Muddy Waters

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Publicado por grag 01/04/2009 @ 20:12

Tags : muddy waters, blues, música, cultura

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Muddy Waters

Muddy Waters en la inauguración de Peaches Records & Tapes en Rockville, Maryland

McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.

Nacido en Rolling Fork, Mississipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster).

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

Al principio



Blues

Partitura musical de Saint Louis Blues (1914)

El blues (literalmente en español azules, cuyo significado es tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll,heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.

La frase the blues hace referencia a los blue devils (espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a farce in one act (1798) de George Colman. Posteriormente, durante el siglo XIX, esta frase fue usada eufemísticamente para hacer referencia al delirium trémens y a la policía.

A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis (Ténesi) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues ) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo.

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta, los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical». Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues. El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.

La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico. El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».

Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes. Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.

Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles». Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.

Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.

El autor Ed Morales afirma que la mitología yorubá jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema Cross Road Blues del músico Robert Johnson como una «referencia finamente velada a Eleguá, la orishá encargada de los caminos». Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).

En el ejemplo anterior, fa es el acorde tónico y sib es el acorde subdominante. La mayoría del tiempo cada acorde es tocado dentro de la estructura de séptima dominante. Frecuentemente, el último acorde suele ser el turnaround dominante (en los ejemplos anteriores corresponde a la V o a do) creando la transición al principio de la siguiente progresión.

Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura instrumental; la armonía de estos compases de ruptura, el turnaround, puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas que modifican el análisis del tema por completo. El golpe final, al contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado firmemente en la séptima dominante, para proveer de tensión al siguiente verso del tema.

Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de terceras, quintas y séptimas disminuidas (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente. Estos tonos de las escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a las mismas escalas, como es el caso de la escala pentatónica menor de blues, donde las terceras reemplazan a las terceras naturales, las séptimas a las séptimas naturales y las quintas se añaden entre las cuartas y las quintas naturales. Mientras que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido utilizada durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las terceras, las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con el crushing (tocar dos notas adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y el sliding (similar a las notas de adorno).

Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la “nota de adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos, subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes, siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose ésta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la tónica (cantada por el músico o por el instrumentista principal con la quinta justa en la armonía).

Los shuffles de blues refuerzan el rítmo y el patrón de llamada y respuesta, formando un efecto repetitivo denominado groove. Los shuffles más simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock and roll o en el bepop inicial de post-guerra, consistían en un riff de tres notas de las cuerdas graves de la guitarra; el efecto groove se creaba cuando se interpretaba este riff con el bajo y la batería. Así mismo, el walking bass era otro dispositivo que permitía crear efectos groove.

El blues en el jazz difiere en gran medida del blues en otro tipo de géneros musicales (como el rock and roll, el rhythm and blues, el soul o el funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a través de los compases 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional (resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia final de acordes V-I conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más básica de ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11. A partir de este punto, la aproximación dominante (acordes ii-V) y la resolución (acorde I) pueden alterarse y sustituirse casi indefinidamente, incluyendo por ejemplo la omisión completa del acorde I (compases 9-12: ii | V | iii, iv | ii, V |). En este caso, los compases 11 y 12 funcionan como una extensión del turn-around para el siguiente coro.

El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.

En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por las compañías discográficas.

Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador afroamericano Thomas Sowell indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.

Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad. La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos.

Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine indica que «psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa».

La industria estadounidense de publicación de partituras produjo una gran cantidad de música ragtime. Hacia 1912, esta industria publicó tres composiciones asociadas al blues, precipitando la adopción de elementos de blues por parte del Tin Pan Alley: Baby Seals’ Blues de Baby F. Seals (con arreglos de Artie Matthews), Dallas Blues de Hart Wand y Memphis Blues de W. C. Handy.

Handy fue un músico, compositor y arreglista bien formado que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestándolo en casi cualquier género sinfónico, con grupos y cantantes. Se convirtió en un compositor famoso y prolífico, denominándose él mismo como el «padre del blues»; sin embargo, sus composiciones pueden definirse como una mezcla de ragtime con jazz (mezcla facilitada por el uso del ritmo latino habanera, el cual estaba presente desde hace tiempo en el ragtime). Uno de principales temas de Handy fue St. Louis Blues.

En los años veinte, el blues se convirtió en un elemento principal de la cultura afroamericana y de la música popular estadounidense, llegando incluso a la audiencia blanca a través de los arreglos de Handy y las interpretaciones de cantantes femeninas clásicas de blues. El blues evolucionó de interpretaciones informales en bares a una forma de entretenimiento en teatros. Los espectáculos de blues estaban organizados por la Theater Owners Bookers Association en clubes como el Cotton Club y en juke joints como los que se podían encontrar en la calle Beale de Memphis; debido a ésta evolución, se marcó el camino hacia una importante diversificación de estilos y a una distinción aún más clara entre el blues y el jazz. Fue en este periodo en el cual compañías discográficas, como la American Record Corporation, Okeh Records y Paramount Records, comenzaron a grabar música afroamericana.

Mientras la industria discográfica crecía, intérpretes de country blues como Charlie Patton, Leadbelly, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Son House o Blind Blake adquirieron notoriedad en las comunidades afroamericanas. Jefferson fue uno de los pocos intérpretes de country blues que llegó a grabar prolíficamente y puede que fuera el primero en grabar con la técnica de slide guitar, técnica que se convertiría en un elemento importante del delta blues. En los años veinte, las primeras grabaciones de blues se englobaron en dos categorías: un blues rural (country blues, más tradicional) y un blues más pulido y urbano.

Los intérpretes de country blues solían improvisar, unas veces sin acompañamiento y otras haciendo uso de un bajo o una guitarra. En los primeros años del siglo XX existía una gran variedad de estilos regionales en el country blues; el Misisipi Delta Blues era un estilo de profundas raíces con voces apasionadas acompañadas de guitarra slide. Robert Johnson, el cual grabó muy pocas canciones, combinó elementos tanto del blues urbano como del rural. Junto a Robert Johnson, intérpretes influyentes de este género fueron sus predecesores Charlie Patton y Son House. Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller interpretaron la «delicada y lírica» tradición sureña del Piedmont blues, estilo que utilizaba una técnica muy elaborada de tocar la guitarra sin púa. Georgia también tuvo una tradición temprana hacia los slides.

El Memphis blues, el cual se desarrolló durante los años veinte y treinta alrededor de Memphis (Tennessee), estuvo influenciado por bandas como Memphis Jug Band o Gus Cannon's Jug Stompers. Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy o Memphis Minnie (famosa esta última por su virtuosismo a la hora de tocar la guitarra) utilizaron una gran variedad de instrumentos atípicos como el mirlitón, el violín o la mandolina. El pianista Memphis Slim inició su carrera en Memphis, pero su estilo tranquilo y distintivo era mucho más suave y ya contenía algunos elementos del swing. Gran parte de los músicos blues que vivían en Memphis se trasladaron a Chicago a finales de los años treinta y principios de los años cuarenta, formando parte del movimiento de blues urbano que uniría la música country con el blues eléctrico.

Los estilos urbanos del blues estaban más codificados y elaborados. El blues clásico femenino y las cantantes blues de vaudeville, fueron famosas en los años veinte, destacando intérpretes como Mamie Smith, Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith y Victoria Spivey. Mamie Smith, la cual era más una intérprete de vaudeville que una artista del blues, fue la primera afroamericana en grabar un blues en 1920; su Crazy Blues vendió 75.000 copias en el primer mes.

Ma Rainey (denominada la Madre del Blues) y Bessie Smith cantaban «... cada canción alrededor de tonos centrales, quizás para proyectar sus voces más fácilmente hacia el fondo de la habitación». Smith «... cantaba una canción en una afinación inusual, y su calidad como artista mezclaba y estiraba las notas gracias a su bella y poderosa voz de contralto para acomodarse a la interpretación de una manera inigualable». Entre los intérpretes masculinos de blues urbano se incluían músicos negros populares del momento como Tampa Red (denominado ocasionalmente como el Mago de la Guitarra), Big Bill Broonzy y Leroy Carr, tomando este último la decisión inusual de acompañarse a sí mismo con un piano.

El boogie-woogie fue otro de los géneros importantes de blues urbano en los años treinta y principios de los años cuarenta. Mientras que el género suele asociarse con un único piano, el boogie-woogie solía interpretarse con cantantes como acompañamiento en algunas bandas de música. Este estilo estaba caracterizado por una figura en forma de bajo, un ostinato o riff y un cambio de nivel en la mano izquierda, elaborando cada acorde y creando ornamentos con la mano derecha. El boogie-woogie fue desarrollado principalmente por el músico de Chicago Jimmy Yancey y por el trío de boogie-Woogie (Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis). Los intérpretes de este género en Chicago incluían a Clarence Pine Top Smith y Earl Hines, el cual «enlazó los ritmos de la mano izquierda de los pianistas del ragtime con las figuras melódicas similares a las que interpretaba Louis Armstrong con la mano derecha».

En los años cuarenta comenzó a desarrollarse el género jump blues, el cual estuvo influenciado por la música big band, utilizando el saxofón u otros instrumentos de viento, además de la guitarra, en las secciones rítmicas para crear un sonido jazzero y desacompasado con voces claramente marcadas. Las melodías jump blues de Louis Jordan y Big Joe Turner, de Kansas City, influenciaron el desarrollo de posteriores géneros como el rock and roll y el rhythm and blues. Tanto el estilo suave de Louisiana de Professor Longhair como el más reciente de Dr. John, mezclaron el ritmo clásico con los géneros del blues.

Tras la Segunda Guerra Mundial, y en los años cincuenta, los afroamericanos se trasladaron a las ciudades del norte de Estados Unidos y nuevos géneros musicales (como el blues eléctrico), se hicieron populares en ciudades como Chicago, Detroit y Kansas City. El blues eléctrico utilizaba guitarras amplificadas eléctricamente, bajos eléctricos, baterías y armónicas. Chicago se convirtió en el centro de este género a principios de los años cincuenta.

El Chicago blues está influenciado, en gran parte, por el género del Delta Blues, debido a la migración de intérpretes desde el estado de Misisipi. Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed nacieron en Misisipi y se trasladaron a Chicago durante la Gran migración afroamericana. Su estilo estaba caracterizado por el uso de la guitarra eléctrica, la slide guitar, la armónica y una sección rítmica de bajo y batería. J. T. Brown, el cual tocó en las bandas de Elmore James o J. B. Lenoir, también utilizó saxofones, pero de forma secundaria en vez de utilizarlos como instrumentos principales.

Little Walter y Sonny Boy Williamson II, famosos armonicistas (denominados harp en el argot de los músicos de blues), pertenecen a la etapa inicial del Chicago blues. Otros armonicistas como Big Walter Horton también desempeñaron un papel importante en aquella etapa. Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de la slide guitar eléctrica. B. B. King y Freddie King, no utilizaban la slide guitar pero fueron guitarristas influyentes en el género del Chicago blues. Howlin' Wolf y Muddy Waters también eran conocidos por sus voces profundas y graves.

El bajista y compositor Willie Dixon desempeñó un papel importante en la escena del Chicago blues; compuso y escribió muchos temas de blues estándar de aquel periodo, como Hoochie Coochie Man, I Just Want to Make Love to You (ambos compuestos para Muddy Waters), Wang Dang Doodle (compuesto para Koko Taylor y Back Door Man (compuesto para Howlin' Wolf). La mayoría de los artistas del Chicago blues grabaron sus discos para el sello discográfico de Chicago Chess Records.

En los años cincuenta, el blues tenía una gran influencia en la música popular de masas de EE. UU. Mientras que músicos populares como Bo Diddley y Chuck Berry estuvieron influenciados por el Chicago blues, su estilo entusiasta a la hora de tocar se diferenciaba claramente de los aspectos melancólicos del blues. Precisamente, la forma de tocar de Diddley y Berry fue uno de los factores de influencia en la transición del blues al rock and roll. Elvis Presley y Bill Haley estuvieron más influenciados por el jump blues y el boogie-woogie, popularizando ambos el rock and roll dentro del segmento de población blanca de aquellos tiempos. El Chicago blues también influenció la música zydeco de Luisiana, en la cual Clifton Chenier utilizaba acentuaciones blues. Los músicos del género zydeco utilizaban guitarras eléctricas y arreglos cajún basados en los estándares del blues.

Otros artistas de blues, como T-Bone Walker y John Lee Hooker, no estuvieron influenciados directamente por el subgénero de Chicago. Nacido en Dallas, T-Bone Walker suele asociarse con el West Coast blues, el cual es más suave que el Chicago blues y ofrece una transición entre el Chicago blues, el jump blues y el swing, con cierta influencia en las guitarras del jazz. El blues de John Lee Hooker es más personal, basado en su voz profunda y en el único acompañamiento de una guitarra eléctrica; a pesar de no estar influenciado directamente por el boogie-woogie, el género suele denominarse guitar boogie. Su primer éxito Boogie Chillen alcanzó el número 1 en las listas de R&B en 1949.

Hacia finales de los años cincuenta, el swamp blues se desarrolló cerca de Baton Rouge, con intérpretes como Slim Harpo, Sam Myers y Jerry McCain. Este género tenía un ritmo más lento y utilizaba la armónica de forma más simplificada que las interpretaciones realizadas por artistas del Chicago blues tales como Little Walter o Muddy Waters. Algunas canciones de este género son Scratch my Back, She’s Tough y King Bee.

Al principio de los años sesenta, los géneros musicales influenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular estadounidense. Los intérpretes caucásicos habían llevado la música afroamericana a nuevas audiencias, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. En Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues estadounidense, y a lo largo de la década el blues inglés desempeñó un importante papel de recuperación de cantantes afroamericanos al llevarlos a Europa y reinterpretar sus temas clásicos.

Bluesmen como John Lee Hooker y Muddy Waters siguieron tocando para sus admiradores entusiastas e inspirando a nuevos artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido en Nueva York, Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con elementos del rock y empezó a tocar con jóvenes músicos blancos, creando un género musical que puede escucharse en el disco de 1971 Endless Boogie. La técnica virtuosa de B. B. King le valió el apodo de Rey del Blues. A diferencia del subgénero de Chicago, la banda de King utilizaba soporte de viento (en forma de saxofón, trompeta y trombón), en vez de utilizar únicamente la slide guitar y la armónica. El cantante de Tennessee, Bobby 'Blue' Bland, al igual que B. B. King, también mezcló los géneros musicales del blues y del rhythm and blues.

El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante los años sesenta se incrementó debido al movimiento liderado por el grupo Paul Butterfield Blues Band y por el blues británico (British Blues). Este género, promovido principalmente por Alexis Korner, se desarrolló en Reino Unido, donde grupos como Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, The Rolling Stones, The Yardbirds y Cream interpretaron canciones clásicas de blues de los subgéneros Delta blues y Chicago blues.

Los músicos británicos de blues de principios de los años sesenta inspiraron, a su vez, a un número de intérpretes estadounidenses de blues-rock, incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del grupo británico Led Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales de blues. Un intérprete de blues-rock, Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por aquellos tiempos: un negro que tocaba 'rock psicodélico'; Hendrix fue un guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback' en su música. A través de éstos y de otros artistas, la música blues influenció el desarrollo de la música rock.

A finales de los años sesenta, el West Coast blues emergió en Chicago con Magic Sam, Magic Slim y Otis Rush; su principal característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una guitarra rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y Luther Allison fueron componentes de este género, el cual estaba dominado por una guitarra eléctrica principal amplificada.

Desde los años ochenta se ha experimentado un resurgir en el interés por el blues por parte de cierto sector de la población afroamericana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones del 'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño, tuvo un éxito inesperado gracias a dos grabaciones del sello discográfico Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill Down Home Blues (1982) y el tema de Little Milton The Blues is Alright (1984). Entre los intérpretes afroamericanos contemporáneos que trabajaron por este resurgir puede nombrarse a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy Soul Bonds, T. K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La red de cadenas de radio de blues de EE. UU., fundada por Rip Daniels (un ciudadano negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó con la presencia de personalidades de la radio como Duane DDT Tanner y Nikki deMarks.

Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma tradicional como dando paso a nuevos géneros. El Texas blues nació con la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en solitario. A diferencia del West Coast blues, el género tejano está influenciado principalmente por el movimiento rock-blues británico. Artistas de renombre del Texas blues son Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, The Fabulous Thunderbirds y ZZ Top. Los años ochenta también vieron el renacer de la popularidad de John Lee Hooker, realizando colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis, Robert Cray y Bonnie Raitt, entre otros. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los Blues Breakers y Cream, grabó en los años noventa su disco MTV Unplugged, en el cual interpretó varios temas blues con una guitarra acústica. Desde entonces ha rendido tributo a este estilo con discos que pueden considerarse totalmente de blues, como From the Cradle o Me and Mr. Johnson, y que han acercado el género al gran público.

En los años ochenta y noventa comenzaron a distribuirse publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, formándose asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al aire libre y aumentando el número de clubes nocturnos y edificios asociados al blues.

En los años noventa, los intérpretes de blues exploraron un amplio rango de géneros musicales, como puede verse en las nominaciones para los premios anuales Blues Music Awards, denominados con anterioridad W. C. Handy Awards, o en las nominaciones para los premios Grammy en las categorías de Mejor disco de blues contemporáneo y Mejor disco de blues tradicional. La música blues contemporánea está representada por varios sellos discográficos como Alligator Records, Blind Pig Records, MCA, Delmark Records, Delta Groove Music, NorthernBlues Music y Vanguard Records, siendo algunos de los más famosos por haber redescubierto y remasterizado rarezas del blues Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings, Yazoo Records y Document Records.

Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos los aspectos de este género musical, desde el clásico Delta blues hasta el blues más orientado al rock; artistas que nacieron a partir de los años setenta como Shemekia Copeland, Jonny Lang, Corey Harris, John Mayer, Vargas Blues Band, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars han desarrollado sus propios estilos.

Los géneros musicales del blues, sus estructuras, melodías y la escala blues han influenciado a muchos otros géneros musicales como el rock and roll, jazz y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Bob Dylan y The White Stripes tienen en su haber varias grabaciones importantes de blues. La escala blues suele utilizarse en canciones populares como la del músico Harold Arlen Blues in the Night, baladas blues como Since I Fell for You y Please Send Me Someone to Love e incluso en trabajos de orquesta como las obras de George Gershwin Rhapsody in Blue y Concerto en fa.

La escala blues está presente en gran parte de la música popular moderna, especialmente la progresión de terceras utilizada en la música rock (por ejemplo en el tema A Hard Day’s Night de The Beatles). Las estructuras blues se utilizan en cabeceras de series de televisión como el éxito Turn Me Loose del teen idol Fabian en la serie Batman, en temas country como los interpretados por Jimmie Rodgers e incluso en temas famosos de guitarristas o vocalistas como el de Tracy Chapman Give Me One Reason.

El blues puede bailarse como un tipo de swing, sin patrones fijos de movimiento y centrándose en la sensualidad, el contacto corporal y la improvisación. La mayoría de los movimientos de baile del blues están inspirados en la música blues tradicional. A pesar de que el baile de blues suele realizarse con temas blues, éste puede realizarse con cualquier música que tenga un ritmo lento de 4/4.

El origen del rhythm and blues puede seguirse hasta los espirituales y el blues. Musicalmente, los espirituales fueron descendientes de la tradición coral de Nueva Inglaterra, en particular de los himnos de Isaac Watts y la mezcla de ritmos africanos junto con patrones musicales de llamada y respuesta. Los espirituales, o cánticos religiosos, de las comunidades afroamericanas, están más y mejor documentados que los blues low-down (o blues depresivos). El canto espiritual se desarrolló debido a que las comunidades afroamericanas podían llegar así a reunir a más personas en sus reuniones, las cuales eran denominadas encuentros en el campo.

Los primeros bluesmen country, además de estar influenciados por el canto espiritual, intepretaron música country y blues urbano; algunos de estos músicos inclúyen a Skip James, Charlie Patton y Georgia Tom Dorsey. Dorsey ayudó a popularizar la música gospel, género que se desarrolló en los años treinta gracias al grupo Golden Gate Quartet. En los años cincuenta, la música soul (con artistas como Sam Cooke, Ray Charles y James Brown) ya utilizaba elementos del gospel y del blues. En los años sesenta y setenta, el gospel y el blues se fusionaron en la música soul blues. El género funk de los años setenta tuvo grandes influencias del soul; así mismo, el funk puede considerarse como el antecesor del hip hop y del rhythm and blues contemporáneo.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, las fronteras entre el jazz y el blues no estaban claras. Generalmente, el jazz utilizaba estructuras armónicas distintas a la estructura de doce compases asociada al blues, sin embargo, el subgénero jump blues de los años cuarenta juntó ambos géneros. Tras la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una gran influencia en el jazz: clásicos del bebop, como el tema de Charlie Parker Now's the Time, utilizaron las estructuras blues con la escala pentatónica y las notas blues.

El bebop marcó un gran cambio en el papel del jazz, convirtiéndolo de un género musical popular para bailar a un «alto grado», «menos accesible y cerebral música para los músicos». La audiencia para ambos géneros, jazz y blues, se dividió y la distinción entre ambos géneros quedó claramente definida. Los artistas que se mueven entre la frontera del jazz y el blues se engloban dentro del subgénero denominado jazz blues.

La estructura de doce compases y la escala blues fueron una gran influencia para el rock and roll. Un claro ejemplo de ello es el tema de Elvis Presley Hound Dog (un tema blues transformado en una canción rock and roll), el cual mantiene una estructura de doce compases (tanto en armonía como en letra) y una melodía centrada en la tercera de la tónica (además de en la séptima de la subdominante).

Posteriormente, un rock blanco más maduro, tomó prestada la estructura y las armonías del blues, a pesar de haber menos franqueza sexual y una pobre creatividad armónica (por ejemplo el tema de Bill Haley Rock Around the Clock). Gran parte de los músicos blancos que tocaron temas de artistas negros cambiaban ciertas palabras de las letras: un ejemplo corresponde al cambio que introdujo Pat Boone, en su interpretación del tema Tutti Frutti, modificando la letra original («Tutti frutti, loose booty... a wop bop a lu bop, a good Goddamn») por una versión más moderada.

Al igual que el jazz, el rock and roll, el heavy metal y el hip hop, el blues ha sido acusado de ser la «música del diablo» y de incitar a la violencia y a todo tipo de comportamientos delictivos. Durante los años veinte (periodo en el cual la audiencia blanca comenzó a interesarse por la música blues) este género gozaba de mala reputación, siendo W. C. Handy el primer músico en mejorar la imagen del blues ante el resto de los estadounidenses que no eran negros.

Hoy en día, el blues es uno de los principales componentes de la cultura afroamericana y de la herencia cultural estadounidense en general, reflejándose dicha importancia no sólo en estudios universitarios sino también en películas como Sounder, The Blues Brothers, Crossroads y O Brother, Where Art Thou? (película en la que aparece caracterizado, con ciertas licencias, el guitarrista de blues Robert Johnson). Las películas de The Blues Brothers, en las cuales se entremezclan varios géneros musicales relacionados con el blues como el rhythm & blues o el zydeco, han tenido un gran impacto en la imagen de la música blues (a pesar de que la música de la película más famosa, la primera, es principalmente rhythm and blues); así mismo, dichas películas promocionaron la canción de blues tradicional Sweet Home Chicago, valiéndose de la versión más conocida atribuida a Robert Johnson, al estatus de himno no oficial de la ciudad de Chicago.

En el año 2003, Martin Scorsese realizó un esfuerzo importante para promocionar el blues, solicitando a directores de cine famosos, como Clint Eastwood y Wim Wenders, que participaran en una serie de películas denominadas The Blues. Scorsese también participó en un tributo a los artistas más importantes del blues a través de la edición de varios discos compactos de música.

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Chuck Berry

Charles Edward Anderson "Chuck" Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926) es un influyente compositor, intérprete y guitarrista afroamericano de Rock and Roll de los Estados Unidos.

Es una figura influyente y uno de los pioneros del Rock and Roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Nat King Cole, "Johnny B. Goode", y "Maybelline".

Ganó un Grammy en 1984. En 1989 publicó su autobiografía.

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Summer High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Mississipi, en la que también estudiaría Tina Turner.

Berry había estado tocando blues desde su adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.

En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybelene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.

Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.

Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.

Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.

Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.

El documental Hail! Hail! Rock 'n Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.

Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.

Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock.

Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard, Mike Laure, y Buddy Holly.

Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You can't catch me" para su canción "Come together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry.

Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybellene" (1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll.

La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.

El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella".

Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B".

Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records.

A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas del blues, del country y del rock and roll.

En la película "Regreso al Futuro" (Back to the Future, 1985), dirigida por Robert Zemeckis, producida por Steven Spielberg y protagonizada por Michael J. Fox y Christopher Lloyd, se hace una referencia bastante directa a Chuck Berry. En la escena del baile "Encanto bajo el Océano", el personaje de M. J. Fox, Marty McFly, toca una canción considerada como un clásico del rock de los 50's, Johnny B. Goode. Durante la ejecución de la pieza, uno de los músicos de la banda, llamado Marvin Berry, llama por teléfono a su primo para que escuche, a través del auricular, la pieza de rock & roll que se está tocando en vivo durante el baile. Le dice "¿Chuck? Soy tu primo, Berry, Marvin Berry. ¿Recuerdas ese ritmo que habías estado buscando? ¡Escucha esto!", mientras sostiene el auricular con la mano, apuntando hacia el escenario. De esta escena se infiere que fue Marty McFly quien inspiró a Chuck Berry para componer los ritmos siguientes de sus piezas de rock, y eventualmente, Johnny B. Goode, jugando también con el sentido que la película imprime al concepto de los actos y consecuencias a través del viaje en el tiempo.

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The Rolling Stones

Stevie Wonder estuvo como telonero de The Rolling Stones durante el STP Tour, esto aumentó su popularidad entre los oyentes de música rock. En ocasiones el cantante y su banda acompañaban a los roqueros británicos a cerrar sus conciertos combinando su éxito "Uptight (Everything's Alright)" con el clásico de los Stones "(I Can't Get No) Satisfaction."

The Rolling Stones es una banda británica de rock que basa sus composiciones en el rock and roll, blues y rhythm and blues que junto a The Beatles, con los que siempre rivalizó en popularidad, sirvió como punta de lanza de la llamada invasión británica que se produjo en los primeros años de la década de 1960.

La banda fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el pianista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman. El pianista sería retirado de la alineación titular en 1963 por su mánager Andrew Loog Oldham aunque siguió colaborando con la banda como manager de giras y teclista hasta el momento de su muerte en 1985. Jones fue despedido de la agrupación en 1969 (poco después de ello falleció) y fue reemplazado por ex guitarrista de John Mayall's Bluesbreakers Mick Taylor, que desde mediados de la década de los 70s es relevado por el ex-Faces Ron Wood. Bill Wyman decidió retirarse de la agrupación en 1993 y fue sustituido unos meses más tarde por Darryl Jones, aunque no es miembro oficial de la agrupación.

Sus primeras producciones incluían versiones y composiciones influenciadas en el blues, rock and roll y R&B norteamericano de Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley y Muddy Waters. Mientras fue avanzando su carrera le adicionaron toques de los géneros dominantes del momento como en su tiempo lo fueron la música psicodélica, el country, la música disco, el reggae y la música electrónica. A principios de los años 60s eran conocidos pero el lanzamiento de su sencillo "(I Can't Get No) Satisfaction" en 1965 los lanzó al estrellato internacional y los estableció como una de las bandas más populares en la escena musical de su época. Algunas de sus producciones están consideradas entre las mejores de todos los tiempos por la crítica, entre los que destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y su considerada obra máxima Exile on Main St. (1972). Son conocidos popularmente como sus satánicas majestades, debido a su álbum Their Satanic Majesties Request de 1967, y desde su gira por los Estados Unidos en 1969 se autodenominaron "The Greatest Rock and Roll Band in the World" ("La banda de Rock and Roll más grande del mundo"), una etiqueta que aun les perdura. Su imagen de "chicos malos" es una de las que todavía imitan los aspirantes a estrellas de rock.

A lo largo de su trayectoria han editado un total de 59 materiales discográficos (entre álbumes de estudio, compilaciones y discos en vivo), puesto 32 sencillos en los top-10 de Reino Unido y los Estados Unidos y vendido un estimado de entre 200 millones y 240 millones de discos alrededor del mundo. En 1989, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 puestos en el cuarto lugar por la popular revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Son considerados una de las más grandes e influyentes bandas de la historia del rock junto a otras como Pink Floyd, Led Zeppelin, Queen o The Who. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones, a pesar de que algunos de sus contemporáneos de mediados de los 1960s - como Bob Dylan, Paul McCartney o Eric Clapton - todavía mantienen un puesto clave al frente de este género, la asociación formada por Jagger, Richards y Watts (únicos miembros fundadores en la banda) continúa siendo la más larga en la historia del rock.

El guitarrista Keith Richards y el cantante Mick Jagger fueron compañeros de escuela primaria en la Wentworth Primary School del distrito de Dartford, condado de Kent, Inglaterra, después de que Richards se mudó perdieron contacto. No fue sino hasta 1960 cuando se reencontraron en una estación de metro de Londres, mientras Richards asistía al Sidcup Art College y Jagger a la London School of Economics. Richards quedó impresionado con la colección de LPs que Mick traía - Chuck Berry, Little Walter y Muddy Waters - y reiniciaron su amistad. Pronto descubrieron que tenía un amigo mutuo, el bajista Dick Taylor, y con él formaron el grupo aficionado Little Boy Blue and the Blue Boys. El grupo solía enviarle demos a Alexis Korner, que al escucharlos no tardó en incorporarlos a su grupo Blues Incorporated. Brian Jones llegó a la capital inglesa a inicios de 1961 y comenzó a asistir regularmente a las presentaciones de Blues Inc. en el Ealing Jazz Club. Jones quería formar una banda de R&B así que puso un anuncio en el semanario Jazz News al cual respondieron Geoff Bradford y el pianista Ian Stewart. Una noche, apoyado por Alexis, Jones se presentó en solitario en el Ealing bajo el nombre de "Elmo Lewis" a principios de 1962. Taylor, Jagger y Richards se encontraban entre el público y Keith quedó impresionado con el joven y rubio guitarriasta. Al final de la presentación Keith y Mick subieron al escenario para hablar con él, le preguntaron si quería unirse a ellos - Blues Inc. - y accedió, Bradford y Stewart también aceptaron. Los tres - Jagger, Richards y Jones - se pasaron a vivir al barrio de Edith Grove, donde pasaron diversas penurias por la falta de dinero aunque durante un tiempo Jagger les ayudó a la manutención de su departamento por medio de la beca que la universidad le otorgaba.

En la primavera de 1962 Bradford abandonó a Blues Inc. y poco después el propio líder del grupo, Alexis Korner, también se desvinculó de la agrupación para empezar a trabajar en solitario como productor. Tiempo después adquieren los servicios de Tony Chapman (aunque algunos sostienen que era Mick Avory, futuro miembro de Kinks), y realizan su primera presentación como grupo el 12 de julio de 1962 en el Marquee Club de Londres. Esta formación no duró demasiado, Chapman los dejó al no poder compatibilizarlo con su trabajo (comerciante) al igual que Taylor tras una desastroza presentación en Watford, aunque después fundó Pretty Things. Cuando Taylor los abandonó Brian Jones le cambió el nombre a la agrupación por el de The Rolling Stones, después de que escuchara la canción "Rollin' Stone" del músico estadounidense de blues Muddy Waters. El nombre de la banda, que traducido literalmente sería algo así como «Los Cantos Rodados» o «Las Piedras Rodantes» y cuyo equivalente más próximo en castellano sería «Las balas perdidas», es una expresión que se usa coloquialmente en inglés para designar a personas descarriadas, desarraigadas o que no tienen un hogar fijo. Más adelante se incorporarían a la banda el bajista Bill Wyman, único elemento del grupo con una verdadera educación musical y que se rumoraba que fue aceptado sólo porque tenía un amplificador al que Richards y Jones podrían conectar sus guitarras, en reemplazo de Dick Taylor en diciembre de ese año y el baterista Charlie Watts, que gozaba de cierto reconocimiento en el jazz y que incluso ya había hecho giras por Europa aunque irónicamente se unió al grupo cuando él aborrecía el rock 'n' roll y el blues, reemplazando a Chapman en enero de 1963.

Un empresario local, Giorgio Gomelsky, reservó a la banda durante ocho meses para que tocara en el Crawdaddy Club y de esta forma el se conviertió en el "primer" manager de la banda. En este lugar comenzaron a ganar una gran base de fanáticos, entre los que se incluyeron su futura competencia, el cuarteto británico The Beatles. El cuarteto los recomendó con su publicista Andrew Loog Oldham, que rápidamente firmó la banda junto con amigo Eric Easton para convertirse en los representantes del grupo, tras disfrutarlos en concierto en la localidad de Richmond. Gromelsky, con el que no tenían ningún acuerdo por escrito con la banda, no fue consultado. Más adelante el Beatle George Harrison persuadió a Dick Rowe de la Decca Records (quien anteriormente había rechazado a The Beatles) para que firmara a los Stones, y el 28 de abril firman su primer contrato musical. A menos de un mes de su fichaje, 10 de mayo, el quinteto inició grabaciones en los Estudios Olimpic de Londres. Oldham quitó a Stewart de la formación porque no lo veía como un teen Idol, así que Andrew le dijo al grupo que serían mucho más populares si no lo incluían en la alineación, a pesar de ello Stewart se quedó como ayudante en las giras, tocando el piano en las presentaciones del grupo y grabando con los Stones hasta su muerte. También le dijo a Richards que se quitara la "s" de su apellido para que sonara mejor: "Keith Richard", emparejandolo con el apellido de Cliff Richard, una estrella del pop británico de la época. De sus primeras de sesiones de grabación salió el 7 de junio de 1963 su primer sencillo "Come On", una canción original del cantautor estadounidense de rock and roll Chuck Berry, acompañado de "I Want to Be Loved" en la cara-B, escrita por Willie Dixon para el músico estadounidense de blues Muddy Waters, con un poco impacto comercial en el Reino Unido al alcanzar la posición 21 en las listas de éxitos. Para promocionar este primer sencillo emprendieron su primera gira nacional al lado de Bo Diddley, Little Richard y The Everly Brothers. Andrew Loog Oldham, pensando en la manera de impulsar la carrera de grupo le pidió a John Lennon y Paul McCartney de The Beatles que le compusieran una canción a los stones, ellos accedieron y en cinco minutos les escribieron "I Wanna Be Your Man." Es fue grabada en septiembre y lanzada como segundo sencillo en noviembre de ese año junto con su primera composición original "Stoned" (acreditada a Nanker Phelge) en la cara-B después de descartar su versión de "Fortune Teller", original de Benny Spellman, para acompañar a "I Wanna Be Your Man." Con su segundo sencillo la banda entró hasta el top-ten británico y ganaron gran notoriedad, aunque comenzaron a llamar más la atención por su aspecto desaseado y su cabello largo más que por la música que interpretaban.

Su primer EP, The Rolling Stones fue lanzado el 17 de enero de 1964 y estaba compuesto principalmente de actuaciones en directo. Para promocionar su primer álbum de estudio sale en febrero su sencillo "Not Fade Away", original de Buddy Holly, con "Little by Little" en el lado-B para Gran Bretaña y para Norteamérica "I Wanna Be Your Man"; esta canción se convirtió en el primer gran éxito comercial de la banda en la isla británica llegando al puesto 3 de las listas de popularidad británicas y al número 20 en las norteamericanas. El 17 de abril apareció su primer álbum de estudio The Rolling Stones o también conocido como England's Newest Hitmakers en EE. UU., este disco lleno de versiones - como "Route 66" de Nat King Cole, "Mona" de Bo Diddley y "Carol" de Chuck Berry - se mantuvo en el puesto #1 de las listas de Inglaterra durante doce semanas y llegó al lugar #11 en los Estados Unidos. Después de terminado el disco, fueron animados por Oldham para emprender una gira por Europa - con cuatro presentaciones en Inglaterrra acompañados por el grupo femenino The Ronettes y una en los Países Bajos- y los Estados Unidos, la que era su primera visita al nuevo continente. A medida que su popularidad crecía también crecía la polémica que desataron en la sociedad inglesa de ese tiempo a causa del aspecto de "desaliñados" que tenían y la "manera obscena" en la que interpretaban sus canciones, por esos días iniciaron también las comparaciones y rivalidades con los chicos de Liverpool. Toda esta situación se debió a la imagen de vándalos desaliñados, melenudos y desafiantes que les dio su manager para dar "una imagen totalmente opuesta a la que los Beatles estaban dando en aquella época" y así la competencia directa de estos. A pesar de toda esta polémica desatada, en septiempre son nombrados "Banda del Año" por la revista inglesa Melody Maker, y su sencillo "Not Fade Away" como "Canción del Año." Emprenden su primera gira por los Estados Unidos en junio de 1964, siguiendo el ejemplo de los Beatles que hacía unos meses atrás habían sido un éxito en aquel país. Tuvieron apariciones en los mejores programas de variedades de la época como el de Dean Martin, The Hollywood Palace, en el cual su nombre y aspecto fue motivo de mofa por parte del presentador. Aún cuando se presentaron en estos programas la gira no tuvo el impacto deseado, en palabras del bajista Bil Wyman "Tocamos en estadios para diez mil personas y sólo había 300." A pesar de ello, se dieron tiempo para grabar su siguiente EP en junio en los estudios de Chess Records de Chicago y los RCA Records de Los Ángeles. Durante la gira del grupo por América y mientras grababan en Chicago y Los Ángeles editaron "Tell Me (You're Coming Back)" sólo para Estados Unidos acompañado de su versión de "I Just Wanna Make Love to You" de Willie Dixon como lado-B, este alcanzó el puesto 24 del Billboard Hot 100. A finales de ese mismo mes sale en Inglaterra su nuevo corte "It's All Over Now", grabado en los estudios de la Chess Records y liberado a sugerencia de Murray the K, que entró rapidamente a las listas de popularidad y les otorgó su primer éxito número uno en su país, un mes más tarde fue liberado en Norteamérica para colocarse en el lugar 26 de las listas. Five By Five, su EP grabado en los Estados Unidos, se lanzó el 14 de agosto de ese año sólo para el Reino Unido alcanzando el tope de las listas de los EPs más vendidos. En contraste para el mercado estadounidense se puso a la venta el 17 de octubre el disco 12 x 5, que contenía las mismas cinco canciones del Five By Five además de otras siete, este se convirtió en un éxito inmediato superando a su antecesor al colocarse en el puesto número tres del Billboard 200 y certificarse disco de oro en Norteamérica. El 25 del mismo mes se presentaron en The Ed Sullivan Show con motivo de su gira norteamericana, al día siguiente Ed Sullivan recibió cientos de cartas de padres exigiendo que el grupo no se volviera a presentar nunca en el programa, él prometió que jamás los invitaría de nuevo, cosa que no cumplió y se presentaron en reitaradas ocasiones durante sus visitas por Estados Unidos. El 13 de noviembre ponen a circular "Little Red Rooster", escrita por Dixon y popularizada por Howlin' Wolf hacía un par de años atrás, en ambos países y para diciembre vuelven a alcanzar el tope de las listas británicas por segunda ocasión consecutiva, en contraste esta fue boicoteada por las radiodifusoras estadounidenses por su contenido explicitamente sexual. Como su último corte del año lanzan "Heart of Stone" el 19 de diciembre, grabado en los estudios de la RCA, que tuvo buena aceptación por parte de los radioescuchas estadounidenses ubicándola en la 19a canción más escuchada.

El segundo material de la banda - tercero en los Estados Unidos por el lanzamiento de 12 x 5 - se tituló The Rolling Stones No.2, conocido como The Rolling Stones, Now! en los Estados Unidos, salió a la venta el 15 de enero (13 de febrero en Norteamérica) de 1965 luego de ser grabado esporádicamente entre enero y noviembre del año pasado. Al igual que su disco anterior, contenía principalmente versiones pero con el añadido algunas composiciones del dúo conformado por Jagger y Richards, también destacan tres temas en directo extraídos de su discreto concierto en Benavente. Las dos versiones tenían siete canciones en común, a la versión británica le adicionaron cuatro composiciones del 12 x 5 y la versión de "I Can't Be Satisfied" de Muddy Waters, en cambio la versión americana contenía sus dos sencillos anteriores, dos canciones inéditas y "Mona (I Need You Baby)" de Bo Diddley, que se había incluido en la versión británica de su disco debút. Tuvo gran éxito en ambos continentes llegando a la primera posición de los disco más vendidos en Gran Bretaña y entre los cinco más vendidos en los Estados Unidos alcanzando de nuevo a certificarse disco de oro en América. Llegado el 26 de febrero de 1965 liberan su primer corte del año, "The Last Time", en Inglaterra. Este fue otro gran éxito y la banda alcanzó el puesto número uno nuevamente, para el mercado norteamericano fue editado el 13 de marzo con éxito llegando al puesto número 9, su posición más alta hasta ese momento. "Play with Fire", que figuró como el lado-B de "The Last Time", también entró en las listas de popularidad del Billboard pero ocupando un discreto lugar 96. Para mediados de año ponen en circulación, 6 de junio en Estados Unidos y 20 de agosto en Reino Unido, un nuevo corte promocional para su anunciada próxima producción discográfica: "(I Can't Get No) Satisfaction." Este se convirtió en un éxito inmediato alcanzando los primeros puestos de las listas de toda Europa y el tope en el Billboard Hot 100 de Norteamérica (encabezando la lista por cuatro semanas consecutivas), que significó su primer #1 en las listas del Nuevo mundo. Este sencillo que se fue su primer número uno a nivel global, llevó a los británicos al superestrellato y los estableció como una de las agrupaciones más populares del momento. Al final del año acabó siendo una de las canciones más escuchadas y se acreditó disco de oro por sus ventas de sencillos, hasta la fecha es el sencillo más exitoso de The Rolling Stones con ventas superiores a los dos millones de copias sólo en los Estados Unidos, y más de cinco millones alrededor del mundo. El 11 de junio ponen fin a su lanzamiento de EPs con la salida de Got Live If You Want It!, su tercer y último EP, este, la primera producción en vivo de la banda, atestigua sus presentaciones en Manchester y Liverpool en marzo de ese año. Este volvió a anotarle otro número uno a los stones pese a esto nunca fue lanzado en Norteamérica, algunas de las canciones fueron incluidas en sus dos posteriores producciones americanas. Siguiéndole al gran éxito de su corte el 11 de julio ponen a la venta en los Estados Unidos (24 de septiembre en Gran Bretaña) Out of Our Heads, que fue producto de las grabaciones en los estudios RCA a principios de año. En este material, producido por el propio Oldham, aparecieron varias composiciones de la autoría de Jagger y Richards, lo que significó un avance al probarse a ellos mismos que eran capaces de escribir sus propias canciones, aunque mantenían su base R&B/blues. Sólo la versión americana incluyó "Satisfaction," lo que le valió anotarse su primer álbum número uno en América, aunque en la isla británica fue relegado a la segunda posición. Este tuvo gran aceptación y le dio a estos británicos su primer disco de platino en la Unión Americana. Para el 25 de septiembre salió otro sencillo, "Get Off of My Cloud" volvió a poner a los stones en las cimas de las listas de popularidad de todo el mundo y obtuvieron por segunda vez consecutiva otro número uno a nivel internacional. Este fue lanzado para promocionar su quinto trabajo de estudio, sólo disponible para Norteamérica, December's Children. Este alcanzó el puesto 4 en las listas y se volvió disco de oro. A propuesta de Oldham, Jagger y Richards se convirtieron a partir de entonces en los compositores del grupo, de este modo Out of Our Heads y December's Children fueron los últimos álbumes en los que predominarían las versiones de otros artistas. A finales de octubre emprenden su cuarta gira por Norteamérica y Canadá, que concluye hasta principios de diciembre, terminada vuelven a los estudios de la RCA de Hollywood para grabar su nuevo Lp. El 18 de noviembre ponen a la venta en América un último promocional, "As Tears Go By", con "Gotta Get Away" en la cara-B, este llegó al número 6 en las listas del Billboard. La primera es una canción original de Jagger y Richards pero lanzada primeramente por Marianne Faithfull en junio de 1964.

Hacia el 4 de febrero de 1966 sale "19th Nervous Breakdown" con "As Tears Go By" como la cara-B en Reino Unido y "Sad Day" en los Estados Unidos. Gozó de mucha popularidad y llegó al #2 en el Billboard Hot 100 de América y el mismo puesto en su homólogo inglés, más logró permanecer en el #1 de la New Musical Express durante tres semanas consecutivas. El 7 de mayo pusieron un nuevo sencillo en el mercado norteamericano, "Paint It Black" se convirtió en un gran éxito llegando al tope de las listas. Una semana más tarde salió para Inglaterra y tuvo una popularidad similar al colarse al número uno, con este consiguieron su tercer hit número uno a nivel nivel mundial. El 15 de abril hizo su debút el Aftermath en la Gran Bretaña, con casi dos meses de anticipación a su edición americana editada hasta el 20 de junio. Al igual que en sus materiales anteriores, había varias diferencias entre las dos versiones, principalmente en la exclusión en la versión inglesa de "Paint It Black." Este marcó el inicio de la sociedad Jagger-Richards como los principales compositores de los Stones y el liderazgo de la banda por parte de Jones pasó ahora a manos de esta pareja de compositores, debido al constante aislamiento de Jones. Aunque el disco tuvo mucho éxito al lograr otro número uno en su país y el dos en EE. UU., y a la postre se ganó otro disco de platino, su impacto fue minimizado por el lanzamiento simultaneo del Revolver de The Beatles y del Blonde on Blonde de Bob Dylan. Para promocionar este disco realizaron su quinta gira norteamericana a mediados de año, durante la misma más de catorce hoteles le negaron la estancia a los stones, sólo dándole aún más publicidad a la banda. Mientras estaban de gira se lanzó "Mother's Little Helper" con "Lady Jane" en el lado-B en Estados Unidos, la primera abría la versión inglesa del Aftermath pero no incluida en la versión americana. La letra causó gran polémica en Inglaterra por el mordiente retrato que se muestra de la familia inglesa llevándolos a recibir insultos de un diputado de la Cámara de los Comunes. La canción triunfó en América estableciéndose el puesto 8 del Billboard Hot 100. El 23 de septiembre emprenden una gira por toda Inglaterra con Ike & Tina Turner y The Yardbirds, al inicio de esta lanzan "Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadow?", con la inédita "Who's Driving Your Plane?" como extra. El nuevo corte entró al top-5 de su país, al 9 de la Unión Americana y se posicionó en la mayoría de los top-ten de toda Europa dándole otro buen reconocimiento a la banda al haber superando lo realizado con "Mother's Little Helper", pero no igualó a "Paint It Black." Se incluyó en el Big Hits (High Tide and Green Grass), su primer álbum compilatorio. El compilatorio había salido desde el 28 de marzo en Estados Unidos teniendo buena aceptación al posicionarse entre los tres más vendidos y ganar dos discos de platino. Para noviembre comienzan a grabar en los estudios Olympic de Londres lo que será su nuevo material de estudio.

El 20 de enero de 1967 editan Between the Buttons, grabado durante noviembre y diciembre del año pasado. La versión americana incluía el sencillo doble "Let's Spend The Night Together"/"Ruby Tuesday", esta fue lanzado al mismo tiempo que Between con gran éxito pese a que la primera fue censurada durante sus interpretaciones en TV alegando que la letra habla de manera demasiado explícita de las relaciones sexuales, esto se observó durante su presentación en Ed Sullivan Show, durante su interpretación el presentador hizo a Jagger mascullar el coro de "Let's Spend The Night Together" para evitar problemas con el público. A principios de febrero el periódico británico The News of the World acusó a Mick Jagger de consumir LSD, una semana más tarde Jagger y Richards fueron arrestados y encarcelados por posesión de drogas. El incidente marcó el principio de una serie de encuentros delictivos de ambos músicos con la policía, relacionados todos ellos con las drogas. En mayo de 1967, antes de la sesión de ensayo, el guitarrista Brian Jones fue arrestado por posesión de cocaína y de metanfetaminas, el músico se libró de los cargos con sólo una multa y salió bajo libertad condicional, además fue obligado a asistir a terapias para solucionar su adicción. Between the Buttons marcó el final de la relación Rolling Stones-Oldham, tanto como productor, como de manager. En una entrevista hecha por la Rolling Stone en 2003, Jagger habló sobre la salida de Oldham, y dijo que la razón por la que él los dejó fue porque "no se concentraban en la música y se 'comportaban como niños'", aunque en la biografía de Oldham menciona más bien "problemas monetarios." En junio Mick Jagger es sentenciado a tres meses de prisión mientras que Keith Richards a un año, aunque con las constantes protestas de sus fanáticos que pedían su liberación el Tribunal de Apelación de la Corte Suprema de Londres anuló las condenas a ambos y los puso en libertad el 31 de julio. La banda lanzó una nueva canción en agosto, "We Love You" y con "Dandelion" en la cara-B, oficialmente a motivo de agradecimiento para sus fans por su lealtad mostrada durante su periodo en prisión, aunque también fue visto como un ataque hacia el periódico The News of the World, la policía y algunos miembros de la judicatura británica. La grabación contó con la colaboración vocal de John Lennon y Paul McCartney de The Beatles. Durante la mayor parte del año trabajaron en un nuevo álbum de estudio, en esta producción la banda pretendió incursionar en el rock psicodélico y con ello Jagger vio una oportunidad de contrarrestar el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles había lanzado a mediados del mismo año. El disco llegó a las disquerías a principios de diciembre con el nombre de Their Satanic Majesties Request, este se presentó en una época difícil para la banda cuando varios de sus miembros atravesaban problemas con la ley y era reciente la partida de Loog Oldham, lo que puede ser apreciado en el sencillo "In Another Land" (EE. UU. #87) - lanzado pocos días antes de la salida del álbum - que fue escrita, compuesta e interpretada por el bajista Bill Wyman ante la ausencia de Jagger y Richards. El disco no resultó muy productivo, no vendió tanto como sus anteriores grabaciones, y les trajo problemas con el público y la crítica porque no representaba el verdadero sonido de la banda. La portada se parecía bastante al de su competidor Sgt. Pepper, lo que les acarreó aún muchos más problemas, fueron acusados, incluyendo Lennon y McCartney, de intentar copiar a sus rivales de Liverpool. Además, las primeras 25.000 copias tenían un holograma, lo que aumentó aun más el precio del álbum y dificultó su venta. Tiempo después el disco fue olvidado por la banda y considerado como el fracaso más grande en la carrera de The Rolling Stones. En los últimos días de año lanzan como último corte de este disco "She's a Rainbow" que tuvo cierto éxito comercial logrando colarse entre las cuarenta canciones más populares.

Desilusionados por el fracaso de su disco anterior, las relaciones entre los Stones se deterioraban cada vez más, especialmente entre Jones y Richards. A principios de 1968 comenzaron a compilar canciones para su siguiente material discográfico y tiempo después presentaron a Allen Klein como su nuevo manager. Klein era el contador de la banda, pero cuando Andrew los dejó, se volvió su manager a manera de agradecimiento tras haberles conseguido con su disquera, Decca Records, grandes adelantos monetarios y un porcentaje de ventas superior al que disfrutaban anteriormente. De estas sesiones salió su nuevo sencillo "Jumpin' Jack Flash" que ocupó el primer lugar de las listas inglesas, primer #1 en dos años en ese país, y llegó al tercer lugar en EE.UU., pese a su gran éxito, esta pista no fue incluida en el disco porque la banda quería crear un ambiente de expectación para su próximo material. La banda confirma la salida de un nuevo disco en julio y planeó la salida del mismo para finales de ese mes para celebrar el cumpleaños de su vocalista, 26 de julio, más fue postergado por su sello discográfico debido al polémico arte del disco. Luego de meses de negociación la agrupación llegó a un acuerdo con Decca para la salida de su producción y accedieron a sustituir la portada original por otra completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso con letras doradas, lo que al principio generó críticas al compararlo con la portada minimalista de The White Album de The Beatles que se había lanzado por esas fechas. Su nueva producción con raíces en el blues y R&B, más con algunas canciones con origenes en la música country, salió en los primeros días de diciembre bajo el título de Beggars Banquet. Bajo la presión de superar el paso en falso del disco anterior Jagger recurrió a los servicios del productor Jimmy Miller, que dotaría a la banda del sonido característico de sus siguientes producciones, colaborando con ellos hasta 1973. Beggars fue muy aclamado por la crítica musical y con él iniciaría a una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se consideran la "cima de la obra de los Stones." De igual forma tuvo una considerable repercusión comercial al alcanzar los primeros puestos entre las listas de popularidad (RU #3 / EE. UU. #5), sin embargo su primer sencillo "Street Fighting Man" le fue impedida su reproducción radiofónica y poco después también su venta debido a la portada del corte, que tenía una fotografía de unos agentes de la policía golpeando a manifestantes, y al contenido de la letra cuyas autoridades americanas consideraron "desestabilizadora" en vísperas de la Convención Nacional Demócrata de 1968 por lo que sólo alcanzó lugares discretos entre los sencillos más populares en la Unión americana (EE. UU. #48), aunque en Inglaterra no tuvo problemas. Entre el 11 y el 12 de diciembre de ese año se grabó en el recinto Roundhouse de Londres un especial hecho por sus majestades satánicas, The Rolling Stones Rock and Roll Circus, para la televisión británica, más nunca se emitió como tal. Creado por idea de Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense que tuvo atracciones de artistas de circo además de contar con las actuaciones de algunos artistas famosos de ese tiempo: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yoko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal, Marianne Faithfull y los propios Stones. Una de las actuaciones destacadas fue la de The Dirty Mac - un supergrupo integrado por John Lennon y Eric Clapton en las guitarras, Keith Richards en el bajo y Mitch Mitchell en la batería - que interpretó "Yer Blues" de The Beatles. The Rolling Stones Rock and Roll Circus fue emitido en cines en 1996, después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra.

Para la realización de Beggars Banquet Brian Jones había contribuido esporádicamente, a eso Jagger mencionó que Jones "no estaba psicológicamente apto para este tipo de vida." Con el paso del tiempo los problemas de adicción de Brian Jones se agravaban y la confianza de la banda en él disminuía, su abuso de drogas se había convertido en un obstáculo para conseguir su visa estadounidense. A mediados de 1969, durante una reunión en la casa de Jones entre Jagger, Richards y Watts, Richards mencionó que Jones admitió que "ya no podría seguir", es por ello que acordaron dejarlo, de acuerdo con Richards él dijo "...los dejó, y si quiero regresaré." Se decidió su salida el 8 de junio, pero dejaría la banda formalmente el 10 de junio. Fue substituido por Mick Taylor de los John Mayall's Bluesbreakers tras una prueba el 14 de mayo y dado a conocer formalmente a la prensa el 13 de junio. El ex-guitarrista de los Stones se retiró a su granja de Cotchford en Sussex, una casa que perteneció al autor de Winnie the Pooh A.A. Milne. Planeaba su retorno al mundo de la música con una banda de blues local, sin embargo, después de un mes de su salida, y dos días antes de que los Stones dieran un concierto en Hyde Park, fue hallado muerto el 3 de julio de 1969 en el fondo de su piscina rodeada por las estatuas de Christopher Robin y Winnie the Pooh. Su enfermera Janet Lawson se encontraba con él y recuerda que «sobre las diez y media de la noche, Brian quiso darse un baño en la piscina. Había estado bebiendo y andaba un poco tambaleante. No estaba en condiciones de nadar, pero no me hizo caso». Los reportes indicaron que el músico murió a causa de un ataque de asma, enfermedad que sufría desde hacía tiempo, que se le presentó mientras se encontraba nadando, aunque en la actualidad esta versión todavía es muy discutida. A pesar de la muerte repentina de Jones, continuaron con su concierto en Hyde Park ante 250.000 fanáticos durante el cual Mick leyó "Adonais" de Percy Shelley y se lanzaron cientos de mariposas a manera de homenaje a su recién fallecido guitarrista. El concierto, que fue la presentación de Taylor como nuevo guitarrista de la banda, fue grabado por una equipo de producción de Granada Televisión para ser mostrado más adelante como Stones in the Park en la televisión británica. El 4 de julio lanzaron el primer y único corte de su próximo disco "Honky Tonk Women" (#1 en RU y EE. UU.), acompañado por "You Can't Always Get What You Want" en el lado-B, que se disparó rápidamente a la cima de las listas de éxitos en todo el mundo durante semanas. Este sencillo, que no estaba incluido en el álbum más si lo estaba su versión country titulada "Country Honk", fue seguido por el disco Let It Bleed, liberado el 28 de noviembre, que era el último álbum de estudio con la Decca Records y el primero sin su antiguo líder Brian Jones, cabe señalar que el disco incluye tanto la participación de su difunto miembro como la de su nuevo guitarrista Mick Taylor con dos temas cada uno. El disco fue altamente aclamado por la crítica y alcanzó el número tres en las listas americanas y el número uno en las británicas, permaneciendo 19 y 29 semanas entre los discos más vendidos, respectivamente. Ese mismo mes la banda inició una gira por los Estados Unidos, portando el título de "La banda de rock and roll más grande del mundo", que fortaleció la relación Taylor-Richards y que concluyó de manera trágica con la muerte de cuatro fanáticos - tres de manera accidental y uno asesinado - en el recital gratuito de Altamont ante más de 300.000 espectadores. El espectáculo terminó cuando un joven afroamericano de nombre Meredith Hunter se precipitó rumbo al escenario con una pistola en la mano e inmediatamente fue interceptado por los Hells Angels, encargados de la seguridad del concierto, y apuñalado en medio de la confusión y la trifulca mientras el grupo interpretaba "Under My Thumb." Este hecho se observa en el documental de Albert y David Maysles, Gimme Shelter. La banda se fortaleció con la llegada de Taylor, a pesar de la tragedia de Altamont la gira fue un gran éxito y deribó en la aparición de un nuevo álbum en directo Get Yer Ya-Ya's Out! The Rolling Stones in Concert (RU #1 / EE. UU. #6) de 1970, registrado durante las presentaciones en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York. Este disco en vivo, al igual que sus dos álbumes de estudio anteriores, les ganó numerosos elogios por parte de la crítica. Con el fin del año los stones también concluían su relación contractual con la Decca Records, disquera con la que habían estado desde 1963, antes de que se convirtieran en superestrellas. A pesar de que con Get Yer Ya-Ya's Out! y "Honky Tonk Women" la banda ya había cumplido con sus cuotas de álbumes y sencillos para este sello discográfico, todavía debían entregar una canción más para disolver la unión, entonces el grupo le entregó a la disquera "Cocksucker Blues", una canción que a la compañía le resultó no apta para algún disco y menos para lanzarla como un sencillo por su "grotesca" letra. No obstante, resultó más difícil librarse de Allen Klein, que no estaba dispuesto a dejar ir a un grupo que le dejaba mucho dinero. Después de una larga disputa Klein se quedó con los derechos de todas las canciones grabadas por el grupo en los años 60s mientras que sus majestades satánicas se dispusieron a fundar su propio sello llamado Rolling Stones Records para después encaminarse a la realización de un nuevo material de estudio.

A inicios de 1970 la banda se metió al estudio de grabación para trabajar en la producción de su nuevo álbum de estudio, mismo que terminaron a finales del verano y decidieron emprender una gira por Europa en la que visitaron Suecia, Finlandia, Dinamarca, Alemania, Francia, Austria, Italia y los Países Bajos. Mientras tanto el cantante Mick Jagger incursionó en el cine como actor en los filmes Performance de Nicolas Roeg, a pesar de ser grabado en 1968, y Ned Kelly de Tony Richardson. En septiembre el cantante conoce a la modelo nicaragüense Bianca Pérez-Mora Macías en una fiesta después de una presentación del grupo, impresionándole tanto que se casaron poco después en una ceremonia católica el 12 de mayo de 1971 en Saint-Tropez, Francia. Mientras Jagger entraba a una vida de lujos debido a su reciente matrimonio con la modelo latina, Richards prefería frecuentar otros círculos sociales, por lo que entabló amistad con el pionero de country-rock Gram Parsons. Este cambio en sus estilos de vida puso distancia en la relación entre el vocalista y el guitarrista del grupo.

En los primeros meses del año la agrupación lanza el 23 de abril de 1971 Sticky Fingers (RU #1 / EE. UU. #1), primer álbum bajo su propio sello, una subsidiaria de Atlantic Records. Semanas después del lanzamiento apararece el 7 de mayo en las radiodifusoras estadounidenses y británicas "Brown Sugar" (#1 en RU y EE. UU.), nuevo corte del grupo que contó con "Bitch" como lado-B en la Unión Americana y "Let It Rock" - original de Chuck Berry - en el Reino Unido, que llegó al tope de las listas por dos semanas consecutivas. Esta producción acarreó muy buenas críticas al igual que su antecesor y se caracterizó por sus arreglos, su "ambiente descompuesto" y el trasfondo obscuro de las letras que hacían referencia al uso y abuso de drogas, la esclavitud o las relaciones interraciales. La portada de la producción fue diseñada por el líder del movimiento pop art Andy Warhol, enfocándose en un pene marcado hacia la derecha en unos pantalones vaqueros y en la cremallera que lo abría, esta fue censurada en España por el régimen del General Franco y la sustituyeron por la imagen de unos dedos saliendo en una lata de melaza. El álbum incluía también por primera vez el logotipo de los Stones y de la Rollings Stones Records, el "Diseño de los Labios y la Lengua", que consistía en una boca roja que sacaba la lengua, dicho logo podía ser encontrado en la funda interior del disco; diseñado por John Pasche (aunque atribido erróneamente durante años a Warhol) mientras estudiaba diseño gráfico en la Royal College of Art de Londres, este logotipo fue creado a petición del vocalista que se inspiró en un calendario hindú que mostraba a la diosa Kali sin cuerpo aunque le aclaró que debía "modernizarla" - la imagen - pero "sin perder la idea primordial." Mick Taylor colaboró en varias canciones con Jagger, parcialmente debido a los apegos excesivos de droga y la cada vez mayor falta de fiabilidad que Richards le mostraba a Jagger, sin embargo, todas las canciones fueron acreditadas como de costumbre a “Jagger/Richards”, lo que frustró a Taylor y quizás contribuyó a su salida eventual del grupo. Una breve gira inglesa de dos semanas en marzo marcó su despedida como residentes británicos y el comienzo de un exilio impositivo que duraría años. En la segunda mitad de diciembre su antiguo manager Allen Klein editó el primer disco del grupo bajo su propio sello disquero ABKCO Records: Hot Rocks 1964-1971 (#4 en EE. UU.), este disco doble que reunió los mayores éxitos de la banda durante los años 60s. Este fue un gran éxito comercial y resultó ser, irónicamente porque no recibieron regalías, su material más éxitoso en los Estados Unidos certificándose doce veces platino (téngase en cuenta que era un disco doble y la RIAA certifica por cada disco distribuido, por lo tanto en realidad vendió más de seis millones de unidades) y obtuvo un disco de diamante, primero y único del grupo en Norteamérica.

Las constantes presiones por parte del fisco británico los hicieron tomar la decisión de marcharse de Inglaterra y realizar un "exilio financiero" por consejo de su asesor financiero Rupert Lowenstein, un amigo 'socialyte' de Jagger descendiente de la familia Rothschild, para evitar la bancarrota causada por los altos índices de los impuestos - que les exigían a los artistas británicos alrededor del 90% del total de sus ingresos - del gobierno laborista del Primer Ministro británico Harold Wilson (1964-1970). Eventualmente decidieron irse a vivir al sur de Francia y una vez ahí, Richards alquiló un château - para él, Anita Pallenberg y el hijo de ambos - llamado Villa Nellcôte que fue usado como cuartel nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Al no encontrar un lugar idoneo para grabar cerca de Nellcôte, decidieron comenzar las sesiones en el sótano del château usando el The Rolling Stones Mobile Studio que fue alimentado con la electricidad de las vías ferroviarias aledañas. Estas sesiones iniciaron a mediados de julio de 1971 y fueron en su mayoría problemáticas y condicionadas por la adicción de Richards a la heroína. Durante la gran parte de las sesiones la banda no se encontraba completa, Mick solía escaparse usualmente para visitar a su mujer embarazada (que residía en París), Keith Richards se encontraba casi todo el tiempo en condiciones "no adecuadas" para grabar y Bill Wyman prefería no asistir porque le incomodaba el ambiente en la casa (sólo colaboró en ocho canciones del disco). Tras estar al acecho constante de la policía, sospechaban nexos de los británicos con el narcotráfico, optan por terminar las grabaciones en otro lugar y se trasladan a Los Ángeles, California, para acabar a finales de marzo del siguiente año. En abril se comenzó a escuchar su nuevo sencillo promocional "Tumbling Dice" (RU #5 / EE. UU #7) que ocupó el puesto #7 en los Estados Unidos mientras que en el Reino Unido llegó al #5, este sirvió de preámbulo al primer álbum doble de la agrupación liberado el 12 de mayo de 1972: el Exile on Main St.. Dicho material tuvo un gran impacto comercial debutando en el primer lugar de los álbumes más vendidos, contrastando con la fría recepción por parte de los críticos de la época que se quejaban de su "mala producción, falta de organización (debido a las condiciones en las que se grabó) y autoindulgencia" más la crítica de años posteriores lo consideran la obra maestra de la banda y uno de los más importantes discos de la música contemporánea. Este doble LP estaba compuesto en su mayoría de materiales descartados para discos anteriores y se caracterizaba por sus canciones rústicas con una producción deficiente (por las condiciones en las que se grabó) sostenidas por su clásico rock & roll el cual se mezcló con sonidos enraizados en la música tradicional americana, esencialmente blues, soul, country y gospel; en general los especialistas destacaron su atmósfera densa y oscura, y los riffs y solos de Taylor y Richards. A mediados del año decidieron emprender una gira por Norteamérica y Canadá para la promoción de su nuevo disco de estudio, el publicitado S.T.P. Tour (iniciales de Stones Touring Party, aunque oficialmente llamado North American Tour 1972) duró cerca de un mes y estuvo rodeado de gran polémica, tanto por el comportamiento desenfrenado de la agrupación - inclusive llevándolos a su arresto - como de los múltiples incidentes que ocurrían en sus presentaciones que derivaban en múltiples detenciones. De esta travesía no salió ningún disco en vivo, habitual en casi cada gira del grupo, pero si un documental: Cocksucker Blues del fotógrafo Robert Frank, mismo que se había encargado de la portada de su nueva producción. La película nunca se estrenó oficialmente debido a que fue impedida por los tribunales británicos por considerarla "muy obscena" pero el cinematógrafo consiguió los derechos para mostrarla en pantalla una vez al año. "Happy" fue el segundo y último corte del disco lanzado mientras estaban en América por julio, llegó al puesto número 22 de las listas americanas. Después de una investigación de varios meses, el 2 de diciembre la banda compareció ante un tribunal de Niza para deslindarse de la acusación de posesión y consumo de drogas, días posteriores a ello Richards y su mujer Anita fueron arrestados bajo la acusación de posesión de heroína y por haber permitido el uso de su casa y su yate "Mandrax" para el consumo de dicha sustancia, pero fueron liberados más tarde.

A inicios de 1973 la banda realiza una serie de conciertos (pequeña gira denominada Pacific Tour 1973) por Australia, Nueva Zelanda, Japón y Hawaii; a pesar que a la banda le dificultaron su entrada a Oceanía - por sus antecedentes delictivos y la mala fama que les dio su pasado S.T.P. Tour - si pudieron realizar sus presentaciones en los países del Pacífico a excepción del país asiático, donde su recital fue suspendido a pesar de que ya se habían vendido todas la entradas. Después de una secuencia de discos (del Beggars Banquet al Exile) que gozó de gran aclamación crítica y buena aceptación del público el grupo entró en una etapa de decadencia creativa llena de excesos propios de rock stars a consecuencia de la adicción a la heroína del guitarrista Keith Richards y a la posición del cantante Mick Jagger más como estrella del espectáculo que como músico. A finales de agosto editan como sencillo "Angie", esta canción inspirada en Anita Pallenberg regresó a los Stones a los primeros lugares de popularidad en los Estados Unidos y Reino Unido, y fue un gran éxito a nivel mundial ocupando los primeros puestos en diversos países de Europa y Asia. Una semana más tarde ponen a la venta Goats Head Soup, que fue el resultado de unas tormentosas sesiones de grabación en la isla de Jamaica a medidados de ese año. Impulsado por el éxito de su primer corte "Angie" y de la posterior "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" (EE. UU. #15), lanzado el último mes del año, este disco llegó al primer lugar de las listas en Norteamérica y Gran Bretaña. Al igual que su pasada producción este material fue acompañado de una subsecuente gira promocional, su tour europeo de 1973 inició el primer día de septiembre en Viena, Austria y acabó en Berlín, Alemania a finales del siguiente mes.

Luego de la partida de Taylor, los Rolling se tomaron su tiempo en pensar el reemplazante, el candidato natural era Wood pero no querían que abandonara a su grupo Faces y él también se negaba a irse. Durante las sesiones en Munich, en diciembre de 1974 y los primeros meses de 1975, se dedicaron a la grabación de un nuevo álbum aunque durante el transcurso de las mismas audicionaron distintos guitarristas. Entre los audicionados se encontraban Harvey Mendel, Wayne Perkins, Peter Frampton, Chris Spedding, Mick Ronson, Rory Gallagher, Shuggie Otis y Jeff Beck. Mendel y Perkins fueron rechazados al ver que su estilo era similar al de Taylor, Frampton declinó la oferta y Beck se retiró de las grabaciones. Ron también fue invitado a las sesiones y le pidieron que se uniera a ellos para su gira por Norteamericana, lo cual aceptó. El primero de mayo de 1975 convocaron a una conferencia de prensa en Manhattan para anunciar el inicio de su nueva gira pero sorpresivamente la banda apareció tocando "Brown Sugar" en la parte trasera de un camión descapotable a lo largo de la Quinta Avenida. El Tour of the Americas comenzó el 3 de junio en Louisiana y tenía planificado realizar una serie de conciertos por México, Brasil y Venezuela que fueron cancelados de último momento debido a problemas de cambio monetario y de seguridad aunque se le añadieron cuatro fechas más a los Estados Unidos concluyendo así la gira en agosto de ese mismo año. Con las sesiones de grabación aún sin completar se editaron dos recopilaciones - sólo una de ellas bajo su autorización - para acompañar la gira, Made in the Shade (RU #14 / EE. UU. #6) contenía temas de los últimos cuatro discos y fue su primer álbum compilatorio bajo su contrato con la Atlantic Records, este alcanzó el #14 en Inglaterra y el #6 en Norteamérica y eventualmente se volvió disco de platino. Este sirvió de complemento al Metamorphosis (RU #45 / EE. UU. #8) lanzado por la ABKCO que contenía canciones inéditas descartadas de sus sesiones de grabación y temas alternativos de sus canciones conocidas de la pasada década. Los Stones pasaron el resto del año dando los toques finales al nuevo álbum. Al anunciar Faces su disintegración en diciembre de ese año, Ron comenzó a formar parte de la agrupación aunque no fue presentado oficialmente a prensa como miembro definitivo de The Rolling Stones hasta febrero de 1976.

El 23 de abril de 1976 se edita Black and Blue (RU #2 / EE. UU. #1) y días más tarde "Fool To Cry" (RU #6 / EE. UU. #10) comenzó a sonar en todas las radios con éxito. B&B fue un disco significativo en la carrera de la banda no sólo porque este es el primer material de estudio donde aparece Ronnie como nuevo miembro de la agrupación sino también debido a que exploraron una gran gama de estilos enraizados en la música negra - como Reggae, Funk y Jazz - sustentado por las guitarras de Wayne Perkins, Harvey Mandel (recientemente rechazados para sustituir a Mick Taylor) y su nuevo miembro Ron Wood; su más nueva colección de canciones generó críticas polarizadas aunque en general tuvo reseñas favorables. Poco después, como ya se había hecho habitual en sus trabajos anteriores, la banda se embarcó en una gira que incluyó conciertos en Alemania, Bélgica, Escocia, Inglaterra, Holanda, Francia, España, Yugoslavia, Suiza y Austria. En medio de esta gira Keith pierde un hijo recién nacido por problemas respiratorios lo que lo lleva a subir enormemente sus dosis de heroína ya de por si elevadas.

Para 1977 Jagger tenía planeado la grabación de un álbum en vivo, por lo que la banda se trasladó a Toronto, Canadá, pero la adicción a la heroína de Richards retrasó su llegada a tierras canadienses, donde se habían reunido y lo estaban esperando. En febrero Richards y su familia volaban en un vuelo directo de la aerolínea BOAC y fueron detenidos por las aduanas canadienses después de que se le encontrara droga entre sus pertenencias, esto movilizó a la policía de esa nación, la Real Policia montada de Canadá. El domingo 27 de febrero los policías llegaron con una orden de arresto para Anita Pallenberg, la mujer de Keith, porque descubrieron "22 gramos de heroína en la habitación de Richards", y el guitarrista fue acusado de importación de estupefacientes, con un mínimo de siete años de cárcel, aunque al final el fiscal de la Corona reconoció que Richards había adquirido la droga después de su llegada al país, por lo que el guitarrista pudo salir bajo fianza. Luego de este incidente el grupo dio dos shows en el club El Mocambo los días 3 y 5 de marzo, mismos que causaron gran controversia cuando Margaret Trudeau, esposa del Primer Ministro canadiense Pierre Trudeau, fue vista en la fiesta y con la banda después del show, por lo que se comenzó a especular de un affair entre ella y Ron Wood, cosa que ella negó. Para ocultar estas dos presentaciones del público, el club fue reservado para toda la semana por el grupo canadienese de rock April Wine, que aprovecho el lugar para grabar su disco en vivo Live at the El Mocambo, que fungió como telonero de los Stones durante estos conciertos. En septiembre editaron el disco doble en vivo Love You Live (RU #3 / EE. UU. #5) con temas en vivo de la gira americana de 1975, de la gira europea de 1976 y cuatro temas grabados de los dos shows del Mocambo, este era su primer material en vivo desde Get Yer Ya-Ya's Out! de 1970. El escándalo por posesión de drogas de Richards se prolongó por más de un año hasta que el artista se le suspendió la sentencia y se le ordenó que diera dos conciertos gratuitos para la CNIB (un Instituto de asistencia para las personas invidentes) en Oshawa, Ontario. Esto desencadenó a la creación de uno de sus primeros proyectos musicales fuera de la banda (que sería más comunes en Jagger en la decada de los 1980's), él y Wood formaron una nueva banda, The New Barbarians, para tocar en los shows del 22 de abril de 1979. Esto motivó al final a que hiciera un esfuerzo para poner fin a su adicción, que a la larga resultó un gran éxito. También coincide con el final de su relación con Pallenberg, debido a que su relación empezaba a ser tensa desde la muerte de su tercer hijo (una infanta de nombre Tara) y por su incapacidad de controlar su adicción a la heroína mientras Keith luchaba por rehabilitarse. Aunque Keith se encontraba envuelto en problemas problemas personales y legales, Jagger continuaba con su opulento estilo de vida, él era visto regularmente en el club disco Studio 54 casi siempre en compañía de la modelo texana Jerry Hall, cosa que influyó en su separación de Bianca.

Durante los últimos meses de 1977 y los primeros meses de 1978 sus Majestades viajaron a París y se metieron al estudio de grabación para realizar su próximo material de estudio. A pesar de que a finales de los años 70s eran criticados por su decadencia - eran llamados "ancianos millonarios" - porque su música estaba estancada o era calificada de "simplemente irrelevante", la banda lanzó en la segunda mitad de marzo de 1978 un adelanto de lo que sería su nueva creación: "Miss You" (RU #3 / EE. UU. #1), un sencillo catalogado como "canción disco" - aunque en realidad tenía sus raíces en el funk y el blues - que llegó a la cima de las listas de popularidad siendo el último hit #1 de la banda en América hasta la fecha. El 9 de junio de 1978 Some Girls devuelve a los Stones a los primeros planos de la música apoyados por el gran éxito de su sencillo y las excelentes críticas que recibió - inclusive llegó a ser calificado como "su mejor álbum desde Exile on Main St." - en especial por sus "canciones rápidas, básicas y con buen manejo de guitarras." El álbum fue un enorme suceso comercial, con seis discos de platino sólo en los Estados Unidos, que les ganó gran popularidad entre los jovenes y representó una clara respuesta a los géneros predominantes del momento como el disco y el punk. A mediados de año realizan otra gran gira por América que incluyó una presentación en el programa de televisón Saturday Night Live en donde Jagger lamió los labios de Wood delante de millones de espectadores. A "Miss You" le precedió "Beast of Burden" (EE. UU. #8) - sólo para la Unión Americana - como segundo corte del álbum y al poco tiempo llegó a colarse entre las 10 canciones más populares de los Estados Unidos. El 15 de septiembre salió "Respectable" (RU #23), segundo corte para el Reino Unido y tercero del álbum, y obtuvo un éxito considerable al alcanzar el puesto 23 en los Charts británicos. "Shattered" (EE. UU. #31) fue el último sencillo del disco y tercero lanzado en los EE. UU., se editó a finales del año con "Everything is Turning to Gold" como cara-B, una canción descartada del disco pero que apareció en su próxima recopilación, y alcanzó el puesto 31 en las listas americanas.

Durante casi todo 1979 la revitalizada banda se la pasó en los estudios de grabación dándole forma a su nuevo disco, este se realizó primeramente en Nassau, Bahamas, luego en Paris, Francia y terminaron en al final del año en la ciudad de Nueva York. Las grabaciones sólo fueron interrumpidas por los conciertos de The New Barbarians, un grupo fundado por el Stone Ron Wood y que tenía en la alineación a su compañero de banda Keith Richards, a su ex-compañero en Faces Ian McLagan, al bajista de jazz Stanley Clarke, al saxofonista Bobby Keys (que también trabajaba regularmente con los Rolling) y al baterísta Joseph Modeliste. Ellos debutaron el 22 de abril en un concierto gratuito a beneficio de la CNIB en la ciudad de Oshawa, cerca de Toronto, Canadá (una de las condiciones que le impuso a Ketih la justicia canadiense para exonerarlo de su incidente de tráfico de drogas de hacía dos años) y luego hicieron su único tour a lo largo de toda América entre abril y mayo de ese año, aunque también sirvieron como teloneros del grupo de hard rock inglés Led Zeppelin en el Festival de Knebworth realizado en agosto.

Entrando en la década de los 80s con el viento a favor de su trabajo anterior, la banda lanzó el 20 de junio de 1980 Emotional Rescue (RU #1 / EE. UU. #1). La grabación, bajo la producción de The Glimmer Twins, estuvo plagada de inconvenientes y las fricciones entre los líderes Mick y Keith empezaron a hacerse más notorias. Richards, más sobrio que durante los 10 años anteriores, quería volver a tomar su lugar dentro de la banda y a tener más control dentro del estudio luego de su rehabilitación, lo que produjo una pelea en la que el guitarrista sentía que estaba luchando por "su mitad de The Glimmer Twins." El mismo día del lanzamiento salió como sencillo "Emotional Rescue" (RU #9 / EE. UU. #3), canción que se instaló rápidamente en el top-10 de las canciones más populares. A pesar de que el disco tuvo un gran éxito comercial en ambos lados del Atlantico, fue criticado con dureza y calificado de "mediocre e inconsistente", algunos sentían que era una pobre imitación de su trabajo anterior. El 19 de septiembre ponen en circulación "She's So Cold" (RU #33 / EE. UU. #26), segundo y último corte del disco que gozó de un mediano éxito. Extrañamente el líder y vocalista Mick Jagger se negó a realizar una gira de promoción, habitual en sus discos anteriores, hecho que agravó más la pelea contra el otro líder de los Rolling Stones Keith Richards.

A principios de 1981 los peleados Stones deciden editar Sucking in the Seventies (EE. UU. #15), su cuarto álbum compilatorio oficial que servía de sucesor al Made in the Shade de 1975 y que abarcaba el material desde It's Only Rock'n Roll (1974) hasta Emotional Rescue (1980). Muy pronto decidieron volver al estudio para grabar nuevo material, pero para sorpresa de la banda el productor Chris Kimsey, encargado de su nueva producción, había optado por reunir varios de los temas no utilizados de sus últimos cinco discos debido a que "Mick y Keith no estaban pasando por un buen periodo", aunque dos canciones "originales" fueron incluidos al final. Diez días antes del lanzamiento de su nuevo trabajo aparareció "Start Me Up" (RU #7 /EE. UU. #2), escrita y grabada en 1977 para su exitoso Some Girls - aunque originalmente era un tema reggae de las sesiones del Black and Blue de 1975 -, acompañado de "No Use In Crying" como cara-B y de un video promocional dirigido por Michael Lindsay-Hogg, este sencillo escaló con rapidez a los primeros puestos de las listas más no logró llegar a la cima, aunque con el tiempo se convirtió en una de las canciones más emblemáticas del grupo. Tattoo You (RU #2 / EE. UU. #1) salió a la venta el 24 de agosto de ese año y fue un éxito rotundo, vendió alrededor de cuatro millones de copias en América (adjudicándose cuatro discos de platino) y más de cien mil en el Reino Unido (disco de oro) además de tener una excelente recepción por parte de la crítica musical. El disco contenía en su primera parte los números rock sólidos y efectivos característicos de la banda que contrastaban con los temas sueves enraizados en el blues de la segunda mitad, fórmula que repitieron a la hora de lanzar sus sencillos con música rock en la cara-A y baladas en la cara-B. Aunque Mick no estaba interesado en realizar una gira, los guitarristas Keith y Ron lo presionaron y él terminó accediendo, así nació el American Tour de 1981 que fue su más grande, larga y colorida gira hasta esa fecha con la banda dando más de 50 presentaciones desde el 25 de septiembre hasta el 19 de diciembre, este terminó siendo el tour más grande del año con un estimado de asistencia de tres millones de espectadores y más de $50 millones de dólares recaudados en boletos. Esta serie de presentaciones contó con teloneros como Iggy Pop, Carlos Santana, Bobby Womack, ZZ Top, Van Halen, Heart y Prince, además de invitados especiales como su ex-guitarrista Mick Taylor, Tina Turner (cantando "Honky Tonk Women"), Lee Allen, Chuck Leavell y Sugar Blue. Mientras estaban en gira, el 30 de noviembre editan su segundo corte "Waiting on a Friend" (RU #50/ EE. UU. #13), una balada rock grabada a finales de 1972 y principios 1973 en Kingston, Jamaica, durante las sesiones de Goats Head Soup cuando la banda aún tenía a Mick Taylor en la formación, dicho sencillo, al igual que el anterior, contó con un video musical dirigido por Lindsay-Hogg (director de su video anterior) que se volvió popular en la cadena MTV y que tuvo la participación especial del cantante de reggae Peter Tosh.

En abril de 1982 lanzan su tercer y último promocional titulado "Hang Fire" (EE. UU. #20), que al igual que "Start Me Up" era producto de las sesiones del Some Girls, que alcanzó a entrar entre las 20 canciones más populares del país de América del Norte. La banda volvió a ver actividad hasta los últimos días de mayo cuando comenzaron una gira por Europa (European Tour 1982), su primera gira por ese continente en seis años, para conmemorar el vigésimo aniversario de fundación de la agrupación. Esta resultó ser una copia exacta de su gira pasada, pero para este tour contaron con el ex-pianista de Allman Brothers Band Chuck Leavell, quien asumiría el teclado de los Stones - aunque como un miembro no oficial - después de la muerte de Ian Stewart. El primero de junio, mientras estaban comenzando su nueva travesía, salió el disco en vivo "Still Life" (American Concert 1981) (RU #4 / EE. UU. #5) acompañado del corte promocional "Going to a Go-Go" (RU #26 / EE. UU. #25), una canción original del grupo de rhythm and blues The Miracles que tuvo mediano éxito. El 13 de septiembre ponen en las radio otro promocional, "Time Is on My Side" (EE. UU. #62), canción de Kai Winding lanzada anteriormente por el grupo pero para promover su 12 X 5 de 1964.

Mientras se encontraban en Paris con Chris Kimsey grabando su próximo material desde noviembre del año pasado, se estrenó en mayo de 1983 el filme Let's Spend the Night Together, un documental del director Hal Ashby grabado durante las presentaciones del grupo en el Sun Devil Stadium de la Universidad del Estado de Arizona en Tempe, Arizona y el Meadowlands Arena (en el complejo deportivo de Meadowlands) en East Rutherford, Nueva Jersey durante su pasada American Tour 1981. La grabación duraría hasta agosto, sólo interrumpidas por unas vacaciones de primavera, y concluyó en Nueva York en verano. Estas sesiones estuvieron llenas de roces constantes entre los dos líderes de la banda porque Jagger quería que el grupo experimentara con nuevos sonidos mientras que Richards optaba por canciones rock y blues. Antes del lanzamiento de su material, el 20 de agosto de 1983 firmaron un contrato de $28 millones de dólares para la realización de cuatro álbumes de estudio con una nueva disquera, CBS Records. El resultado de esas agitadas sesiones fue lanzado el 7 de noviembre bajo el título de Undercover (RU #3 / EE. UU. #4), el cual comenzó a ser promocionado a partir del primero de noviembre por su sencillo "Undercover of the Night" (RU #11 / EE. UU. #9). El sencillo llegó al top-10 de Norteamérica y fue acompañado por un video musical protagonizado por el guitarrista Keith Richards y el vocalista Mick Jagger. El disco fue considerado como un intento de Jagger por conseguir un sonido compatible con las nuevas tendencias musicales de la época, pero a pesar del entusiasmo inicial de la crítica, la producción con abundante contenido sexual y políticamente violento, fue fríamente recibido por los seguidores de la banda. Para complicar más la situación imperante en el seno de la banda, Ron Wood atravesaba otra crisis de salud debido a su adicción a las drogas. En esta situación, a fines de 1983 Jagger firma un contrato solista en paralelo con la compañía discográfica CBS Records, lo que provoca que el conflicto con Richards se agrave, ya que éste interpretó el gesto como una falta de compromiso con la banda. El 23 de enero de 1984 editan su segundo y último corte: "She Was Hot" (RU #42 / EE. UU. #44), este no tuvo mucho éxito, aunado a la pobre recepción del álbum, y sólo llegó al número 44 de las listas americanas y al número 42 de las inglesas. El resto del año la banda no vio actividad.

La mayor parte de 1985 los miembros de la banda lo dedicaron a proyectos solistas alternándolos con ocasionales grabaciones de estudio de su nuevo material. La división de los Stones se hizo más notoria cuando Jagger, que promocionaba su álbum solista She's The Boss, se ausentaba frecuentemente de las grabaciones por lo que Richards optó por grabar sólo con el resto del grupo y agregar la voz de Jagger después. Su pelea llegó al ojo público cuando el 13 de julio Jagger hizo un número solista en el Live Aid mientras que los dos guitarristas de la banda, Richards y Wood, acompañaron a Bob Dylan en su presentación. A unos pocos meses de la finalización de las grabaciones, el 12 de diciembre de 1985 el co-fundador, teclista, manager de viajes y amigo de muchos años Ian Stewart murió súbitamente a los 47 años de edad de un ataque al corazón cuando acudía a una cita en la West London Clinic. De acuerdo con Richards, la muerte de Stewart dejaba a la banda sin una "fuerza moderadora" que podría ayudarlos durante su época de conflictos con Jagger.

Sus Satanísimas majestades iniciaron el año galardonados junto al guitarrista español Andrés Segovia y el clarinetista de jazz Benny Goodman en la 28ª edición de los premios Grammy efectuada el 25 de febrero de 1986, la Academia Nacional de Artes y Ciencias Discográficas de los Estados Unidos les concedió el premio Grammy por los logros de toda una vida, dos días después ellos dieron un concierto en el 100 Club de Londres a manera de tributo a su recién fallecido teclista. El 28 de febrero el grupo puso en circulación su versión de "Harlem Shuffle" (RU #13 / EE. UU. #5) del duo R&B Bob & Earl como primer sencillo promocional de su nueva producción, esta canción que contó en las vocales con Bobby Womack, llegó rápidamente a meterse en los primeros puestos de popularidad de los Estados Unidos y el Reino Unido. Dirty Work (RU #4 / EE. UU. #4) salió a la venta el 24 de marzo y fue producto en su mayoría del trabajo en solitario de los guitarristas de la banda, Keith y Ron, ante la constante ausencia de Jagger (que se ocupaba más en la promoción de su álbum solista), lo que se reflejó en los créditos. La producción de Steve Lillywhite, encargado de los primeros tres trabajos de la banda irlandesa de rock U2 y dos discos de los escoseses Big Country, le dio al disco un caracter agresivo y muy metálico, en el cual resaltaba la batería, en general la crítica lo calificó de "poco interesante" y fue recibido sin mucho entusiasmo, algunos afirmaron que parecía que Jagger se guardó su mejor trabajo para su álbum solista. Aunque pronto alcanzó disco de platino, el álbum se ganó calificativos como "el peor trabajo del grupo" o "el álbum que no debió ser" y desde entonces es considerado el punto más bajo en la carrera de The Rolling Stones. A pesar de la pésimas críticas, lanzan "One Hit (To the Body)" (RU #80 / EE. UU. #28) como último sencillo promocional, el 9 de mayo en los Estados Unidos y el 16 de mayo en el Reino Unido, con "Fight" como lado-B, esta canción contó con la colaboración en las guitarras del miembro fundador y guitarrista de Led Zeppelin Jimmy Page.

El 18 de enero de 1989 The Rolling Stones (incluyendo a su ex-guitarrista Mick Taylor, a su miembro Ronnie Wood y a sus difuntos miembros Ian Stewart y Brian Jones) fueron incorporados en el Salón de la Fama del Rock and Roll, en una ceremonia a la que no asistieron ni el baterista Charlie Watts ni el bajista Bill Wyman a pesar de ser incluidos. Durante marzo y abril se la pasaron con Chris Kimsey grabando en Montserrat su próximo material de estudio en sesiones diarias de más de 15 horas. A finales de agosto sale a la venta su nuevo álbum, Steel Wheels, un disco que fue antecedido por su sencillo "Mixed Emotions", que fue lanzado junto con "Fancy Man Blues" como cara-B casi un mes antes. El disco en general tuvo buena recepción por parte de la crítica en el cual, a pesar de no denominarlo "un gran disco", resaltaron el regreso de la banda. Con el lanzamiento de su nuevo material, los Stones anunciaron en la Estación Central de Nueva York el inicio de una gira mundial, la primera después de siete años, denominada U.S. Steel Wheels Tour. Su primer concierto se realizó el 31 de agosto en Philadelphia y fue la primera de 60 fechas en 32 ciudades contempladas en su calendario, durante este primer concierto el grupo de funk metal Living Colour, los ascendientes Guns N' Roses y Sons of Bob aparecieron como teloneros. Esta gira norteamericana contó como teloneros habituales Living y GN'R, las actuaciones especiales de Axl Rose, Izzy Stradlin, Eric Clapton y John Lee Hooker, en el concierto de Atlantic City del 17 de diciembre de ese año. "Rock and a Hard Place" fue lanzado como segundo sencillo el 4 de noviembre para EE. UU. y el 13 para el Reino Unido, esta canción tuvo un moderado éxito en su país más al otro lado del Atlántico llegó a estar entre las 40 canciones más populares.

En enero de 1990 lanzan "Almost Hear You Sigh" como última canción promocional, una composición que originalmente Richards pensaba incluir en su primer álbum solista. El mes siguiente editan su último corte promocional "Terrifying" y viajan por primera vez a Japón como parte de la segunda etapa de su gira, esta pauta contempló 10 conciertos en el Korakuen Dome de Tokio - 50.000 personas por noche - y las entradas se agotaron en solo unas horas a pesar de tener un costo superior a 10.000 yens ( unos 70 dólares aproximadamente). Cuando sus presentaciones llegaron al viejo continente, a mediados de ese año, esta cambió de nombre por la de Urban Jungle Tour, cuya primera fecha fue el 18 de mayo de ese año en Rotterdam, Holanda. Esta continuo y después de un total de 45 espectáculos a lo largo de 26 ciudades de nueve países de Europa (Alemania, Portugal, España, Francia, Italia, Suecia, Noruega, Dinamarca, República Checa) finalizaron los últimos dias de agosto con un recital en el Wembley Stadium de Londres, Inglaterra. El balance final fue favorable, al final terminó siendo su gira más exitosa (hasta ese momento) con una asistencia de más de dos millones de espectadores y un aproximado de $260 millones de dólares en ganancias.

El 4 de marzo de 1991 ponen en circulación "Highwire", una de la dos canciones inéditas (la otra era "Sex Drive") que estaban incluidas en su material discográfico en vivo Flashpoint, cuya venta comenzó el 8 de abril. Dicho material fue el resultado de la recopilación de sus presentaciones de su pasada Steel Wheels/Urban Jungle Tour y con ello terminó su relación contractual con la CBS Records. Luego de la promoción de Flashpoint el bajista Bill Wyman finalmente abandona al grupo a fin de año al negarse a firmar un nuevo contrato discográfico millonario con una nueva disquera tras años de deliberar su decisión. Con la Virgin Records firmaron un acuerdo para editar tres producciones inéditas y le cedieron la distribución, remasterización y reempaquetamiento de todo su material realizado desde 1971 con su sello propio Rolling Stones Recods. Después de la gira se tomaron un largo descanso en el cual las piedras se dedican otra vez a trabajos individuales: Charlie Watts realizó dos álbumes de jazz con su orquesta (From One Charlie de 1991 y Tribute to Charlie Parker with Strings de 1992), Ronnie Wood editó un disco en solitario llamado Slide On This en 1992, Keith Richards grabó y editó su segundo material individual - en el mismo año que Wood - titulado Main Offender al cual le dio promoción con una gira de tres meses por Estados Unidos, Europa y Sudamérica, y Mick Jagger grabó su tercer compacto Wandering Spirit que fue lanzado al mercado hasta 1993. El 6 de enero de 1993, el bajista Bill Wyman anunció oficialmente su salida de la banda en el programa de televisión inglés London Tonight: "Pienso que las dos pasadas giras son lo mejor que hemos hecho, así que me siento muy contento de retirarme" Estos discos, junto con la marcha de Wyman, crean una nueva incógnita acerca de la continuidad del grupo. La agrupación tenía pensado iniciar las grabaciones de un próximo trabajo, pero ante el deserto de Wyman, decidieron buscar un reemplazo para el bajo. Poco después decidieron hablarle a Darryl Jones (que había trabajado en las giras de Miles Davis, Peter Gabriel, Sting y Madonna, y grabado con varios otros, desde Eric Clapton hasta Spike Lee), que en ese tiempo tocaba con la banda de The Tonight Show. Jones, quien también trabajó con Richards en la grabación de su álbum solista Talk Is Cheap, audicionó en junio de ese año y fue escogido por el baterísta del grupo Charie Watts. Con la inclusión de Darryl se reunieron en las islas de Barbados e Irlanda (en los estudios de Ron Wood) a mediados de abril para grabar otro disco, estas sesiones continuaría en diversas etapas a lo largo del año y terminarían a mediados de diciembre. Mientras la banda se encontraba en el estudio, su nueva disquera emitió otra compilación de éxitos, su sexta compilación oficial, con el título de Jump Back: The Best of The Rolling Stones. Este disco de grandes éxitos se lanzó a nivel mundial el 22 de noviembre de 1993, a excepción de los Estados Unidos, en el cual no fue editado sino hasta en agosto de 2004. Este cuenta con todas sus exitosos sencillos de 1971, cuando salió Sticky Fingers, hasta 1989, año de la edición de Steel Wheels.

Los primeros meses del siguiente año se juntaron en Los Ángeles, California para darle los últimos toques a su nueva producción. Su primer corte "Love Is Strong" vio la luz a mediados de año y fue seguido por el lanzamiento el 11 de julio de 1994 de su vigésimo larga duración Voodoo Lounge. El sencillo tuvo poca repercusión en el continente americano y apenas entró al Billboard 100, mas no así en el Reino Unido, donde llegó al puesto 14 en las listas de las canciones más escuchadas. El video musical del corte, contrastando con su circulación en la radio, tuvo más repercusión estando regularmente en circulación en la cadena televisiva MTV y al final del año se colocó en el lugar 74 entre "Los 100 videos más pedidos de MTV." La producción de The Glimmer Twins y Don Was recibió críticas favorables, que resaltaron varias sorpresas como el retorno a sus conceptos musicales de los 70, lo que les dio un "sonido tradicionalista", lo cual se acreditó a Was, la provocadora y deliberada ambigüedad de las canciones que se plasmó en un predominio de baladas, renuncia a los temas bailables y a las descargas duras, énfasis melódico. Para la crítica musical este material resultó ser "el verdadero regreso de los Stones." Aunado a esto Voodoo llegó al número uno en Inglaterra - primero vez desde Emotional Rescue de 1980 - y en Estados Unidos al puesto número dos, su posición más alta desde Tattoo You de 1981. Las ventas en el primer año a la venta ascendieron a más de seis millones de copias de las cuales dos millones fueron sólo en los Estados Unidos, recibiendo dos discos de platino. El primero de agosto ponen en marcha su gira mundial promocianal llamada Voodoo Lounge Tour que en su fase por los Estados Unidos se inició el 1 de agosto en el Robert F. Kennedy Memorial Stadium de Washington, DC y más tarde fueron seguidas por tres actuaciones sucesivas los días 12, 13 y 14 del mismo mes, en el Giants Stadium de Nueva York, estas eran las primeras de las más de sesenta fechas planeadas por Norteamérica y Canadá. Para estas sesenta fechas el grupo eligió como teloneros de su gira a Lenny Kravitz, Counting Crows y Stone Temple Pilots. El 8 de septiembre The Rolling Stones realizaron una presentación durante la gala de los MTV Video Music Awards de 1994 en el Radio City Music Hall, durante la ceremonia recibieron un reconocimiento por su trayectoria artística. Los últimos días de ese mes "You Got Me Rocking" llega a las radios, pero sonó con menos fuerza que su antecesor teniendo puestos discretos en las listas de popularidad. Meses más tarde aparece el último corte promocional de Voodoo Lounge, "Out of Tears", este llegó a ocupar mejores posiciones en las listas estadounidenses que sus dos anteriores promocionales, más no así en las inglesas. A mediados de diciembre dieron sus últimos dos conciertos del año en el BC Place Stadium de Vancouver, Columbia Británica.

Luego de 34 años de espera la banda visita Latinoamérica por primera vez en el marco de su nueva gira, el 15 de enero de 1995 dan tres presentaciones en el Autódromo Hermanos Rodriguez de la Ciudad de México (México), mismo número en el Estádio do Pacaembu de São Paulo y dos en el Estádio do Maracanã de Río de Janeiro entre el 27 de enero y el 4 de febrero (ambas en Brasil), luego cinco fechas en el Estadio River Plate de Buenos Aires (Argentina) del 9 al 16 del mismo mes y finalmente su último concierto en el Estadio Nacional de Chile de Santiago (Chile) tres días después. Durante la 37ª entrega de los premios Grammy efectuada el primero de marzo, su más reciente material discográfico ganó en la categoría Mejor Álbum Rock y el clip promocional de "Love Is Strong" se alzó como vencedor en la categoría de Mejor Video Musical, formato largo. Después de completar fechas por Sudáfrica, Japón, Australia, Nueva Zelanda y la mayor parte de Europa Continental, ofrecen su último concierto en el Feijenoord Stadion de Rotterdam (Países Bajos) el 30 de agosto. Con una asistencia de casi siete millones de personas en más de 140 conciertos por los cinco continentes, los Stones reportaron ganancias de más de $370 millones de dólares, haciendo este su tour más exitoso. Para el 13 de noviembre editan Stripped, un material grabado en Tokio, Lisboa, Londres, Amsterdam y París entre marzo y julio pasados al terminar su más reciente gira, estaba constituido de versiones acústicas de algunas de sus canciones de antaño alternadas con otras extraídas de la gira europea Voodoo Lounge además de la versión de "Like a Rolling Stone" de Bob Dylan. Jagger se inspiró en un disco de Jackson Brown, que combinaba canciones en directo con otras composiciones nuevas grabadas en las habitaciones de hotel. El repertorio del mismo estuvo basado, según el cantante, en las preferencias de los fanáticos que había buscado en las páginas de internet dedicadas a los Stones. Tuvo una buena recepción y alcanzó el puesto 9 tanto en RU como EE. UU., volviéndose más tarde platino en este último. El sencillo para promocionarlo fue el cover de la canción de Bob Dylan y alcanzó el número 12 en las listas británica y se escuchó habitualmente en Norteamérica llegando al lugar 16 en el Mainstream Rock Tracks.

Luego de un año de descanso la banda se reune de nuevo en Nueva York y Connecticut a finales de 1996 para dedicarse de lleno a la grabación de lo que sería su nuevo material discográfico. Para esta nueva producción además de contar con la producción ejecutiva de Don Was (ya trabajó con ellos en Voodoo Lounge y Stripped) echaron mano de The Dust Brothers (productores de Beck y Beastie Boys), Pierre de Beauport, Rob Fraboni y y Danny Saber (productor de Black Grape). El 29 de septiembre de 1997 se lanzó Bridges to Babylon al mercado y fue precedido del sencillo "Anybody Seen My Baby?." El nuevo sencillo gozó de éxito en Europa colocándose entre las mejores 40 canciones más escuchadas y llegó al número 3 del Mainstream Rock Tracks del Billboard, el videoclip promocional (protagonizado por la actriz estadounidense Angelina Jolie) estuvo en constante rotación en MTV y al final del año escaló hasta el puesto 69 entre "Los 100 videos más pedidos de MTV." En este abundaban los temas de rhythm and blues, rock, reggae y blues que siempre se esperaba del grupo, pero además de algunas influencias en la música electrónica, cosa que a Richards no interesó demasiado. Las críticas a su trabajo fueron mixtas y las ventas aceptables, alcanzando pronto el disco de platino. Para la segunda mitad del año anunciaron el inicio de su nueva gira, Bridges to Babylon Tour, que arrancó el 4 de septiembre en Toronto, Ontario; esta recorrió toda Norteamérica y terminó el año con una presentación en el Edward Jones Dome de St. Louis, Missouri el 12 de diciembre.

Tras quince días de descanso reanudaron sus presentaciones el 5 de enero de 1998 con un concierto en el Colisée Pepsi de Quebec y concluyeron su paso por la Unión Americana, solo interrumpido por un par de presentaciones en México los días 7 y 9 de febrero, con un espectáculo en Las Vegas a mediados de febrero. Durante estos conciertos editaron "Saint of Me" el 26 de enero pasado como segundo corte, este llegó al #26 en el RU y al #94 en el Billboard 100 de EE. UU, a la vez que al #13 en el Mainstream Rock Tracks de la misma publicación. De ahí partieron a Japón, realizaron su segunda visita a Brasil y Argentina entre marzo y abril, y regresaron a Estados Unidos y Canadá. En junio llegaron a Europa e iniciaron la última parte de su travesía, Núremberg, Alemania fue la primera fecha y terminaron el año con la presentación en el Estadio Ali Sami Yen de Estambul, Turquía el 19 de septiembre. Una vez más, un álbum en vivo fue lanzado el 2 de noviembre No Security, sólo que esta vez todas, a excepción de "Live With Me" y "The Last Time", eran inéditas en álbumes en vivo. En enero de 1999 emprenden una mini gira norteamericana llamada No Security Tour en donde tocaron por tres meses exclusivamente en lugares cerrados para no más de 20,000 personas por primera vez en más de 25 años. Reanudan se Bridges to Babylon Tour el 29 de mayo con una presentación en Stuttgart, Alemania y terminan definitivamente el 20 de junio del mismo año en Cologne. Lo recaudado por esta gira eclipsó a lo hecho en la anterior, que a pesar de efectuar menos conciertos (108 en total) y tener por tanto menos audiencia (4,577,000 personas), con ganancias netas superiores a los $390 millones de dólares. Los siguientes años no vieron actividad del grupo, aunque Mick Jagger y Keith Richards realizaron una breve aparición en el "Concierto por Nueva York" realizado en el Madison Square Garden de la dicha ciudad y que tuvo como objetivo recaudar fondos para las víctimas de los atentado del 11 de septiembre. Unos meses más tarde, Jagger editó su cuarto matrerial solista Goddess in the Doorway.

El 30 de septiembre de 2002, en conmemoración de sus 40 años como agrupación musical, editan su álbum doble recopilatorio Forty Licks (RU #2 / EE. UU. #2) al mismo tiempo que ponen en la radio "Don't Stop" para promocionar el compilatorio. La canción tuvo un éxito mediano alrededor del mundo ocupando el lugar 50 en el Global Track Chart, el 21 en el Mainstream Rock Tracks de EE. UU. y el 36 en Gran Bretaña, aunque fue un éxito en Japón (#8), Taiwan (#5) y Argentina (#7). Este disco doble de cuarenta pistas contenía las temas más conocidos del grupo desde 1964 y cuatro nuevas composiciones grabadas a mediados de ese año en París. El material fue un gran éxito comercial, vendió en su primera semana 310,000 unidades y al final del año se posicionó entre los discos más vendidos del año al rebasar la marca de las seis millones de unidades compradas alrededor del mundo sólo ese año, de las cuales la mitad fueron sólo en los Estados Unidos y así certificarse tres veces platino. Antes del lanzamiento de este compilatorio ya habían comenzado una gran gira mundial bajo el nombre de Licks Tour el 3 de septiembre con una presentación en el FleetCenter de Boston, dicha gira coincidió con su inclusión en la lista de "Las 50 bandas que debes ver antes de morir" de la revista Q y esto dio al público que llenó los conciertos la oportunidad de comprobarlo. Después de más de treinta presentaciones concluyeron el año con un espectáculo en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas el 30 de noviembre.

El 8 de enero de 2003 se presentan en el Bell Centre de Montreal y continúan con sus presentaciones por Norteamérica hasta acabarlas el 8 de febrero en Las Vegas. Dan conciertos por Australia, Japón y Singapur entre febrero y marzo pero las fechas de marzo y abril en China (Hong Kong, Shanghái y Beijing) y Tailandia fueron canceladas debido a la epidemia del síndrome respiratorio agudo severo (SRAS), aunque pasan por primera vez por la India el 4 y 7 de abril, sin embargo los roqueros tocarían dos conciertos de restitución los días 7 y 9 de noviembre como parte de un festival para promover el turismo después de la epidemia. Llegan a Europa en junio y esta parte del trayecto es interrumpido el 30 de julio por una fugaz aparición de los Stones en el Molson Canadian Rocks for Toronto en Toronto, Canadá ante 490,000 personas, a beneficio de las víctimas de la epidemia del SRAS de marzo de 2003. Ese mismo mes editan su box set de cuatro DVDs titulado Four Flicks, que contenía las presentaciones en el Teatro Olimpia de París, el Madison Square Garden de Nueva York y el Estadio Twickenham de Londres, extraídos de su más reciente gira. Los DVDs sólo fueron comercializados en la cadena de tiendas Best Buy Co. Inc. por un contrato de exclusividad con la misma, cosa que no agradó a muchos distribuidores (incluyendo HMV Canada y Circuit City) que en respuesta tiraron discos y artículos relacionados de los Stones. Esto no impidió al boxset que debutara en el primer lugar del Comprehensive Music Videos de la Billboard y llegó a certificarse 19 veces platino (por más de 1,900,000 de copias vendidas) convirtiéndose en el concierto en DVD más vendido en la historia de los Estados Unidos. Terminaron su gira en un concierto en el Estadio Letzigrund de Zúrich, Suiza el 2 de octubre, su tour se colocó como el segundo más grande realizado por el grupo con ganancias superiores a los $300 millones de dólares gracias a un lleno del 99% (3.4 millones de asistentes) en todas sus 116 presentaciones.

Después de un breve periodo de descanso durante el primer semestre de 2004 la banda vuelve a la actividad a mediados del año con la grabación de un nuevo material dsicográfico. Por esos días se dio a conocer la noticia de que el baterista Charlie Watts padecía cáncer (en la garganta), se lo habían diagnosticado en junio y se sometió a una pequeña operación para la extirpación del tumor, para cuando la noticia fue publica - a mediados de agosto - el baterista ya llevaba cuatro semanas en tratamiento de radioterapia en el Royal Marsden Hospital de Londres, aunque le quedaban otras dos semanas de tratamiento médico. La enfermedad de Watts obligó a la agrupación británica a suspender sus conciertos y grabaciones hasta la completa recuperación de su integrante, aunque para principios de octubre el baterísta "ya se encontraba limpio de cualquier enfermedad" según las declaraciones que Mick dio al periódico británico Daily Mirror. En noviembre editan el disco doble en vivo Live Licks (RU #38 / EE. UU. #50), grabado en la última gira en el cual se mezclan clásicos de la banda en el primer disco con canciones no tan difundidas en el segundo.

La primera parte del siguiente año se la pasaron en la residencia del cantante Mick Jagger, un château del siglo XVI llamado La Fourchette, ubicada en el pequeño poblado de Pocé sur Cisse, departamento Indre-et-Loire, en el centro de Francia, grabando su próximo material, aunque durante agosto y septiembre de año pasado las sesiones se habían alternado con la otra residencia de Jagger localizada en la caribeña isla de San Vicente. El ansiado anuncio del título de su nueva colección de canciones se dio el 26 de julio de 2005, coincidiendo con el 62º cumpleaños de Jagger, que sería promocionado por su nueva gira mundial A Bigger Bang Tour anunciada el 10 de mayo pasado en un pequeño concierto en la Juilliard School de Nueva York, cuyo inició se daría con su presentación en el Fenway Park de Boston el próximo 21 de agosto. Un día después del inicio de la gira ponen en circulación "Streets of Love"/"Rough Justice" como sencillo promocional, este no tuvo mucha circulación en América (no entró al Billboard Hot 100) en contraste con el éxito que tuvo en el resto del mundo, ocupó el primer lugar en las listas de éxitos de España, entró a los top-10 de Argentina, Países Bajos (#5), Dinamarca (#4), Suecia (#5), Finlandia (#10) y Canadá; y se coló en los top-20 de sencillos de Noruega (#14), Alemania (#15), Reino Unido (#12), e Italia (#16); debutó en el puesto 31 del Global Track Chart y permaneció en ella cinco semanas. Su vegésimo cuarto (vigésimo quinto en EE. UU.) material original A Bigger Bang (RU #2 / EE. UU. #3), primer álbum de estudio en ocho años y su disco más extenso desde Exile on Main St. de 1972, fue lanzado el 5 de septiembre, el título del mismo reflejaba la fascinación del grupo por la teoría científica sobre el origen del universo. Recibió en general críticas favorables y ganó elogios como "Su mejor producción desde Tattoo You" o "Su mejor grabación desde Some Girls." Esta producción, en la que regresaron nuevamente a sus raíces en el blues, fue alabada por la decisión de la banda de "no competir con las tendencias actuales y sólo enfocarse en ser The Rolling Stones," los sexagenarios artistas además incluyeron en el material su canción más controversial en años, "Sweet Neo Con", una canción basada en el blues y funk con gran carga política (no vista desde Undercover) que critica al Neoconservadurismo americano y en especial fue vista como un ataque al Presidente de los Estados Unidos George W. Bush, ya que Jagger siempre se mostraba crítico a su administración, a pesar que más tarde el mismo vocalista desmentiría que la canción fuera "Anti-Bush." El resto del año tocaron a lo largo de toda Norteamérica (Estados Unidos y ocasionalmente en Canadá) hasta parar temporalmente el 3 de diciembre en el FedExForum de Memphis, Tennessee. El 22 de noviembre editaron Rarities 1971–2003, un disco compacto de remezclas, temas poco populares y grabaciones difíciles de encontrar (lados-B y grabaciones en vivo) de los Stones, en sociedad con las populares cafeterías Starbucks Corp. y la discográfica Virgin Records. Los primeros días de diciembre, un par de días después del final momentáneo del A Bigger Bang Tour, ponen en circulación "Rain Fall Down", este segundo sencillo con corte funk/disco tuvo menos repercusión que el anterior llegando apenas al puesto 33 en la Gran Bretaña, al 31 de Italia y ocupando modestos puestos en el resto de Europa. La gira Norteamérica 2005 de la banda británica resultó ser la más existosa de todos los tiempos en Estados Unidos, según la revista especializada Pollstar, los veteranos rockeros rompieron su propio récord de hace once años (establecida en el Voodoo Lounge Tour) vendiendo $162 millones de dólares en entradas, en 42 conciertos ante 1,200,000 personas.

Pasada las vacaciones invernales reanudaron su gira el 10 de enero de 2006 en el Centre Bell de Quebec, Canadá y siguieron por la Unión Americana. Como parte del A Bigger Bang Tour tocaron el 5 de febrero en el medio tiempo del Super Bowl XL celebrado en el Ford Field de Detroit, Míchigan, durante la presentación de doce minutos las letras de "Start Me Up" y "Rough Justice" fueron censuradas por ser "sexualmente explícitas" (ABC retrasó la transmisión cinco minutos para evitar 'escándalos' como el que en 2004 produjo la cantante Janet Jackson y que le costó a la cadena CBS una multa de 550.000 dólares) mientras que "(I Can't Get No) Satisfaction" fue dejada intacta. A mediados de ese mes visitan por primera vez Puerto Rico (causando gran revuelo) y ofrecen un concierto en el Coliseo de Puerto Rico de la capital San Juan, días más tarde se trasladan a Brasil para ofrecer el show más másivo en su larga y extensa carrera ante más de un millón y medio de personas que asistieron al concierto gratuito en las playas de Copacabana de Río de Janeiro. Tres días más tarde tocan en un par de fechas en el Estadio Monumental de Buenos Aires, Argentina y terminan su trayecto por Latinoamérica dando dos conciertos en el Foro Sol de la Ciudad de México y el Estadio Universitario de Monterrey en México. Regresan a Norteamérica en marzo y finales del mismo se presentan en Japón, China, Australia y Nueva Zelanda, después de su último concierto en Nueva Zelanda el 18 de abril la banda se toma un mes de descanso antes de iniciar su travesía por Europa. Durante estas vacaciones Keith Richards sufrió una conmoción cerebral al caerse de una palma de coco mientras se encontraba descansando en las islas Fyji con su familia y amigos, por lo que fue trasladado de inmediato a Nueva Zelanda donde a principios de mayo se le practicó una operación para extraerle sangre del cerebro como consecuencia de la caída, este accidente causó que fueran postergadas varias fechas en su tour europeo, por lo que decidieron reajustar su itinerario y reiniciarlo el 11 de julio en el Estadio San Siro de Milán, Italia y finalizarlo el 3 de septiembre en Horsens, Dinamarca, sin embargo cancelaron las presentaciones en Valladolid y El Ejido (ambas localidades de España) los días 14 y 16 de agosto debido a que el vocalista Mick Jagger sufría laringitis. Para seguir promoviendo su nuevo compacto editan el 21 de agosto "Biggest Mistake", esta canción pop-acústica ingresó a la lista de las canciones más escuchadas de Gran Bretaña y logró posicionarse en el lugar 51. Regresaron a Norteamérica para dar su última visita de la gira, el primero de ellos se realizó el 20 de septiembre en el Gillette Stadium de Foxborough, Massachusetts y su último en América del Norte, y del año, fue en el BC Place Stadium de Vancouver, Columbia Británica el 25 de noviembre. Su nueva y última etapa por la Unión Americana y Canadá les dejó $138.5 millones de dólares en ganancias, la tercera más grande de la historia de ese país sólo debajo de su propia marca establecida en 2005 con $162 millones y el Vertigo Tour de U2 que recaudó alrededor de $138.9 millones.

Luego de unos meses de inactividad, en la segunda mitad de marzo de 2007 anunciaron el inicio de su último tour europeo, cuyas fechas sustiruirían a las canceladas del año pasado. Empezaron el 5 de junio en Werchter, Bélgica, su A Bigger Bang 2007, primero de más de 20 shows a través del viejo continente, durante esta travesía la banda encabezó por primera vez el cartel de un festival en el Reino Unido (su primer festival inglés en 31 años), el Festival de la Isla de Wight, a celebrarse el 10 de junio, entre su programación figuraban presentaciones en países poco o nunca visitados por el grupo como Rumania, Rusia, Serbia y Ucrania. Durante el transcurso de su viaje lanzan el 12 de junio su segundo boxset de cuatro DVDs titulado The Biggest Bang, que al igual que el anterior, fue vendida única y exclusivamente en las tiendas de Best Buy. Esta colección de DVDs con una duración de siete horas reunía las presentaciones en Austin, Río de Janeiro, Saitama, Shanghái, y Buenos Aires; además de otros extras como compilaciones de duetos con estrellas invitadas como Bonnie Raitt y Eddie Vedder, canciones extras, biografías de los integrantes del grupo y un documental de la gira. El 9 de julio tocaron en Budva, una pequeña población del país balcánico de Montenegro (que se había separado de Serbia en junio pasado, terminando así la alianza que iniciaron el 1918) para animar su reciente independencia. El tour acabó con tres presentaciones el 21, 23 y 26 de agosto en el O2 Arena de Londres. A finales de septiempre se dio a conocer que su A Bigger Bang fue incluida en la última edición del Libro Guinness de los récords por ser "la gira con más ganancias de la historia" con más de $437 millones de dólares recaudados en 147 fechas entre el 21 de agosto de 2005 y el 26 de agosto de 2007, aunque en palabras de su productor y promotor de giras Michael Colh, las ganancias superaron los $500 millones, en cifras exactas los rockeros se embolsaron la suma de $558,255,524 dólares. El 2 de octubre Mick Jagger lanzó al mercado un disco recopilatorio de su trabajo como solista llamado The Very Best Of Mick Jagger y un mes después la ABKCO Records re-edito el Rolled Gold (de veintiocho canciones) de 1975 y lo lanzó como Rolled Gold+: The Very Best of the Rolling Stones (con cuarenta pistas) el 12 de noviembre en la Gran Bretaña, este se encontraba disponible en formato de doble CD, cuadruple vinilo y en edición USB flash drive, aunque también podía descargarse digitalmente.

El 7 de febrero de 2008 se estrena en el 58° Festival Internacional de Cine de Berlín la película Shine a Light, un documental dirigido por el ganador del Óscar Martin Scorsese grabado durante las presentaciones en el Beacon Theater de Nueva York los días 29 de octubre y 1 de noviembre de 2006 como parte de su gira A Bigger Bang Tour. El filme tenía fecha tentativa de lanzamiento el 21 de noviembre de 2007 pero la Paramount Classics decidió posponerla hasta el 4 de abril del próximo año, este contó con las apariciones especiales del cantante del dúo musical de rock alternativo The White Stripes Jack White, la cantante pop Christina Aguilera y del guitarrista de blues/rock Buddy Guy. El documental tuvo buena recepción por parte de los críticos y un éxito moderado en taquilla recaudando $5,371,629 dólares en los Estados Unidos y $13,701,676 dólares a nivel mundial. La banda de sonido de la película, décimo disco en vivo de la banda, fue lanzado simultáneamente consiguiendo un inesperado debut en el puesto 2 del ránking inglés vendiendo 23,013 copias en su primera semana, su mejor posición en los charts de un disco en vivo de la banda desde su Get Yer Ya-Ya's Out! editado hace 38 años, y el puesto 11 del norteamericano vendiendo 37,117 copias, el debut más grande de los Stones en los EE. UU. para un álbum en vivo suyo desde Stripped de 1995. El disco vendió en su primera semana más de 44,000 discos (puesto #33 en el World Track Chart) a nivel mundial mientras que en su segunda más de 104,000 (alcanzando el #6, su puesto más alto en el World Track Chart, en ventas a nivel internacional), hasta la fecha lleva vendido entre 560,000 y 645,000 copias alrededor del mundo. A inicios de junio diversos medios comenzaron a especular sobre un posible cambio de discográfica ya que su contrato con EMI expiró en mayo, específicamente se ligó a la banda con la promotora de conciertos Live Nation, que recientemente había firmado a Madonna y Jay-Z con grandes contratos multimillonarios, cosa que desmentían una y otra vez. Empero a finales del mismo mes se hizo el anuncio oficial que The Rolling Stones firmaron un contrato exclusivo mundial y a largo plazo con Universal Music (con el que habían firmado un acuerdo para la publicación en exclusiva de su nuevo disco Shine a Light desde enero pasado), dándole otro golpe a EMI Group PLC, su compañía discográfica por más de dos décadas que hacía poco tiempo había perdido a Paul McCartney y Radiohead debido a los cambios en la empresa desde su adquisición por Terra Firma el año pasado; su nueva compañía lanzará nuevas grabaciones de los Stones bajo su subsidiaria Polydor Records, la cifras del acuerdo no fueron publicados. Universal Records adquirió los derechos para la distribución en EE. UU. del material anterior a 1994 mientras que el material posterior será distribuido por Interscope Records.

The Rolling Stones se caracterizan por melodías sencillas y estructuras simples donde no abundan demasiados acordes, que acompañan a letras crudas que tocan temáticas sociales y con contenido explícitamente sexual. Durante su extensa carrera han adicionado varios géneros musicales a su largo repertorio, entre estos se encuentran principalmente blues americano, country, folk, reggae y el dance. En primeras instancias, los Stones hacían uso de un sonido R&B basado en el blues surgido de los intereses mutuos de Jagger y Richards por la música norteamericana, ellos admiraban a los grandes artistas de ese tiempo como Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley, Muddy Waters, Fats Domino, Jimmy Reed y Little Walter. Estos influenciaron primeramente al líder de la banda de ese entonces, Brian Jones, que estaba más interesado en otros artistas como T-Bone Walker, y después de su inclusión en el grupo a Charlie Watts, un tradicional baterista de jazz que repudiaba el rock and roll y el blues.

Los primeros Rolling Stones eran esencialmente intérpretes de rhythm & blues y soul americano, pero debido al hipercompetitivo mercado del rock inglés atiborrado con grupos como The Who o Kinks, se vieron en la obligación de escribir sus propias canciones para comenzar a destacar y diferenciarse. Sus primeros intentos de temas propios como "Little by Little", "Heart of Stone" o "What a Shame" seguían la estructura propia de sus Ídolos de R&B, pero ya en temas tan tempranos como "Off the Hook" se aprecia esa mezcla de frustración, duda y desconfianza ante el sexo opuesto que les valieron a Jagger y a Richards las primeras acusaciones de misoginia (también observada en la posterior "Under My Thumb"), pero que tan bien resume las difíiles relaciones de las parejas inglesas de entonces. Otra cosa a destacar es que a pesar de la prevalencia del blues y R&B en sus primerios repertorios, su primera composición original refleja otros intereses, el primer sencillo acreditado a Jagger/Richards, "Tell Me (You're Coming Back)," es descrita como una "una balada pop/rock que se parecía mucho a los típicos números pop del Mersey." Otra destacada de estas canciones iniciales fue "As Tears Go By," una balada originalmente escrita para Marianne Faithfull, novia en ese entonces del vocalista del grupo Mick Jagger, que distaba mucho de las primeras grabaciones stonianas por ser "una canción realmente madura" y en palabras del propio vocalista "iba en contra de la imagen 'viril' que reflejaban por esos tiempos." Por 1967 editaron dos álbumes influenciados en la corriente psicodélica que reinaba en la época: Between the Buttons, un collage de temas rock y baladas con tintes psicodélicos y R&B, y Their Satanic Majesties Request, mucho más arriesgado que el anterior, con que les fue bastante mal debido a las inevitables comparaciones con el Sgt. Pepper de The Beatles. En este se apreciaban cuestionamientos filosóficos futuristas, comentaban con ironía y cierta melancolía sus recientes experiencias carcelarias y experimentaban con ritmos e instrumentos exóticos (como el meletrón y la incorporación de orquesta) en el resto del album.

Con el final de los 60s, la temática de sus letras tomaron un carácterer más político y crítico como en "Street Fighting Man", en la anticipaban el fragor de las luchas estudiantiles parisinas de esos días y también el encarnizamiento de los choques entre la policía y los opositores a Vietnam en Estados Unidos que ocasionó la masacre de la Universidad de Kent State, o "Gimme Shelter", el cual se ven referencias a la guerra de Vietnam e incluso es descrita como un "canción apocalíptica" por el mismo Jagger. Beggars Banquet, que incluye a esta primera, reunía ritmos blues y R&B con pinceladas de música country, resultado de la gran influencia que el pionero del country-rock Gram Parsons tenía sobre el guitarrista Keith Richards, uno de sus mejores amigos en ese tiempo. En sus tres posteriores materiales Let It Bleed, Sticky Fingers y Exile On Main St. tratan principalmente sobre la soledad y alienación que sufren estas estrellas rock. Este último se destacó por la gran diversidad de ritmos presentes, pasando del rockabilly y blues hasta el gospel y jazz, además de los clásicos rock/blues/R&B de la banda. Entrados los setentas viven una etapa de decadencia, estancados en una música rock-pop, salvo algunos experimentos con el funk y reggae en Black and Blue, y sólo sostenidos por grandes éxitos como "Angie", para mantenerlos aún en el mercado musical ante la venida de nuevos géneros, Punk y Disco. Para superarlo, tras la salida de Mick Taylor, liberan Some Girls, producción metálica y destacado manejo de guitarras que consistía en un repertorio con la crudeza del punk, reservándose el tema principal, "Miss You", considerado un tema disco. Sus subsecuentes materiales rondaron en el mismo estilo, exceptuando Dirty Work y su colaboración con the Master Musicians of Jajouka que resultó en el tema "Continental Drift", considerado world music. En su más reciente material A Bigger Bang, parece olvidarse de sus álbumes anteriores debido a que retoma el "clásico sonido stone" con influencias más cercanas al R&B y blues.

The Rolling Stones es considerado uno de los mejores y más influyentes grupos en la historia del rock, en palabras del crítico italo-americano Piero Scaruffi: " ...en su tiempo revolucionaron la música retomando el rhythm and blues y asimilando todo lo "malo" de este (la actitud arrogante, la manera 'vulgar' de interpretación, la letras obscenas y sexualmente explicitas) para comprometerlo con las frustaciones de toda una generación." Durante el desarrollo de su trayectoria se fueron convirtiendo en la definición del rock, una banda emblemática del género. Mick Jagger y Keith Richards establecieron con The Rolling Stones el estereotipo de la clásica banda de rock: Le dieron a un sonido, con raices en el R&B y blues norteamericano; un contenido, canciones con temáticas sobre decepción, sexo, drogas y mujeres; una apariencia, de chicos desaliñados, sucios e intimidantes; y una imagen pública, comportándose como "chicos malos" en constantes problemas con la ley por el contenido de sus composiciones y su abierta adicción a las drogas y al alcohol.

En los inicios de su carrera su música tuvo gran repercusión en el sonido de bandas como la pionera del rock psicodélica Jefferson Airplane, The Flamin' Groovies, y Humble Pie, en los años 70s sus composiciones también quedaron plasmadas en algunos materiales de diversos cantantes, entre los que se incluyen a Terry Reid, Rod Stewart, y David Bowie. La combinanación de rock, blues y R&B característica de los Stones se apreció en algunas producciones de la agrupaciones setenteras como los hard rock ingleses Led Zeppelin, los texanos de ZZ Top y más notoriamente en Aerosmith. Aunque se encuentran algunos destellos de Jagger y compañía en otras bandas de géneros distintos como la punk rock New York Dolls, J. Geils Band, los brit pop de Oasis y The Verve, Primal Scream, y los suecos The Hives. Por mencionar a otros que se podrían enlistar a Guns N' Roses, Cinderella, el supergrupo Velvet Revolver, los australianos de Jet. y The Black Crowes. Algunos materiales de The Rolling Stones de igual forma fueron los impulsores de otros artistas como es el caso del tema «I Just Want to See His Face», cuya atmósfera densa fue precursora de los sonidos de las producciones de Sonic Youth y Tom Waits o el álbum de 1972 Exile on Main St., que fue la inspiración del aclamado disco debút de la cantautora estadounidense Liz Phair: Exile In Guyville de 1993.

En Latinoamérica han tenido gran repercusión en diversas bandas argentinas como Los Piojos, La 25, Callejeros, Intoxicados, Hijos del Oeste y Los Ratones Paranoicos. En dicho país sudamericano, su primera visita a mediados de los 90s hizó surgir un movimiento urbano denominado Rolinga, cuyos seguidores mezclan su fanatismo por la banda de Mick Jagger con otras bandas locales ligadas al primer rock barrial tal es el caso de Los Piojos o Divididos, y luego del surgimiento del rock chabón, los rolingas se hicieron seguidores de bandas tales como Callejeros, Viejas Locas y La 25, todas ellas con notable sonido stone.

Durante los primeros años de la banda, su antiguo líder Brian Jones produjo, escribió e interpretó la banda de sonido de la película Mord und Totschlag (también conocida como A Degree Of Murder), un filme avant-garde alemán de 1966 protagonizado por su entonces novia Anita Pallenberg y dirigida por Volker Schlöndorff, este fue tal vez el único material como solista que lanzó Jones en vida. Poco después contribuyó tocando el saxofón en la canción "You Know My Name (Look Up the Number)" del grupo The Beatles, composición que fue editada como lado-B de "Let It Be" el 6 de marzo de 1970. En 1971 se editó a título póstumo Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka, grabado por el mismo guitarrista con un grupo local de una villa de Marruecos llamado Master Musicians of Joujouka en 1968, este álbum de World music surgió debido a la insistencia del pintor y novelista Brion Gysin y su compañero de profesión marroquí Mohamed Hamri de que el compositor escuchara la música de esa región africana. El guitarrista Keith Richards colaboró con otros artistas antes de lanzar su primer disco solista como en la canción "All You Need Is Love" de The Beatles en 1967 (haciendo de voz de fondo) además que tocó el bajo y la guitarra en el álbum del músico soul y teclista ocasional del grupo durante los 70s Billy Preston: That's the Way God Planned It (1969). Su primer disco de solista se lanzó en 1988 bajo el título Talk is Cheap año en el que circuló también su disco en vivo Live at the Hollywood Palladium, en octubre de 1992 puso a la venta el que es hasta ahora su último material solista Main Offender.

El vocalista Mick Jagger es el que ha tenido más éxito como solista, su primer disco She's The Boss de 1985 alcanzó el disco de platino en los Estados Unidos, ese mismo año lanzó a duo con David Bowie el sencillo "Dancing in the Street", la canción original de Martha and the Vandellas sirvió como promocional para el movimiento caritativo de Live Aid. El año anterior colaboró con el grupo juvenil de R&B The Jackson 5, interpretando junto a Michael Jackson, vocalista del quinteto, "State of Shock", canción que se convirtió el sencillo más exitoso de su álbum Victory. Durante el máximo momento de crisis de la banda puso en circulación Primitive Cool, aunque no tuvo tanta repercusión como su material anterior. Posteriormente Jagger realizó materiales en los periodos de descanso de The Rolling Stones, Wandering Spirit (1993) fue editado después de la gira Steel Wheels/Urban Jungle Tour, Goddess in the Doorway (2001) posterior al Bridges to Babylon Tour y The Very Best Of Mick Jagger (2007) luego del A Bigger Bang Tour. En 2004 compuso las letras de la banda de sonido de la película Alfie, cuyo corte promocional "Old Habits Die Hard" - en el cuál colaboró Dave Stewart, ex-miembro del grupo inglés de synthpop Eurythmics - le valió ganar numerosos premios incluyendo el Globo de Oro por Mejor Canción Original en 2005. Ronnie Wood es otro miembro stone que ha editado discos solistas, para cuando llegó a la banda él ya contaba con un repertorio en solitario, además es fundador del grupo The New Barbarians. Hasta ahora ha lanzado diez materiales desde que se unió a The Rolling Stones: Gimme Some Neck (1979), 1234 (1981), Live at the Ritz (1988), Slide on This (1992), Slide on Live: Plugged in and Standing (1993), Live and Eclectic (2000), Not for Beginners (2001), Ronnie Wood Anthology: The Essential Crossexion (2006), Buried Alive: Live in Maryland (2006) y The First Barbarians: Live from Kilburn (2007). El baterista Charlie Watts, a pesar de pertenecer a un grupo rock, siguió amando el jazz y con su "Charlie Watts Quintet" editó varios discos siendo los dos últimos From One Charlie y A Tribute to Charlie Parker with Strings a principios de los 90s.

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