveza.

En noviembre de 2006 se anunció que el grupo estaba grabando su segundo disco. El 7 de marzo de 2007, de nuevo en la serie Los Serrano, adelantaron una de las canciones del disco, llamada "Un tunel entre tú y yo".

El primer sencillo, titulado "Para toda la vida", se estrenó en las radios españolas el 10 de marzo de 2007. Ese mismo día, anunciaron que el disco se llamaría "Nos vemos en el camino".

Finalmente, se publicó el 17 de abril y rápidamente se convirtió en disco de oro.

El 1 de marzo de 2009, el periódico "La Nueva España" publicó que el grupo estaba grabando nuevo disco en Los Ángeles. David Feito, guitarrista del grupo, afirmó que "las sensaciones son muy buenas, ya que, entre otras cosas, están trabajando en el estudio de Rafa Sardina".

Al principio



Serie de televisión

Elenco protagonista de la producción española Los Serrano, ejemplo de serie de largo recorrido. Fue producida por Globomedia y emitida por Telecinco entre las temporadas 2003/04 y 2007/08.

Una serie de televisión es una obra audiovisual que se difunde en emisiones televisivas sucesivas, manteniendo cada una de ellas una unidad argumental en sí misma y con continuidad, al menos temática, entre los diferentes episodios que la integran. Aunque el término se emplea popularmente para designar a la ficción seriada, otros géneros son susceptibles de ofrecerse en serie, como el documental (por ejemplo, Walking with Dinosaurs, Caminando entre dinosaurios).

El rasgo principal que define a una serie de ficción es que sus capítulos constituyen una unidad narrativa independiente en sí mismos, lográndose la continuidad entre uno y otro a través de los personajes, los escenarios o los temas. A diferencia de los seriales, que dejan abiertas las tramas de un episodio para otro, en las series éstas se resuelven dentro del propio capítulo.

Sin embargo, existen producciones que no cumplen este requisito y, pese a ello, son consideradas como series, por su factura, proceso de producción y forma de programación. Es el caso de Lost (Perdidos).

Por norma general, las series de ficción son producciones mucho más costosas que los seriales. Ello se debe a que suelen plantearse para cubrir los horarios de mayor consumo televisivo o prime time, mientras que los últimos se destinan a las bandas diurnas o daytime, donde los niveles de audiencia son menores.

Debido a su considerable coste, se programan una vez a la semana (ocasionalmente, dos o tres) y casi nunca en tira diaria (en inglés, strip), que es como suelen emitirse los seriales.

Una serie suele concebirse de forma cerrada, con final previsto, pero dejando abierta la posibilidad de ampliar la producción, en función de los resultados de audiencia. Lo más habitual es que se realice una primera tanda de trece episodios y, si el éxito acompaña, es muy probable que la serie regrese con nuevas entregas.

El género del documental puede ser objeto de una emisión seriada en televisión, así como sus distintas variantes, surgidas a partir de un proceso de incorporación de técnicas características de otros géneros. Es el caso de los docudramas, en los que se aborda la realidad con recursos narrativos propios de la series de ficción, como la guionización a partir de tramas e, incluso, personajes. Un ejemplo de docudrama seriado es la producción española Vivir cada día, emitida por TVE1 entre 1978 y 1988.

Otra variante del documental es el docu-soap (docu, de documental; soap, de soap opera), aunque, en este caso, las técnicas narrativas utilizadas no proceden de las series de ficción, sino de los seriales televisivos. Como en éstos, las tramas quedan abiertas de un capítulo a otro. La producción española Bellvitge Hospital, ofrecida por la televisión autonómica catalana TV3, es un ejemplo de docu-soap.

Al principio



Anime

Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares: el primer largometraje de anime con audio y voces realizado en 1943.

Anime (アニメ, Anime?), fuera de Japón, es el término que agrupa los dibujos animados de procedencia japonesa y hasta cierto grado los elementos relacionados. En Japón se utiliza el término para referirse a la animación en general. El anime tradicionalmente es dibujado a mano, pero actualmente se ha vuelto común la animación en computadora. Sus guiones incluyen gran parte de los géneros de ficción y son transmitidos a través de medios cinematográficos (transmisión por televisión, distribución de, DVD y películas con audio). Paralelamente al anime, en Japón se desarrolla el mundo del manga que se refiere al cómic de procedencia japonesa. Entre el manga y el anime suele haber mucha interacción.

El término anime proviene de la abreviación de la transcripción japonesa de la palabra inglesa "animation" (アニメーション, animēshon?). De ahí que se abrevie a "anime". Sin embargo, en inglés la palabra "animation" no puede ser abreviada a "anime", ya que la "e" no forma parte de la palabra original. Por este motivo, en Occidente se decidió no cambiar cuadros de géneros que debería de provenir de otro idioma. Y es así como nace la teoría del término francés "animé" (animado).

Internacionalmente, el anime llevó una vez el nombre popular "Japanimation", pero este término ha caído en desuso. Los fans pronunciaban la palabra preferiblemente como abreviación de la frase "Japanese Animation" (animación japonesa en inglés). Vio su mayor uso durante los años 1970 y 1980, que generalmente comprende la primera y segunda oleada de anime fandom. El término sobrevivió al menos hasta principios de los 1990, pero pareció desaparecer justo antes del resurgir del anime a mediados de los 1990.

En general, el término "Japanimation" ahora sólo aparece en contextos nostálgicos en el mundo occidental, sin embargo el término es muy utilizado en Japón para distinguir las animaciones hechas allí (Japanimation) de las animaciones en general (Anime, en Japón).

La historia del anime, el género de animación de origen japonés, comienza en el siglo XX, con una serie de cortometrajes similares a los encontrados en otros países como Estados Unidos, Rusia, Alemania, Francia, entre otros. Se descubrió que la primera animación japonesa fue en 1907, en el que se puede observar la participación de un niño marinero. La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al dibujante de manga Oten Shimokawa una película del género.

En la década de 1930, la animación se convirtió en un formato alternativo de la narración de cuentos. La falta de visión de actores occidentales, por ejemplo, hace casi imposible dirigir las películas establecidas en Europa, América, o mundos de fantasía, que naturalmente no tienen la participación de Japón. La animación permite a los artistas crear personajes y entornos.

El éxito de Disney en Blanca Nieves influyó a los animadores japoneses. Osamu Tezuka adoptó y simplificó muchas técnicas de animación de Disney para reducir los costos y el número de marcos en la producción. Esta fue la intención de ser una medida temporal a fin de que pueda producir el material en un apretado programa de animación con un personal sin experiencia.

Durante la década de 1970, hubo un aumento en el crecimiento de la popularidad del manga, que son a menudo más tarde animados, especialmente los de Osamu Tezuka, que ha sido denominado una "leyenda" y el "dios del manga". Su trabajo y el de otros pioneros en el campo, inspirados en características y géneros que son elementos fundamentales de anime en el día de hoy. El género del robot gigante (conocido como "Mecha" fuera de Japón), por ejemplo, se concretó en virtud de Tezuka, desarrollado en el género en virtud del Super Robot de Go Nagai y otros, y se revolucionó a finales de la década por Yoshiyuki Tomino que desarrolló realmente el género de los robots del anime, como la serie Gundam y Macross se convirtieron en clásicos instantáneos en la década de 1980, y el género del robot de anime sigue siendo una de las más comunes en el Japón y en todo el mundo el día de hoy. En esta misma década, el anime se hizo más aceptado en la corriente principal en Japón (aunque menos que el manga), y experimentó un auge en la producción. Tras algunas adaptaciones de anime de éxito en los mercados extranjeros, el anime adquirió una mayor aceptación en los mercados en la década de 1990 y aún más a partir del 2000.

Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas complejas a lo largo de un cierto número de episodios. Gran parte del anime está estructurado en series de televisión con números de episodios definidos en los cuales se trata una trama específica que puede implicar el trabajo de conceptos complejos.

En la década de 1970, el anime empieza tomar un rumbo diferente en el mundo de la animación. Las producciones occidentales se caracterizaban por estar dirigidas a un público infantil, mientras que el anime trataba temas más complejos como el existencialismo y a veces utilizaba un lenguaje más maduro, algunas escenas de violencia y sexuales. Varias veces la demografía objetivo a menudo afecta a los contextos ideológicos de la obra: por ejemplo en el shōnen, en las series de acción, se toman momentos que pasan en la adolescencia como la amistad, el compañerismo, las peleas, las aventuras, el sacrificio por el amor. En el seinen que también es para un público masculino se toman temas más maduros como políticos, sexuales, o científicos (que, a excepción del kodomo, también pueden ser parte de otros géneros demográficos, solo que se ven con más profundidad en éste). También se tiene que tomar en cuenta, que cuando una serie de manga tiene mucho éxito, es común adaptarlo al anime, por lo que toma elementos de éste.

Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural. También se toma en cuenta las relaciones que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de anime pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas. Las imágenes pueden crear un fondo adecuado para la transferencia de sus pensamientos emocionales. Aunque en las series destinadas para un público femenino, se le toma más importancia a los sentimientos de los personajes, no es algo ajeno también a las series destinadas para el público masculino. Un elemento muy importante dentro de los romances, en donde comúnmente los personajes están desesperados por una persona en especial (algo que puede ser tanto como drama y comedia romántica), el mejor ejemplo en cuánto a la expresión de sentimientos es la serie Candy Candy. Y también el sacrificio de amor que hace una persona por su pareja, un concepto que se maneja en las series de acción, cuando un personaje femenino trata de ser rescatada de los oponentes, ocurre el duelo entre el personaje principal y su enemigo (se refleja por ejemplo en la serie Hokuto no Ken). También hay varios géneros románticos, en donde se pueden dar de diferente forma.

Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales, algunas series han tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adoptado obras literarias al anime. Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí se tiene que tomar en cuenta es que en el anime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas. Las ideas populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad de entrega personas muy poderosas o las circunstancias, de que la idea de la libre determinación y la elección de vida, tienen algo importante en la moral. También hay series con drama histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin, o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia. Algo que también se toma en cuenta es la política, que inclusive los primeros largometrajes de anime eran publicidad de la guerra, en donde también el género mecha ha sido parte de un dominio de diferentes lugares e ideologías dentro de las series, también se ven los abusos que se cometen en la autoridad (que se hace presente en los personajes contrarios). Otro elemento muy distinguido es el existencialismo, en donde los personajes tratan de analizar su historia, y los diferentes sucesos por los que han pasado, puede verse de manera muy profunda en Ghost in the Shell.

Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en que el complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde hace mucho tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo entero), y esto se refleja en el anime. Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por animales en una isla, y la tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, en donde también el gran desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra. También dentro de los géneros de la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en donde se puede explicar como la tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza a ser una gran fuente de devastación, paradójicamente el daño ocasionado es recuperado por la misma tecnología. Otro concepto es el Cyberpunk, en donde la película Akira se le considera una pionera. También en la serie Serial Experiments Lain, el concepto de humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma menos importancia, generalmente van acompañadas con temas de existencialismo. En otro sentido, el hombre-tecnología, en particular, es también la cara a través de la cual en el anime toma una transposición de la modernidad y, en última instancia, lo que dio lugar a una inseparable combinación entre lo viejo y lo nuevo.

Este género narrativo es una mezcla principalmente de las culturas japonesa y occidental. Del género occidental rescata algunos arquetipos de personajes, presentación en capítulos de misma duración y técnicas de animación entre otras cosas. A esto le añade conceptos tradicionales japoneses como el énfasis en la vida cotidiana y el estilo tradicional de dibujo japonés modernizado. Además se pueden presentar otros tipos de mitologías, como la china, griega, escandinava (si se tomaran ejemplos estarían las series de Dragon Ball, Saint Seiya y Matantei Loki respectivamente). También hay que tomar importancia que han tomado otras religiones, como el Hinduismo y el Cristianismo.

El sintoísmo es la religión nativa de Japón, que se caracteriza por la visión animista de la naturaleza. La shin-tō es la forma de conducta de los dioses que armoniza con la naturaleza y los espíritus antepasados, en las deidades están los kami (神, 'kami'?), en general positivos, que contrarrestan los oni (鬼, 'oni'?), que son demonios violentos. Los mitos y leyendas de tradición sintoísta son innumerables, comenzando con los recogidos en el Kojiki y Nihonshoki (textos que datan del siglo VIII), que proporcionan las almas de más de un punto de partida para las historias que se narran en Japón. En particular, un sello distintivo del sintoísmo es combinar elementos fantásticos y realmente situados más allá del límite normal de la percepción humana ordinaria con la vida cotidiana, una característica que también es fácil de encontrar en muchas obras de anime.

Otro factor que conduce el anime son las tradiciones, las anécdotas y situaciones que, sin duda, son la ética marcial que es básicamente debido a la complejidad de código de conducta que consiste en el bushidō, la vía de los nobles guerreros. Las historias en el anime, en particular, tienden a combinar los aspectos de bujutsu (武术, bujutsu?) y el budō (武道, budō?) que proporcionan el derecho capaz de demostrar la lucha, sino también para representar el camino de la moral y de educación protagonista. En algunas casos, el héroe también puede ser divinizado como en la mitología griega. Sin embargo, dado que el bushidō se connota por la presencia de cualidades de liderazgo moral, como la justicia, el sentido del deber, la lealtad, la compasión, el honor, la honestidad y la valentía, es bueno recordar que su origen cultural no sólo se presenta el anime, que de alguna manera se centran en el combate, o directamente en el conflicto puesto en el Japón feudal, sino que también se presenta en la modernidad de Japón.

En el camino de los budōka hay una norma que no podrá comenzar sin un guía, ya sea de un padre o un maestro (先生, sensei?), poco importa, lo que indica la calle con su comportamiento. En la sociedad japonesa, por lo general es representado por el par senpai-kōhai (tutor-trabajador), donde el primero es "el que se inició por primera vez, y la segunda, que comenzó más tarde". Este informe, que implica el respeto y la devoción de kōhai hacia el senpai, pero también que son efectivamente en condiciones de asesorar y orientar en la vida, casi puede determinarse en cada contexto social, de la escuela al trabajo, de los deportes a la política, y también, se refleja en el anime, en donde muchas veces los personajes son enseñados por un maestro.

En el sentido del deber presentado en el anime por los japoneses, la verdadera fuerza está en no preocuparse por su propia felicidad personal con el fin de lograr los ideales y cumplir con un deber, es una búsqueda por tratar de buscar un camino interno. Las visitas tienen el deber de pagar una deuda, que puede ser contra el rey, los padres, los antepasados y aun en contra de su nombre, pero en las historias de muchas personas llegan a estar en contra de todo el mundo, el respeto en el que el protagonista, a menudo más allá de sus sentimientos personales y el aislamiento que implica su inevitable diversidad, asume la responsabilidad por el sacrificio propio, que es inspirado por la historia militar de Japón. Sin embargo, la moral es un término que es donde el universo es considerado por japoneses amoral e indiferente.

El cristianismo como una religión importada, ha sido muy influyente en la sociedad japonesa y de gran interés. Con los procesos de la misión de San Francisco Javier en el siglo XVI, y las persecuciones que tuvieron los cristianos, se buscaba expandir el catolicismo en Asia Oriental. En 1587, Toyotomi Hideyoshi (gobernador) ordenó que los misioneros dejen el país. Después de la Era Meiji, los misioneros regresan, fundando universidades. Actualmente el 1% de la población es cristiana, los demás tienen una preferencia de ver esta religión en la cultura popular, sin importar si viene de Hollywood o Tokyo. Con este motivo se han tomado algunos elementos, como la serie Neon Genesis Evangelion, con varias referencias. Algunos elementos se relacionan con las otras tradiciones, por ejemplo, un elemento ha sido el enfrentamiento de los kami y los oni, que tienen similitud con el concepto de los ángeles y los demonios que también han sido representados. También si se toman en cuenta los valores del sentido del deber como el altruismo y la amistad, se relaciona con el auto sacrificio de los personajes para ayudar a los demás (que constantemente es algo que se ve en el género shōnen). Y también están los antivalores como la soberbia de los personajes, en donde también terminan derrotados (algo que se ve tanto en las historias de la cultura occidental y la cultura oriental).

Aunque el anime se considera separado de los dibujos animados, este utiliza muchas características aplicadas en las caricaturas como storyboard, actuación de voz, diseño de personajes, entre otras. El anime también tiende a tomar prestados elementos de muchos textos de manga en el fondo, y los paneles de diseños también. Por ejemplo, un opening puede emplear paneles a contar la historia, o para dramatizar una cuestión de efecto humorístico.

La mayoría de veces es la adaptación de manga en video - aunque también se adapta de una novela ligera o una novela visual - ; teniendo comúnmente menos detalles en sus trazos. Generalmente el anime se refiere al de dibujo de celdas, pero también se aplica a la animación creada por computadora, como por ejemplo Final Fantasy, aunque para este último suele haber denominaciones como CG (computer graphics).

El anime es conocido por su animación, la cual es muy particular comparada con la que tienen los dibujos animados occidentales tales como los de Disney. Los estudios en los que se realiza anime han perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad de cuadros de animación por segundo que sea posible (8 cuadros por segundo), tales como mover o repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y diálogos que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla permanece estática. Otros argumentan que el mejor anime debe acentuar la dirección sofisticada sobre la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión de movimiento cuando en realidad no lo hay. Aunque en los últimos años todo ha mejorado debido al uso de tecnologías computacionales usándose software especializado en animación 2D o combinación 2D/3D. Los lugares representan la atmósfera de las escenas, también pueden haber series como en La melancolía de Haruhi Suzumiya, en donde los lugares pueden hacer referencias a diferentes locaciones en la vida real. También hay simulación de ángulos de cámara, movimiento de cámara que juegan un importante rol en las escenas. Los directores tienen la discreción de determinar ángulos viables para escenas y fondos y también pueden escoger efectos de cámara como en la cinematografía.

Eligiendo una temática de la animación, se empieza la redacción del guión, en virtud de la cual el director, con la asistencia del director de producción, empieza a dar directivas al primer diseño de personajes, el director artístico puede realizar un primer esbozo de los personajes y ambientes. Con lo desarrollado se dirige hacia la creación de guiones, una especie de cómic que sirve de base para el seguimiento de todo el personal, proporciona detalles tales como el número de fotogramas de la escena, los efectos visuales y de los antecedentes necesarios, cámaras, los movimientos de cámara, la dinámica y la composición de las escenas (para la creación de 26 minutos de storyboards, normalmente, se requieren alrededor de tres semanas de trabajo). Una vez establecido, bajo la coordinación del director los storyboards, diseño de personajes, el diseño de mecanismos y fondos, se realizan dibujos preliminares, que van a formar el animatic, que es una versión filmada de storyboards necesaria para verificar los tiempos y el ritmo de las escenas, tanto con la incorporación del diálogo y la música que debe tener coherencia con las imágenes y sonidos.

Una de las principales innovaciones introducidas por el anime es la recuperación de técnicas que se utilizan para compensar la animación limitada, muy similares a los utilizados en la dirección del cine. Entre los movimientos de cámara y efectos más utilizados se pueden distinguir: la corrección, o imágenes fijas; el deslizamiento, el diseño de deslizamiento a través del marco, zoom, en el que la cámara se aleja o enfoca; y técnicas basadas en la distancia relativa de los dibujos para acelerar o frenar el movimiento de un elemento; el pan, cuando la cámara realiza una visión general de la estructura horizontal, la inclinación cuando el pan es vertical es similar a la sartén, con la cámara que sigue a la acción, o de un único elemento de la misma empresa (seguimiento pan) o el mismo elemento, pero uno al lado del otro (de seguimiento), desvanecimiento, que se descoloran de negro a blanco (a menudo en un marco fijo de mucho cuidado), también la técnica donde la imagen empuja a las anteriores, y la pantalla se divide, el cuadro se divide en varias partes, cada una con una visión diferente de la misma escena, la iluminación de fondo, el marco que añade una celda negra a excepción de la parte que se desea iluminar.

Muchas de las técnicas descritas anteriormente de recuperación, son también funcionales en el momento crucial de dilatación del tiempo en el anime. Sobre lo que se basa el hecho de que la mentalidad y la espiritualidad japonesa no tiene mucho sentido hablar de tiempo en términos cronométricos objetivamente de la medida, ya que no tiene principio ni fin, podemos decir que lo que cuenta es la calidad de un momento, la intensidad con la que vivimos. Esta es la razón por la que en el anime se encuentran a menudo momentos antes de lo "eterno", en el que el tiempo coincide con la descripción del entusiasmo, de manera que en cuanto más se trata de la más intensa se extiende hasta el momento se presenten fuera de tiempo, en una imagen fija, o en una sartén (ténica de animación). Una desaceleración enfática, podría llevar una batalla, o una reunión de unos momentos a la última para más de un episodio, con un propósito que es evidente, no para ahorrar más la elaboración, sino más bien para aumentar la tensión y la implicación emocional, como en las tradiciones teatrales, como en el expresionista alemán Serguéi Eisenstein para hacer un tipo de cine americano y cine negro primero.

También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como animales, robots, monstruos y demonios varían dependiendo el contexto y son muy diferentes a las de los humanos. Los animales pueden tener un dibujo como realmente son, aunque también puede haber híbridos entre humanos (véase kemono). Los robots y monstruos pueden ser de tamaño gigantesco como los rascacielos, aunque también pueden presentar características chibi, de manera cómica.

Debido al tipo de difusión histórica del anime son más populares los términos ingleses que sus traducciones al español.

El reparto de actores de voces en el anime es llamado Seiyū. La profesión Seiyū es conocida y desarrollada en Japón.

Isao Takahata y Hayao Miyazaki, tras abandonar Toei Doga se hallaban trabajando en series de televisión, pero éste último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para la pantalla grande. Miyazaki conseguirá firmar como director su primera película gracias al encargo recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de Lupin III, en El castillo de Cagliostro (1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.

Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga Nausicaä del Valle del Viento, que gozaba de gran prestigio. Gracias a ello, surge el proyecto de que Miyazaki realizara una versión para el cine, que Takahata se responsabilizará de producir. Por su parte Miyazaki, además de dirigir, se encargó también del argumento, guión y story board. Aparece así la película del mismo título en 1984, donde Miyazaki retrata una Tierra devastada por la guerra, donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de tratar un tema tan poco comercial como el de la relación entre los seres humanos y la Naturaleza, el público mostró una gran respuesta.

Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al magnate del mundo editorial Yasuyoshi Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de animación, inaugurándose de esta forma en 1985 el Studio Ghibli. Dentro de estos, Miyazaki dirigirá títulos como Laputa, el castillo en el cielo (1986), vagamente inspirada en Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift; Mi vecino Totoro (1988), con una extraña criatura de los bosques que sólo los niños de corazón limpio pueden ver; Majo no takkyūbin (1989), sobre las penalidades de una joven bruja, y Porco Rosso (1992).

Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en un argumento de Akiyuki Nosaka, que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos americanos durante la guerra han dejado huérfanos. Tras ésta, realizará Heisei Tanuki Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994), donde los tanuki protagonistas ven amenazada su morada por el desarrollo urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus habilidades para transformar su apariencia. Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama el nombre del Studio Ghibli.

En Japón es muy reconocido el anime de Mamoru Oshii (1951). Tras trabajar un tiempo para la televisión, Oshii llama pronto la atención por su serie Urusei Yatsura así como por la muy posterior Patlabor. Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias occidentales gracias a Ghost in the shell (1995). En la edición de Cannes de abril de 2004 presentó Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), que viene a ser una secuela de la película de 1995.

Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a su Akira (1988), basado en un manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories (1995), codirigida con Koji Morimoto y Tensai Okamura. Años después, regresaría dirigiendo la película Steamboy (2004), una historia del steampunk más tradicional y con un presupuesto millonario.

Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre del Studio Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV al XVI), se vuelve al tema de la Naturaleza amenazada por los seres humanos. Sobrepasando todas las expectativas, la recaudación rebasa los diez mil millones de yenes, superando incluso a la norteamericana E. T.: El extraterrestre. Miyazaki, que había declarado a los medios de comunicación que ésta sería su última película, se retractará poco tiempo después de dicha afirmación.

Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con El viaje de Chihiro, historia de una chica caprichosa que, para salvar a sus padres atrapados por un bruja, arriesga su vida internándose en una gigantesca casa de baños poblada por seres sobrenaturales, aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió a renovar el listón de taquilla, con unos ingresos de 150 millones de dólares, igual a la de Titanic. En la edición de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el Oso de oro y en marzo de 2003 el Oscar a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la prensa japonesa.

Miyazaki regresó más tarde con Hauru no Ugoku Shiro (traducida como El castillo ambulante, El increíble castillo vagabundo y El Castillo Andante, 2004). En septiembre de 2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su carrera. En cambio Takahata, su compañero, después del fracaso comercial de Mis vecinos los Yamadas (1999), se mantiene apartado del anime.

Son el formato más común y muchas están basadas en un manga. Para los estrenos de cada serie en Japón, suele presentarse un episodio por semana, en temporadas de 13 o 26 capítulos por motivos de calendario, duran media hora y al igual que todos los programas de televisión hay cortes comerciales. De ahí puede variar su distribución en otras partes del mundo.

Abreviación de "Original Video Animation" (Animación Original en video) o también "Only Video Available" (Sólo Disponible en video) aquí es donde la duración de un episodio puede variar de unos solos minutos a 45 minutos, a veces pueden ser complementos de la historia. Normalmente no se presentan en televisión.

Son los largometrajes producidos por las compañías, pueden ser historias originales basadas en algún manga o muchas veces en las series de anime que pueden presentar historias alternas o un tiempo lógico establecido de la serie. Normalmente este complejo (de 50 a 120 minutos) de películas difieren bastante de otros formatos de animación -por ejemplo, la calidad de imagen- y en consecuencia causa mayores costos de producción.

Especial como bonificación de la serie, a veces no está relacionado con la historia básica que se muestra en la serie de televisión. Normalmente suelen transmitirse en televisión por ser día feriado durante el cambio de estación; a veces después de la conclusión de anime. La bonificación de la serie suele estar estrechamente vinculada con la trama de la serie, pero no necesariamente la continúa.

A veces es alterna a la historia principal y muestra escenas de la serie con otro punto de vista y escenas inesperadas. A menudo en la bonificación circular de la serie, la historia ha estado trabajando con la serie, pero absolutamente no cambia el actual estado de continuidad. Una serie puede ser omitida sin que se pierda. Normalmente para entender la serie de bonificación se exige el conocimiento de los antecedentes de la serie: puede verse en los especiales de Love Hina posteriores a dicha serie de televisión.

ONA ("Original Net Animation", animación creada por Internet) de anime especialmente diseñado para su distribución en Internet. El formato ONA aún no es muy usado y su duración es por lo general corta. Un ejemplo de este es Azumanga Web Daioh.

En el anime suelen haber géneros que se encuentran en los medios audiovisuales. Estos son acción, aventura, comedia, ciencia ficción, drama, historias infantiles, fantasía medieval, romance y terror.

Gran parte de las series de anime pueden incluir dos o más géneros de los dichos. Por ejemplo, acción y aventura pueden ser combinados de muy buena manera en series como One Piece, donde los personajes recorren lugares distintos y a la vez hay peleas; hay muchas series de este tipo y es más común verlas en el shōnen. Así también drama y romance se combinan de muy buena manera y muchas series suelen mezclarlos (especialmente en el shōjo). También misterio y terror como Death Note.

La tabla siguiente muestra los géneros usados exclusivamente para anime y el manga.

Otra forma de clasificar al anime es mediante el estilo o gag que se utiliza como centro de la historia.

La animación japonesa es muy popular en Taiwán, Corea del Sur y el sudeste de Asia, donde la serie para niños Doraemon ha sido particularmente exitoso en Tailandia y Filipinas a principios de los noventa, al igual que Pokémon. En la televisión de Medio Oriente, con la serie de UFO Robo Grendizer.

En América el anime empezó en Estados Unidos en 1961 con la película Shōnen Sarutobi Sasuke (bajo el nombre de Magic Boy), y después Astroboy que fue la primera serie transmitida. En ese país han sido notables tanto las ediciones a referencias culturales y el aplicamiento de censura a ciertas series por parte de algunas compañías, éstas con el objetivo de que sean aptas para todo público. Debido a esto se han lanzado muchas series en DVD bajo el sello "uncut" (sin cortes), generando muchas ganancias para los distribuidores. En Canadá, el anime ha tenido un impacto parecido al de Estados Unidos, uno de los canales que transmite anime en ese país es YTV.

En Latinoamérica, el anime empezó a distribuirse por los 1970s empezando por México,Perú,Chile y Argentina con las series Heidi, Princesa caballero, Candy Candy y Meteoro. Les seguirían Kimba, El León Blanco, Mazinger Z, en los 80s. Muchas de estas series eran transmitidas en la televisión abierta de muchos países latinoamericanos. A partir de 1990 el anime empezó a tomar mucha popularidad con Saint Seiya, Sailor Moon, Ranma 1/2 y las sagas de Dragon Ball y más tarde Pokémon, Card Captor Sakura y Yu-Gi-Oh. Los canales distribuidores en esa época eran Locomotion, Fox Kids, Cartoon Network y varios canales de señal abierta. Actualmente para Latinoamérica, los canales distribuidores de anime han sido Animax, (sucesor de Locomotion, luego de que fuera comprado por Sony), Cartoon Network y Etc...TV en Chile.

El anime ha tenido radiodifusión televisiva en Europa: además de la de España, en Italia y Francia ha sufrido en el cambio de los años setenta y ochenta una "invasión pacífica". De hecho, en Francia el primer anime se transmitió en 1974, con las series Ribon no Kishi y Kimba, El León Blanco, pero la importación masiva comenzó sólo después del éxito de la serie UFO Robo Grendizer transmitida en 1978. En Italia se transmite actualmente anime por la señal de MTV.

En Alemania la programación de televisión de anime es un fenómeno bastante reciente. Las primeras series de transmisión en el oeste de Alemania fueron Speed Racer en 1971 y Capitán Futuro en 1980. Sus éxitos no eran enormes, ya que a veces eran acusados de ser demasiado violentos e inadecuados para los niños y sólo con la consiguiente transmisión de la serie La Rosa de Versalles y las de deportes Kickers y Mila Superstar a mediados de los noventa el anime ha encontrado más espacio en la programación alemana.

La situación en el Reino Unido ha sido muy diferente, donde el anime prácticamente no había tenido espacio en la TV, pero cuando el mercado del video doméstico del anime se había afianzado desde el final de los ochenta con la venta de películas VHS de Akira y el nacimiento de Manga Video, a diferencia de Italia y Francia, esto ha ocurrido sólo en la segunda mitad de los noventa. El reciente éxito internacional recogidos de largometrajes de Hayao Miyazaki y el Studio Ghibli abrió las puertas de celebración japonés también en países como Finlandia y Polonia, mientras que en abril de 2007 en Rumania, Hungría y República Checa han sido el lanzamiento de Animax, el canal temático de pago por satélite de Sony, un canal de anime que emite 24 horas del día, más tarde integrándose Alemania y Portugal.

En España, se transmitieron en 1970 las series Heidi y Marco y después Mazinger Z. En los 80s se transmitió Candy Candy. Al igual que en Latinoamérica, la popularidad del anime empezó en los 90s con las series Saint Seiya, Dragon Ball y Captain Tsubasa y hubo otros títulos como Kimagure Orange Road, City Hunter y Sailor Moon. En España actualmente son transmitidos por Buzz, Cuatro y algunos por la señal española de Jetix. En la década del 2000 se ha incrementado mucho la programación, a pesar de que es muy inferior al transmitido en Japón. Recientemente se ha lanzado en España el canal ANIMAX (www.animax.es) dedicado íntegramente a la programación anime.

En la último década Australia y Nueva Zelanda también se han convertido en grandes importadores de animación japonesa, como lo demuestra las actividades de la editorial Home Video Madman Entertainment y el canal Animax en la telefonía móvil.

La propaganda del anime en África es una historia reciente. Con excepción de la edición en árabe de UFO Robo Grendizer, que se transmitió con éxito en Egipto a comienzos de los años ochenta, la animación japonesa ha encontrado espacio en el mercado en el continente africano sólo a partir del 2000, en particular en Sudáfrica, y el canal Animax en la telefonía móvil. En 2007, sin embargo, Sony ha lanzado su canal de televisión por satélite Animax también en varios estados africanos, como Sudáfrica, Namibia, Kenya, Botswana, Zambia, Mozambique, Lesotho y Zimbabwe.

Cuando varias series son licenciadas fuera de Japón, es posible que por malentendidos culturales se editen esas series. El paralelo crecimiento de la popularidad del anime fuera de Japón toma el creciente número de los adversarios de este género de la animación. La crítica más importante es en opinión de muchos el número excesivo de escenas de violencia y erotismo en el anime, comportamiento inapropiado y la visualización de los deportes, colección de anime otaku que a veces lleva a las formas patológicas (retirada de la realidad, cerca de la agresividad es llamada Toxicomanía). En los países europeos y en los Estados Unidos los productos de anime japonés deben pasar una evaluación preliminar como se define en edad-audiencia y en ocasiones adaptar la trama a una demografía de menor edad, por lo que el editor de las obras corta las escenas violentas.

En Estados Unidos han sido editadas muchas series por considerarse inapropiadas para el público infantil, por lo que cambian su contenido para hacerlos más accesible a los niños, también se editan referencias culturales japonesas a americanas. Por ejemplo, 4Kids Entertainment hace las ediciones antes mencionadas, pero también lanzó los DVD de Yu-Gi-Oh! y Shaman King sin cortes. Aún con la censura en Shaman King, algunos investigadores también la encontraron inapropiada para el público infantil. Muchos se molestaron con la edición en One Piece, haciéndola más infantil. Pero FUNimation adquirió los derechos exclusivos en América para doblarla en abril de 2007 sin cortes.

También para Latinoamérica suelen cortar algunas escenas cuando se transmiten por televisión abierta. Cabe destacar la polémica que han tenido el anime transmitido en televisión, por ejemplo Dragon Ball Z, algunos investigadores consideran a la serie como sexista y violenta, en donde también se considera inapropiado poner las series violentas como programas infantiles.

En Europa, algunas series tienen un parecido cambio como en Estados Unidos, con el mismo fin de hacerlas más apta para todo el público. La polémica que han tenido ha sido por ejemplo en España y otros países, se cree que todo lo referente a la animación es algo infantil, por esto se han dado muchos malentendidos en la transmisión por las las cadenas de televisión. También tuvo polémicas al hacer un estudio con niños, en donde se consideraban que los que veían esta serie no entendían lo que realmente pasaba en ésta. El canal televisivo La Sexta empezó a incluir hentai en su programación, pero fue retirada días después.

La combinación de comunidades de Internet y el incremento del material de anime desde imágenes hasta videos, hizo lo que es el fandom en el anime. Una de las influencias que ha tenido los fansub, ha sido por parte de Bandai, quienes agradecieron a éstos por hacer popular la serie Suzumiya Haruhi no Yūutsu a los que hablan en inglés. A su vez, estos mismos fansub incrementaron el conocimiento del anime en el mundo de igual o mayor forma que los animes en las décadas de 1980 y 1990.

Grandes éxitos a lo largo de la historia del anime han difundido este tipo de expresión en sucesivas oleadas, normalmente películas de alto impacto que llaman la atención de nuevos sectores hacia la industria del anime. Dentro de estas películas se puede encontrar: Akira, Ghost in the Shell, y El viaje de Chihiro ganadora del oscar a la mejor película de animación en 2002 y de un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (2001). Un ejemplo claro de la asimilación en el mundo es la producción española Gisaku (2005) que es el primer largometraje de estilo anime realizado íntegramente en Europa.

El suceso fenomenal multimillonario de la franquicia de Pokémon, ha ayudado grandemente a la serie de éste, y a los diferentes spin-off de la serie, que después de iniciarse a trasmitirse, sigue vigente todavía.

También existe el Anime-Influenciado, que es animación hecha fuera de Japón, pero con el estilo anime. Parte de estas series es hecha en Estados Unidos, Europa y otras partes de Asia. Como por ejemplo Avatar: la leyenda de Aang. Los creadores de las series de Megas XLR y The Boondocks, han comentado que se inspiraron en el anime para la creación de éstas. Un equipo de producción francesa para la serie Ōban Star-Racers fue movido a Tokio para colaborar con un equipo de producción japonesa sobre el Hal Film Maker. Críticos y fans en general del anime no considera al anime influenciado como anime.

Otro tipos de adaptación ha sido parte de la Biblia en el anime, específicamente el Antiguo Testamento, a la vez ésta ha estado con el asesoramiento de El Vaticano, y hecho para todo público.

Algunas series animadas de televisión americana también han hecho parodias o referencias al anime como en South Park ("Chinpokomon" y el episodio de "Good Times With Weapons"). Otra serie con parodias es Perfect Hair Forever. También las series de Los Simpson y Los padrinos mágicos, han hecho diferentes parodias.

Al igual que las películas, las series de animación pueden dar lugar a un seguimiento masivo, especialmente si van dirigidas a niños o jóvenes. En ese caso, puede ocurrir que se genere una variedad de artículos de mercadotecnia extendiéndolo a áreas como videojuegos, películas y artículos de colección.

Puede que la fama de una serie quede confinada en un área relativamente pequeña o que, por el contrario, se extienda por medio mundo. Casi todas las series de animación japonesa pasan desapercibidas para el público general. A pesar de ello, pueden ofrecer historias, personajes, escenas, frases míticas, guiños a otras series, que pasarán a formar parte de la cultura otaku.

Las convenciones de anime aparecieron por la década de 1990. Actualmente las convenciones se han hecho en varias partes del mundo, principalmente en Asia, Europa y América. En muchas convenciones de manga y anime hay concursos de karaoke en que los asistentes podrán interpretar sus canciones preferidas de apertura y clausura jpop, jrock, gente disfrazada de sus personajes favoritos de anime (cosplay), entre otros, recientemente ha aparecido un nuevo nombre para los que les gusta mucho el anime: "akiba-kei", usado para aquellos fanáticos que se la pasan en las tiendas de anime, conferencias de éstos, conciertos de j-pop, entre otros.

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María Castro

María Castro Jato es una actriz española nacida en Vigo, Galicia) en 1981.

María Castro se define a sí misma como "una persona alegre y optimista, cariñosa y tenaz y muy habladora".

Fue atleta en la modalidad de Gimnasia Rítmica Deportiva desde los 6 hasta los 17 años, consiguiendo el campeonato gallego junto a Nelly Bouso Gasalla y Eva Bouso Gasalla, posteriormente, consiguió la Diplomatura en Magisterio de Educación Física y la Licenciatura en Ciencias de Actividades Físicas y Deporte por la Universidad de Vigo. Antes de dedicarse por completo a la interpretación ejerció como profesora de Educación Física durante un corto período de tiempo.

En cuanto a su formación ha estudiado danza contemporánea, ballet clásico, danza moderna y hip-hop, y cabaret. Ha realizado varios cursos de interpretación y doblaje.

Trabajó en por primera vez en televisión en la televisión local de su ciudad (Televigo) como azafata. Su primer trabajo como actriz fue el papel de Paula Barreiro (antes interpretado por Cristina Castaño) en la exitosa serie del canal autonómico gallego TVG, Pratos combinados. En ella coincidió con Ernesto Chao, Mabel Rivera, Antonio Durán "Morris", Manuel Millán o su padre en la serie Xosé Manuel Olveira "Pico".

A partir de ahí participó como presentadora y actriz en múltiples series y espacios de la TVG. También ha trabajado en teatro y como actriz de doblaje, así como en publicidad y como modelo en pases y sesiones fotográficas.

Participó como actriz al reparto de la primera serie diaria de producción española de La Sexta, SMS, donde interpretaba a Lucía. En esta serie coincidió junto a otras jóvenes promesas del cine y la TV españolas como Amaia Salamanca (con la que coincidirá más tarde en "STNHP"), Yon González, Aroa Gimeno y Mario Casas.

En 2008 se da a conocer a nivel nacional mediante su papel de Jessica en Sin tetas no hay paraíso, serie emitida por Telecinco y que se convirtió en la revelación televisiva de la temporada 2007-08 al congregar semanalmente a más de 4 millones de espectadores y un 23,4% de share. En STNHP interpreta a una mujer joven, muy guapa y atractiva, con ganas de triunfar y persuasiva, capaz de conseguir todo lo que se propone y a la que su ambición la lleva a practicar la prostitución de forma ocasional para satisfacer sus necesidades económicas y mantenerse en un status social al que no pertenece. Junto a ella actúan, además de la ya mencionada anteriormente Amaia Salamanca, Miguel Ángel Silvestre, Cuca Escribano, Fernando Guillén Cuervo o Armando del Río.

Además, en 2008 también ha participado en el nuevo videoclip de Melocos, Fuiste Tú.

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Star Trek

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La trama de sus series y sus películas es bastante sobria en cuanto al futuro de la humanidad, consistente en cuanto a la calidad de la historia, coherente por la continuidad de la misma y congruente con la forma de ser de los humanos actuales (que intenta demostrar que el hombre no cambiará mucho en los próximos 400 años), siempre con la "continua misión de explorar extraños, nuevos mundos, y de buscar nuevas formas de vida y nuevas civilizaciones, viajando temerariamente a donde nadie ha llegado antes". Estas cualidades, sumadas a la minuciosidad de la producción y de la selección de sus elencos han hecho de ésta una saga muy sólida y única en su género.

Además de la extensa producción oficial (conducida por la empresa Paramount Pictures Inc., dueña de la franquicia de la saga), el solo nombre de Star Trek ha motivado una vasta creación en la industria del entretenimiento, dando lugar a cientos de novelas, videojuegos y otras obras (como por ejemplo series no oficiales producidas por fans, tales como Viaje a las Estrellas: Las Nuevas Aventuras o Viaje a las Estrellas: Renacimiento), desarrolladas todas ellas de manera tal que le hacen justicia a la sobriedad, consistencia, coherencia y congruencia de la saga oficial, haciendo de su título uno de los más reconocidos en la historia del entretenimiento a nivel mundial.

El Universo de ficción de la producción está protagonizado por la historia de la Federación de Planetas Unidos, y los años previos a su fundación en la Tierra, abarcando desde el año 2063, cuando ocurre el Primer contacto entre los humanos y una raza extraterrestre, los vulcanos, hasta el año 2379, cuando la Federación pasa por momentos gloriosos pero a la vez muy difíciles al presentarse la posibilidad de tener que enfrentarse a las dos mayores superpotencias de la galaxia: el Dominio y el Colectivo Borg.

En esta Federación, la situación de la Tierra es bastante particular, ya que desde el Primer contacto en 2063, su desarrollo no ha conocido barreras, llegando a ser un planeta paradisíaco, donde los humanos viven en constante progreso; así mismo, desde el año 2161, la Tierra es la capital de la Federación, teniendo como sede de gobierno a la ciudad de París (Francia) y del Comando y de la Academia de la Flota Estelar en San Francisco, en la actual California y habiendo llevado su enorme desarrollo como civilización hasta los confines del espacio conocido, que suma casi la cuarta parte de la Vía Láctea.

Viaje a las Estrellas ha demostrado ser bastante realista en la mayoría de las facetas de la vida real del ser humano, como militar (pues la Flota Estelar es una institución castrense), como ciudadano, como político, como bienhechor, como malhechor, como religioso, como conservador, como liberal, etc.; así como tiene la virtud de mostrar a los personajes extraterrestres como seres similares a nosotros, con ciertas ventajas y desventajas respecto de los humanos, superando en este aspecto a la gran mayoría de las producciones del género, que más bien se han enfocado en los extraterrestres como amenazas para la Tierra y la humanidad, siendo presentados muchas veces como monstruos.

A decir de Jonathan Frakes (uno de los principales actores de la segunda serie (Star Trek: La Nueva Generación) y de varias películas como el comandante William Riker), "Viaje a las Estrellas representa la realización más grande de la Humanidad en el marco de una historia épica del futuro".

En los diversos capítulos de la serie podemos ver que usualmente se han empleado dispositivos o medios tecnológicos innovadores para la época. Más tarde varios de ellos se han convertido en realidad, incluso de manera masiva. Un ejemplo de ello son las pantallas táctiles, los tableros de datos similares a las actuales Palms o Tablet PC, Así mismo la transferencia de datos de una computadora a otra sin cables, como la actual tecnología Bluetooth, e incluso los intercomunicadores con sistema manos libres (como el que usa la teniente Uhura). El intercomunicador que usan los personajes para comunicarse con la nave Enterprise es el modelo de los actuales teléfonos móviles.

¿Cómo olvidar las puertas automáticas, el escáner del Dr. McCoy, que permite un diagnóstico del interior del cuerpo sin necesidad de abrirlo, premonitorio de la Tomografía Axial Computarizada (TAC), la computadora personal, la computadora que obedece a la voz, las sofisticadas herramientas del señor Scott, etc.?

Cabe destacar en este sentido el uso en la serie original de "cintas de memoria" de aspecto y tamaño idéntico a los posteriormente desarrollados disquetes de 3'5, o en un capítulo, el uso de CDs donde se podían ver episodios de diferentes épocas de la historia.

Por otra parte, y aunque no sea una "tecnología" exclusiva de esta saga, en los últimos años se han realizado avances prácticos en el área del teletransporte (todavía a nivel molecular).

Tecnologías que rayan en lo fantástico, como objetos que flotan por efecto de la antigravedad (incluso una ciudad entera), o como el viaje a través del tiempo, tienen fuertes bases en la teoría de la física relativista. En más de un sentido Star Trek fue premonitoria de tecnologías que posteriormente existieron, incluso como inspiradoras de la misma, y existe tecnología que se muestra en la serie está todavía por concretarse en el mundo real, demostrando que la saga Star Trek posee una base científica muy sólida y creíble.

En 1966, Gene Roddenberry creó una serie de televisión de aventuras espaciales para la cadena de televisión NBC, imaginando un mundo futuro en el que la Tierra está en una total armonía y las guerras, el hambre, las enfermedades y la pobreza ya no amenazan a la Humanidad y donde las diferencias políticas, raciales o religiosas ya no enfrentan a unos contra otros, y en la que un grupo significativamente multicultural de exploradores espaciales enfrentan problemas y aventuras lejos de la Tierra.

A lo largo de su extensa historia, es responsable de inventar o popularizar muchos de los temas actuales de la ciencia ficción, como son el viaje a velocidades superluminales, denominadas en la serie velocidades Warp (en inglés warp speed), o el teletransportador, a pesar de que en algunos casos fuera fruto del azar, o de las circunstancias (el teletransportador era una solución barata para ahorrarse los efectos especiales de los aterrizajes).

A pesar de que inicialmente fue una serie de bajo presupuesto que apenas duró tres temporadas, el fenómeno de Viaje a las Estrellas no terminó tras la cancelación de la la serie original en 1969, pues las reposiciones alcanzaron un éxito arrollador que propiciaron un fenómeno fan de ingentes proporciones, y cuyas réplicas tuvieron como consecuencia la consideración de la Paramount por continuar la saga. Tras desestimar el proyecto de una serie secuela llamada Star Trek: Phase II, serían diez años después de la cancelación cuando el proyecto de una continuación se haría realidad con el estreno en cines de Star Trek: La Película.

El siguiente gráfico muestra la ubicación cronológica de las series en la línea temporal.

A finales de febrero de 2006 se anunció una nueva película dirigida y producida por J.J. Abrams, director de Misión Imposible III, guionista de Armageddon y creador de las series de televisión Felicity, Alias y Perdidos. Unos días más tarde Abrams negó que fuera a dirigir la película, aclarando que iba a producirla y le habían dado también la opción de dirigir. La película será una protosecuela mostrando los primeros años de la Federación, de Kirk y Spock en la academia de la Flota Estelar, y la creación de la primera de las naves Enterprise. Aunque hay que recordad que existió otro proyecto similar llamado provisionalmente Star Trek: The Beginning (Star Trek: El Comienzo) fue cancelado poco tiempo antes. Su estreno está previsto para mayo de 2009.

Como muchas otras sagas, la música de Star Trek ha jugado un papel fundamental en el concepto, desfilando en él los nombres de reconocidos compositores como Alexander Courage, Jerry Goldsmith y otros.

La serie empezó a grabarse cuando todavía se producían películas para la gran pantalla con los personajes de 'Star Trek: La Serie Original', algunos de los cuales aparecieron en diferentes episodios de 'Star Trek: La Nueva Generación' como artistas invitados (DeForrest Kelley, Leonard Nimoy y James Doohan).

Durante las temporadas de los años 1992-93 y 1993-94 coincidió en antena con la tercera serie, 'Star Trek: espacio profundo 9', en la que algunos de los actores de 'Star Trek: La nueva generación' tuvieron importantes papeles (Michael Dorn, Colm Meaney, ...).

Los actores de 'Star Trek: La nueva generación' han protagonizado hasta el momento cuatro películas estrenadas en los cines después de finalizar la serie: 'Star Trek: La Próxima Generación', 'Star Trek: Primer contacto', 'Star Trek: Insurrección' y 'Star Trek Némesis'.

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Pedro Casablanc

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Pedro Casablanc es un actor español que nació el 17 de abril de 1963 y que ha trabajado principalmente en teatro y en series de televisión, aunque también ha hecho incursiones en el cine y en el doblaje.

Nació en Sevilla el 17 de abril de 1963. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, ciudad en la que empezó a hacer teatro en la compañía Teatro de la Jácara y en el Centro Andaluz de Teatro CAT en montajes dirigidos por Miguel Narros o George Tabori entre otros. En 1991 llega a Madrid y entra a formar parte del elenco del Teatro de La Abadía, donde trabajará durante cuatro años dirigido por José Luis Gómez. Por la producción "El señor Puntila y su criado Matti" gana el premio al mejor actor secundario de teatro otorgado por la Unión de Actores de Madrid. Ha interpretado personajes importantes del teatro universal en obras como "La gaviota", "Casa de muñecas" o "Antígona" "Últimas palabras de Copito de Nieve", "Marat Sade" y "El rey Lear".

Pedro Casablanc en el cine ha trabajado con directores como Steven Soderbergh en "Guerrilla", Jean-Jacques Annaud en "Sa majesté Minor", Imanol Uribe en "Días contados" y "Extraños" o Fernando Colomo entre otros. También ha protagonizado numerosos cortometrajes y ha intervenido en la mayoría de las series de televisión españolas desde principios de los 90.

En este medio destacan sus papeles en Policías, en el corazón de la calle, donde interpretó el personaje del Ruso, Motivos personales, El pantano, RIS Científica y, actualmente, Hospital Central. Ha conseguido premios y nominaciones de la Unión de Actores como mejor actor secundario de televisión.

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Gene Roddenberry

Gene Roddenberry en 1978

Eugene Gene Wesley Roddenberry (nacido el 19 de agosto de 1921 en El Paso (Texas) - fallecido el 24 de octubre de 1991 en Chicago (Illinois)) fue un director y productor estadounidense, mundialmente conocido por sus series de ciencia ficción, especialmente por Star Trek (Star Trek).

Fue una de las primeras 24 personas, todas ellas ciudadanos estadounidenses, cuyas cenizas se esparcieron por el espacio durante el lanzamiento del satélite español Minisat 01. El lanzamiento se produjo el día 21 de abril de 1997 a las 14:00 horas, desde la base aérea de Gando, en Gran Canaria, con un cohete Pegasus XL que viajaba en la panza de un avión Lockheed comandado por el capitán estadounidense Bill Weaver.

De su obra, hemos heredado una larga franquicia basada en Star Trek, que nació en 1966 y ha durado hasta mayo de 2005; se prevé que próximamente continúe con nuevos films y series de televisión.

Roddenberry nació en la ciudad de El Paso, en el estado de Texas, el viernes 19 de agosto de 1921, y pasó su niñez en la ciudad de Los Ángeles. Ahí estudió tres años para policía, pero se interesó en la ingeniería aeronáutica y obtuvo una licencia de aviador. Posteriormente se inscribió como voluntario en el Cuerpo de Aviación del Ejército de los Estados Unidos, realizando su entrenamiento como cadete de vuelo cuando su país entró a participar en la II Guerra Mundial, a finales de 1941.

Roddenberry voló en aproximadamente 89 misiones de guerra. Gracias a su brillante actuación, le fueron otorgadas las condecoraciones Distinguished Flying Cross y Air Medal. Fue mientras se encontraba en el Pacífico Sur cuando comenzó a escribir en sus ratos libres. Empezó vendiendo sus historias a revistas para aficionados a la aviación. Posteriormente, escribió poesía, que publicó en diversos medios, incluyendo el New York Times.

Cuando terminó la guerra, se unió a la Pan American World Airways, y a la vez, estudió Literatura en la Universidad de Columbia.

Roddenberry continuó ejerciendo como piloto hasta que vio televisión por primera vez. Habiendo estimado debidamente que la televisión tendría un gran futuro en la sociedad del siglo XX, se dio cuenta de que este nuevo medio de comunicación requeriría buenos escritores. Sin pensarlo dos veces, dejó atrás su carrera de piloto y se mudó a Hollywood, sólo para encontrar la industria de la televisión aún en pañales, con algunos proyectos a realizarse por advenedizos.

Ya que estaba en California, decidió enrolarse en el departamento de policía de la ciudad de Los Ángeles. Durante el tiempo de su servicio, en el que llegó a ser sargento, vendió muchos guiones para ciertas funciones como Goodyear Theatre, The Kaiser Aluminum Hour, Four Star Theater, Dragnet, The Jane Wyman Theater, y Naked City. Debido al relativo éxito de estas funciones, se licenció de la policía de Los Ángeles y se dedicó a trabajar como contratista de guiones.

Star Trek (Viaje a las Estrellas en hispanoamérica) vio la luz a mediados de la década de los 60.

El prímer piloto fue rechazado por la cadena de televisión NBC, alegando que era «muy cerebral». Una vez en el aire, sin embargo, Star Trek, desarrolló una legión de leales seguidores, que serían conocidos como Trekkies.

La NASA llamó en su honor una lanzadera espacial con el nombre de Enterprise, en referencia a la amada nave del Capitán Kirk, la USS Enterprise (NCC-1701).

Tras finalizar Star Trek, que duró tres temporadas, Roddenberry produjo varias películas así un considerable número de pilotos para series de televisión. Obtuvo tres Doctorados Honoris Causa: Doctor en Letras Puras, del Emerson College (1977), Doctor en Literatura, del Union College de Los Ángeles, y Doctor en Ciencias, del Clarkson College en Potsdam, Nueva York (1981).

En junio de 1977, Star Trek iba a convertirse nuevamente en serie, tras el éxito de la serie original. La Paramount intentó lanzar una nueva serie, cuyo nombre iba a ser Star Trek: Phase II. Se empezaron a diseñar los escenarios en julio y la lista de directores y guionistas se hizo pública en agosto. Todo el reparto original, con la excepción de Leonard Nimoy (el Sr Spock), volvía para representar sus papeles junto a nuevos personajes, como el Teniente Xon, que ocuparía el hueco de Spock, como primer oficial, Willard Decker, y como navegante, la Teniente Ilia.

Cuando estaba casi terminado todo el trabajo con los escenarios y el vestuario, la Paramount abandonó sus planes, debido al éxito de Star Wars (La Guerra de las Galaxias), por lo que decidieron convertir la serie en Star Trek: La Película.

En septiembre de 1987, Star Trek: La Nueva Generación continuó la leyenda que Rodenberry había comenzado 25 años antes con la serie original. Esta nueva serie ofrecía a Gene mayores posibilidades técnicas y un presupuesto menos ajustado para llevar a cabo su visión del futuro. Jamás una serie de ciencia ficción ha alcanzado tanta popularidad.

El 24 de octubre de 1991, Gene Roddenberry fallecía. A la muerte de Roddenberry, sobrevivieron su esposa, Majel Barrett (que interpretó a la Enfermera Chapel en Star Trek y a Lwaxana Troi en La Nueva Genración) y su hijo, Gene Roddenberry Jr., sus dos hijas de un matrimonio anterior, y dos nietos.

Otras creaciones de Roddenberry son Andromeda y La Tierra: Conflicto Final.

Roddenberry también fue acreditado como «creador» en todos los episodios de TNG, DS9, VOY y ENT, en todas las películas y en la mayor parte de los videojuegos como Star Trek: Elite Force II o Star Trek: Bridge Commander, bajo el título de «Basado en Star Trek, creado por Gene Roddenberry».

Roddenberry también está acreditado como compositor de la letra de la canción introductoria de TOS, aunque nunca se grabaron ni usaron.

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Globomedia

Globomedia es una productora de televisión española, núcleo del Grupo Árbol. Ha producido series de éxito como Médico de familia o 7 vidas y programas como El informal, Caiga quien caiga o Sé lo que hicisteis.... Es la principal impulsora de la cadena La Sexta.

Fue fundada en 1993 por Emilio Aragón y Daniel Écija, ante las nuevas perspectivas en el panorama de las ondas españolas. Por un lado los tres primeros canales de televisión privados habían nacido, y por el otro las cadenas públicas, tanto las dos estatales como las autonómicas, comenzaban a demandar producción externa.

En 1995 se asoció a Promofilm, importante productora argentina con presencia en América, y a GECA, la primera empresa de marketing televisivo en España. Los resultados fueron muy positivos para Globomedia. Por un lado expandió su actividad, centrada en España y algunos países europeos, al inmenso mercado iberoamericano. Y por el otro obtuvo una importante base de datos de audiencias y contenidos que le ayudaba a orientar su trabajo. De esta asociación nació el holding Grupo Árbol, hoy día líder en facturación en el sector de las productoras televisivas.

Alrededor del año 2000 la productora vivió momentos difíciles por el fracaso de muchas de sus puestas en antena, que coincidían con la mala época para la ficción nacional y el auge de los programas de telerrealidad, que desembarcaron con fuerza en España a través de Gran hermano.

Globomedia gestionó desde 2000 a 2007, junto a Antena 3 y Telecinco, la cadena temática digital Factoría de Ficción. Este canal se especializa en series españolas. En 2007 cerró el canal, que fue recuperado por Telecinco para la TDT en 2008.

En 2005 Globomedia impulsó la creación del GAMP (Grupo Audiovisual de Medios de Producción), del cual es la primera accionista. Este consorcio obtuvo la licencia para poner en marcha el que hoy es el cuarto canal privado de televisión español, La Sexta.

En enero de 2007, firma un acuerdo con Antena 3 Televisión, por el que ambas compañías se comprometen durante los próximos tres años. El contrato consiste en que Globomedia se compromete a producir un contenido mínimo garantizado de ficción y entretenimiento. Este hecho hará que los creativos que participen para Antena 3 lo hagan en exclusiva para la cadena. Actualmente Globomedia (Grupo Árbol) última su fusión con Mediapro y con la multinacional de publicidad británica WPP. La nueva empresa se llama Imagina Media Audiovisual y con la entrada meses después de Torreal, pasando a ser líder en España de la producción audiovisual y un referente en el mercado europeo.El Accionariado de Imagina: Mediapro-Árbol 60%, WPP 20% y Torreal 20%.

Tras probar con programas de variedades (Noche, noche; El gran juego de la oca), Globomedia descubrió su filón en 1995 con Médico de familia, una serie protagonizada por Emilio Aragón, que narraba las peripecias de un médico viudo con varios hijos a su cargo. La serie llegó a alcanzar picos de audiencia de más de nueve millones de espectadores y cuotas de pantalla cercanas al 50% . Hoy día se considera uno de los hitos en la televisión española en cuanto a aceptación de público.

Desde entonces Globomedia basó su éxito en series de ficción, preferentemente de tres temáticas: familiar (Médico de familia, Los Serrano), laboral (Periodistas, Los Hombres de Paco) y juvenil (Compañeros, Un paso adelante). Los programas que mezclan información y humor también han sido otro de sus éxitos: El informal, Caiga quien caiga, La noche con Fuentes & Cía.).

Otra de sus apuestas fue El club de la comedia, que introdujo en España lo que en EE.UU. se llama stand-up comedy: monólogos cómicos recitados por un solo personaje frente a una audiencia. A partir de ahí Globomedia se lanzó a producir también giras teatrales con actores de su cantera y espectáculos como 5hombres.com, 5mujeres.com y Hombres, mujeres y punto.

En los últimos años ha probado suerte con géneros más "serios" como 59 segundos, el primer programa de la productora no relacionado con la ficción ni el humor, o en formatos innovadores como el de Supervillanos, una serie con capítulos de 7-10 minutos, concebida para descargarse en los móviles de Amena.

El sistema de fichajes de Globomedia se asemeja al del Hollywood dorado. Cuenta con una treintena de actores en nómina que pasan de programa en programa, normalmente por criterios de audiencias.

No te fallaré (2001) supuso el primer y hasta ahora único salto al cine de la productora. Basada en la serie juvenil Compañeros, la película trata de la vida de los protagonistas de esta serie tres años después de su graduación. Está protagonizada por Fernando Guillén Cuervo, Sancho Gracia, Eva Santolaria, Antonio Hortelano y otros actores de la serie televisiva.

Globomedia Música es otra división del Grupo Árbol. Fue fundada para crear la música de producciones de Globomedia, ahorrando así gastos en derechos de autor. Globomedia Música es representante de Miguel Ángel Muñoz, Fran Perea, El Sueño de Morfeo y Pignoise, entre otros.

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José Luis Moreno

José Luis Rodríguez Moreno (16 de abril de 1947, Salamanca), artísticamente conocido como José Luis Moreno, es un empresario de nacionalidad española conocido por su larga trayectoria como ventrilocuo, y por los muñecos que usaba en sus actuaciones entre los que destacan los llamados "Monchito" y el cuervo "Rockefeller". Posteriormente abandonó esta faceta artística para presentar programas de variedades que él mismo producía, como "Noche de fiesta" y, más recientemente, como productor de series como "La que se avecina", "Aquí no hay quien viva", de la televisión de España.

Según una entrevista, se introdujo en el mundo de la música en la adolescencia, llegando a alcanzar el éxito como cantante de ópera. Es sobrino del gran ventrílocuo Wenceslao Moreno, "Señor Wences", hermano de su madre, Josefa Moreno Centeno. José Luis Moreno estudió medicina, especializándose en neurocirugía. Alguno de estos datos, sin embargo, no han podido ser comprobados.

Saltó entonces al mundo del espectáculo y de la producción televisiva, con sus actuaciones de ventriloquismo "José Luis Moreno y sus muñecos", poniendo voz a los personajes de Monchito, Macario y Rockefeller; este último, un cuervo anarquista, llegó a ser un auténtico fenómeno social en Italia. Tras más de una década de enorme popularidad con ellos, va perdiendo auge y opta oportunamente por centrarse en su faceta de productor y director de musicales, en televisión y teatros, sorprendentemente también ha hecho radio.

A lo largo de los años ha organizado galas, espectáculos puntuales o series en distintas cadenas españolas como TVE, Antena 3 o Telecinco, y diversas autonómicas, y ha conseguido saltar al extranjero con otras como la RAI (El País: "José Luis Moreno y su muñeco 'Rockefeller' alcanzan la máxima popularidad en Italia").

Sus años como presentador y director de programas musicales coinciden con el despegue de múltiples estrellas del pop y rock, de quienes se considera "descubridor" o "impulsor" para el público español. Es el caso del grupo Europe. También se atreve a presentar a Cicciolina en televisión, con un desnudo integral.

Crea en 1988 la productora Miramón Mendi, que es adquirida posteriormente en una sorprendente operación por Telecinco, se dice que para neutralizar el éxito de "Aquí no hay quien viva", que era emitida por otro canal televisivo rival, Antena 3.

En diciembre de 2007 seis atracadores asaltaron la residencia de José Luis Moreno en Boadilla del Monte. En ese momento, Moreno se hallaba en la vivienda con algunos familiares y personal de servicio. Los asaltantes quisieron abrir las cajas fuertes de Moreno, pero éste se negó a darles el código de apertura y se enfrentó a ellos recibiendo un fuerte golpe en la cabeza.

Trabajó dirigiendo el programa de variedades Tu gran noche durante 2 años, en los canales autonómicos, y durante 5 años, Noche de fiesta (1999-2004), en TVE-1. Desde el 2000 hasta el 2004 se encargó de dirigir el programa de nochevieja de TVE-1, y el de 2005 para Antena 3. Durante julio, agosto y septiembre de 2002 trabajó en Antena 3 dirigiendo el programa musical Verano noche y, entre noviembre de 2005 y enero de 2006, en Telemadrid con el programa Entre amigos.

Otros proyectos que iba a hacer para televisión, pero que al final no se cumplieron, fueron: Amigos íntimos, que iba a ser producida para Telecinco; Los Maldonado, para Antena 3; y una serie de suspense sobre un matrimonio que investiga asesinatos, que iba a llevar a cabo en colaboración con el director italiano Darío Argento. También ha afirmado que ha acabado con su faceta como ventrílocuo.

Hasta ahora su mayor éxito ha sido Aquí no hay quien viva (2003), cuyos derechos han llegado a ser comprados por cadenas francesas e italianas para la retransmisión de una versión de la serie en esos países. Otras series que ha producido Miramón Mendi para Antena 3 fueron La sopa boba (2004) y A tortas con la vida (2005-2006).

En su faceta de actor, trabajó en la película de Santiago Segura Torrente 2: Misión en Marbella, en la que interpretaba a Spinelli, un terrorista que se proponía destruir la ciudad de Marbella.

Actualmente produce, para las cadenas autonómicas de España, la serie de suspense Planta 25, producida por Alba Adriática(el nuevo nombre de su productora), que se emitía los lunes a las 22:00; después se ha empezado a emitir de lunes a viernes a las 16:00, aunque de Telemadrid la quitaron sin aviso alguno.

Actualmente produce para Telecinco la serie La que se avecina, una clara continuación de Aquí no hay quien viva con la que comparte actores en diferentes personajes de parecida factura. La serie se estrenó el pasado 22 de abril de 2007.

También ha trabajado en teatro, ofreciendo tanto óperas como zarzuelas en el teatro La Latina, como La Revoltosa, Doña Francisquita, La verbena de la Paloma, Gigantes y cabezudos. También participó en la comedia Matrimoniadas (2005) cuyos personajes fueron tomados del cancelado programa Noche de fiesta y de sus serie de Antena 3 La sopa boba, protagonizado por Marisa Porcel, Pepe Ruiz, Silvia Gambino, Alfredo Cernuda, Rosana Manso y Martin Czehmester. Además, produjo el musical El diluvio que viene, con Gisela en 2005-06. En el 2006, tras retirar este musical, estrenó en el mismo teatro la Antología de la Danza Española y, posteriormente, la comedia La venganza de la Petra, en la que estaban en el reparto Andoni Ferreño, Silvia Gambino, Luis Perezagua, Marisol Ayuso y María Garralón.

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Nickelodeon

Nickelodeon (comunmente conocido como Nick) es un canal de televisión por cable o señal abierta propiedad de Viacom International. Fundado en 1977 como Pinwheel —el nombre para el canal fue utilizado hasta 1981, a partir de entonces se denomina Nickelodeon. El canal se encuentra en muchos países diferentes, incluyendo Reino Unido, Australia.

Su programación está dividida en varios bloques ó segmentos, tales como Nick at Nite y Nick Jr, cuyo rango de audiencia oscila entre las edades de 7 a 12 años de edad.

El canal fue creado en 1977, con el nombre "Pinwheel Channel", en Columbus, Ohio como parte del sistema de televisión por cable Time Warner. En sus primeras emisiones diurnas transmitió bloques ó segmentos como Pinwheel, Video Comic Book, America Goes Bananaz, Nickel Flicks y By the way. Su logotipo era una esfera de color plateado con el nombre del canal.

El 1 de abril de 1979 el canal amplió su cobertura a nivel nacional, tras extender sus transmisiones a Buffalo, Nueva York. Dos años después, en 1981, su nombre cambió a "Nickelodeon", que a su vez proviene del nombre de las salas de cine existentes a principios del siglo XX.

Nickelodeon comenzaría a volverse conocido por su nuevo logotipo, el cual sería incluido por primera vez en la serie exitosa de 1980 You Can't Do That on Television (traducido como No puedes hacer eso en la televisión). A partir de entonces, el logotipo fue utilizado para la mayor parte de los programas transmitidos por el canal, hasta 1984 cuando fue sustituido por un logotipo naranja que adoptaba múltiples formas de acuerdo a la programación de Nickelodeon. El logo ha permanecido como tal desde entonces. En julio de 1985 comienza a transmitirse el bloque Nick at Nite, que inicialmente emitía series televisivas de los años 1950 y 1960, tales como The Donna Reed Show, The Alfred Hitchcock Hour y Route 66, además de películas. En 1990 fueron inaugurados sus estudios Nicktoons Studios (originalmente fueron fundados bajo el nombre de Games Animation), en California. En 1991 comienzan a transmitirse los Nicktoons, cuyas series iniciales fueron Doug, Rugrats, Ren y Stimpy, entre otras. En 1992 el canal extiende sus transmisiones a Reino Unido. En 1993 se publica la primera edición de la Revista Nickelodeon y, en 1995, es creado su sitio web oficial. A comienzos de los años 2000, el canal comienza a ser conocido a nivel internacional como Nick —aunque en Japón, Francia y otros países ha preservado el término completo—.

El 15 de marzo de 2008, fue inaugurado Nickelodeon Universe, un parque de diversiones —originalmente titulado Knott's Camp Snoopy— ubicado en Minnesota, Estados Unidos. Es el primer parque basado totalmente en las series animadas del canal, aunque su historia en el entretenimiento del género se remonta a 1990, año en que fue creada una atracción en Universal Studios de Florida, basada en algunos de sus programas principales.

El 20 de diciembre de 1996, Nickelodeon extiende sus transmisiones a Latinoamérica. su programación cuenta con un alto porcentaje de series destinadas para las audiencias adolescentes y Nicktoons —principalmente caricaturas importadas por Nickelodeon de Canadá, Reino Unido, Francia, Rusia, Polonia y Japón.

Su programación cambió a partir de 1998, cuando los programas comenzaron a ser distribuidos por bloques. Los primeros bloques que comenzaron a transmitirse fueron Nick Jr, Sandwich a la Nick, Nick Mix y Planeta Nick.

A principios de los años 2000, Nickelodeon Latinoamérica lanzó un especial de televisión denominado Nickellenium, en donde niños de diferentes nacionalidades tenían a su disposición un breve segmento para relatar sus ideas acerca del futuro. Durante ese período de tiempo, también fue creado el sitio web regional, que permitiría elegir interactivamente la programación de algunos nuevos bloques del canal, tales como Nick vs Nick, Internick y Click Nick y el canal cambió su imagen y reestructuró su programación añadiendo una mayor cantidad de series, procedentes del canal original de Estados Unidos.

Durante el 2002 y 2003, adopta un estilo más juvenil y musical al estrenar su serie S Club 7 y los bloques musicales Musick y Dj Nick, además de transmitir cortometrajes como La Vaca Tonta, El Espejo, Los Monos Submarinos y Purple & Brown. Durante ese tiempo se entregaron los premios de Nickelodeon Latinoamérica denominados Mis Premios Nick, conducidos por Yordi Rosado.

La señal de Nickelodeon esta dividida en 3 feeds, excepto Brasil, ya que esta señal se transmite por separado por todo el país.

El 2 de mayo de 2005, Nick cambió de logo a uno más simple, con la palabra "NICK" toda bordeada. En ese período, presentó también un interactivo diseño en sus comerciales. El 2 de febrero de 2006, fue estrenado el bloque Nick at Nite en Latinoamérica. El 14 de agosto del mismo año, apareció su personaje llamado Cubito, que se encarga de avisar sobre la programación diaria del canal a los televidentes. En febrero de 2008, apareció un nuevo personaje llamado Verdito. Éste aparece en los comerciales del canal y promociona la protección del medio ambiente.

Los Nicktoons son programas animados transmitidos por el canal. El primero de ellos fue Doug, transmitido por primera vez el 11 de agosto de 1991. A partir de entonces, el canal transmitió programas animados importados de Canadá, Reino Unido, Francia, Rusia, Polonia y Japón, así como otros producidos en empresas alternativas de Estados Unidos.

Nick Jr. es transmitido por Nickelodeon diariamente por las mañanas. Está destinado a las audiencias preescolares. Actualmente, Nick Jr. cuenta con su propio canal en varias regiones, incluida Latinoamérica.

TEENick es un bloque que comenzó a transmitirse a partir de 1992, bajo el nombre original de SNICK, cada sábado por la noche. SNICK cambió su nombre a TEENick en 2000.

Desde que en 1991 naciera su división Nicktoons, el éxito de sus dibujos animados se ha multiplicado.

Esta serie lo dan en Nick Jr.

Este chico de primero de secundaria, no sólo sueña con sobrevivir la secundaria, sino con divertirse mientras lo intenta. Para lograrlo, ha creado un manual en el que incluye ‘tips' (o mejor dicho, consejitos únicos y humorísticos) para superar las embarazosas situaciones que ocurren en la escuela. Ned enfrenta situaciones reales, con soluciones algo exageradas, que permite que los chicos se identifiquen con ellas y que también se rían con los desenlaces tan inesperados y divertidos.

Diego es el primo de Dora, por lo que esta última ha realizado apariciones en esta serie. Diego también tiene una hermana de 11 años llamada Alicia, que es experta en computadoras.

Pero como no tenían dinero ni espacio, acudieron a Don Filemon a quien hacen lo imposible para pagar la renta a tiempo. Además de lidiar constantemente con la envidia competitiva de las malvadas "Gemelis" Nora y Nori. Todo esto traerá un sinfín de situaciones muy cómicas.

Afortudamente, Wubbzy puede contar con sus dos mejores amigos, Widget y Walden, para ayudarlo en cualquier situación divertida. Walden es un científico que constantemente intenta idear una solución y a Widget le encanta construir. Ella siempre sale con alguna invención ingeniosa como una taza bazoca de súper succión o un radar sonar totalmente integrado en un único detector de personas. Sin embargo, su ayuda puede empeorar las cosas mucho más.

Cada episodio conduce a estos amigos a una excéntrica, maravillosa, divertida y confusa aventura. Al final, todos encuentran una solución y entonan una canción acerca de lo que han aprendido a lo largo del camino.

Esta serie es emitida en Latinoamerica en Discovery Kids.

En este muestran por tres horas una serie de Nick y pueden ser de varias cosas, se da Sábado y Domingo de 2:30 a 5:30 pm en 3 zonas latinoamericanas, se abrebia FDS.

Muestra específicamente un programa de Nick y en ocasiones especiales compilan las mejores series del canal y se deja una hora desde las 6.00 am a 7.00am donde se transmite programación de Nick, solamente se da Sábado y Domingo.

Un bloque de programación que solamente se transmite Viernes, Sábado y Domingo, desde el 4 de Agosto del 2008 se tansmite de lunes a domingo. En el se da alguna película que tenga algo que ver con el canal. Cuando comienza el programa siempre aparece un mono tocando un piano.

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Source : Wikipedia