Martin Scorsese

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Publicado por astro 13/04/2009 @ 22:15

Tags : martin scorsese, directores de cine, cine, cultura

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Martin Scorsese

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Martin Marcantonio Luciano Scorsese (n. Flushing, Estado de Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor en 1987.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.

Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spilberg, que son buenos amigos suyos.

Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a edad temprana, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño enfermizo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo cual contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italianamerican, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Buenos muchachos o Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.

Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Realizó su primer largometraje, Who's That Knocking at My Door? (¿Quién llama a mi puerta?, 1969) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la "banda" de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual dio pie a una estrecha amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.

En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock y realizó el documental Street Scenes (1970).

En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo de productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre otros Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Boxcar Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual le preparó para su primera película con Robert de Niro (aunque éste aún encarnaba a un personaje secundario y el protagonista seguía siendo Keitel), Mean Streets (Malas calles).

Hasta esta película Scorsese no se sentía satisfecho con su trabajo, pero aquí fraguó finalmente un estilo personal e intransferible. La película no resultó un éxito de taquilla, pero llamó poderosamente la atención de la crítica, y Scorsese y De Niro comenzaron a sonar con gran fuerza en los circuitos de Nueva York. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Óscar a la mejor actriz por esta película. Scorsese demostraba con este drama realista, que podía moverse en muchos registros sin ningún problema.

A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.

Dos años después, en 1976, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. Sobre un libreto de Paul Schrader, uno de los guionistas más brillantes de las últimas décadas del siglo XX en EEUU, quien se inspiró en varias noches noctámbulas que vivió tras su divorcio, Scorsese se vio catapultado al estrellato con esta perturbadora historia, que protagonizó magistralmente un Robert De Niro en plenas facultades tras su gran éxito con El Padrino, parte II. La película se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes y generaría un creciente prestigio que se mantiene hasta el día de hoy. Todavía hay un papel de reparto para Harvey Keitel y supuso el descubrimiento de una joven Jodie Foster, quien tendría una de las cuatro nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto.

Su enorme fama le dio coraje para afrontar un atípico musical, su primera película de alto presupuesto: New York, New York. La pareja protagonista estuvo formada nuvamente por De Niro, en su tercera colaboración con el director, y una incombustible Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo -él saxofonista, ella cantante- que a lo largo de varias décadas mantuvieron una relación amorosa mientras trabajaban juntos en varios espectáculos musicales. Contó con un gran trabajo de decorados a cargo de Boris Leven, Harry Kemm y Robert De Vestel, pero no fue suficiente para atraer al público a las salas y amortizar el alto coste del filme. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese fue un rotundo fracaso de taquilla, pero su canción principal, "New York, New York" alcanzó la categoría de clásico en la versión cantada por Frank Sinatra.

Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.

Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje), sobre la vida y la carrera pugilística del violento y perturbado Jake LaMotta, de nuevo sobre guión de Paul Schrader, que adaptaba libremente las memorias del deportista. Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial. Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo ] por este papel), y Joe Pesci a su hermano. Además, ésta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje.

La película no alcanzó ningún éxito de público, pero afianzó nuevamente a Scorsese en el podio de los realizadores más poderosos del panorama norteamericano, a la vez que de los más arriesgados, en pleno momento de crisis, con los estudios radicalizando sus ideas y con los autores en estado de sospecha tras los fracasos de directores como Michael Cimino y Francis Ford Coppola. Recuperado por tanto de sus adicciones, Scorsese empezó la nueva década con una película votada la mejor de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound.

Por entonces Scorsese ya le daba vueltas a dos proyectos que tardarían en ver la luz: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) adaptación del libro de Nikos Kazantzakis La última tentación (1951), y Gangs of New York. Originalmente, la primera iba a ser producida bajo el sello Paramount en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años. La segunda sería una colosal producción para la que el director no tuvo inversión hasta veinte años después.

Tres años después de su drama sobre el boxeo, Scorsese estrenaría una de sus películas menos conocidas y más reivindicables, la comedia negra King of Comedy (El rey de la comedia), de nuevo interpretada por De Niro, que daba vida a un fanático de un cómico encarnado por Jerry Lewis. Nuevo fracaso de taquilla.

En 1985 regresa a Nueva York para rodar un filme más acorde a lo que generalmente se espera de él, un retrato de los bajos fondos neoyorquinos. After Hours (en España, Jo, ¡qué noche!) representa, en cierta medida, un retorno a ambientes en los que él se maneja a la perfección, aunque esta ocasión se trata de un relato con tintes kafkianos, en el que un pseudo yuppie vive una delirante pesadilla dentro de los límites más perturbadores del Soho. La película obtendría un más que digno resultado en taquilla y le reportaría a Scorsese el premio al mejor director en el Festival de Cannes.

En 1986, dirigió The Color of Money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The Hustler (El buscavidas, de Robert Rossen), en la que Paul Newman ya interpretó al jugador de billar Eddie Felson. En esta ocasión se trata de un homenaje, y a la vez, segunda parte hacia aquel mítico filme, pero en color y proponiendo una aventura plenamente scorsesiana, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. Segundo Óscar para Newman, éste como Mejor actor después de que el año anterior ganara uno como homenaje a toda su carrera.

Después, Scorsese dirigió el vídeoclip de la canción "Bad" (1987) para Michael Jackson.

Finalmente Scorsese pudo filmar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo) en 1988, con un presupuesto modesto pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película otorgó credibilidad y prestigio al filme.

En 1989 se reunió con sus amigos Francis Ford Coppola y Woody Allen para rodar el filme colectivo Historias de Nueva York, para el que cada uno de ellos dirigiría un mediometraje. El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, y quizá el mejor: Life Lessons, sobre las relaciones amorosas de un pintor deprimido (interpretado por Nick Nolte), quien intenta inspirarse gracias a la presencia de Rosanna Arquette.

Lo primero que se vio en 1990 dirigido por él fue el alabado corto documental Made in Milan, en torno a la figura de Giorgio Armani. Pero ese año Scorsese dirigiría su primera película sobre la mafia desde Malas calles.

Con Goodfellas (Uno de los nuestros) Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, para contarnos la historia verídica del 'ex-mafioso' Henry Hill, interpretado por el entonces emergente Ray Liotta. En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gangsters (Liotta, un recuperado Joe Pesci y De Niro) que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de Nueva Jersey. Considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho, Uno de los nuestros propone una irónica versión del sueño americano, pervirtiéndolo a través de los ojos de Hill.

La película obtuvo un sinfín de alabanzas, y era la favorita para los premios Óscar, largamente codiciados por Scorsese dada su cinefilia, pero perdió en favor del inferior Dances with Wolves de Kevin Costner (Bailando con lobos), aunque Pesci se alzó con la estatuilla a mejor actor en papel de reparto.

Scorsese prosiguió su carrera haciendo un remake de una película clásica que protagonizó Robert Mitchum en 1962: Cape Fear, (El cabo del terror, El cabo del miedo), contó con De Niro como Max Caddy, Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su mujer y una debutante Juliette Lewis como la hija de ellos. Resultó el mayor éxito económico de su director hasta la fecha, aunque teniendo en cuenta que iba en principio a ser dirigida por Steven Spielberg mientras él haría La lista de Schindler (luego se intercambiaron proyectos), y teniendo en cuenta que Spielberg ganaría el Óscar por ésta, supuso una nueva decepción más respecto al Óscar.

En 1993 Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York.

En 1995 rodó una nueva historia de gangsters, con un dúo conocido (De Niro y Pesci), y la sorprendente aportación de una fenomenal Sharon Stone, Casino, sobre los casinos controlados por la mafia en los años 70 y 80 en la ciudad de Las Vegas. Tres horas de melodrama en la línea de sus aportaciones al género y con un tono melancólico desconocido hasta el momento.

1997 sería el año de otro proyecto no muy bien recibido por sus admiradores, que siempre esperan películas de la mafia: Kundun, sobre la vida y exilio del decimocuarto Dalái Lama, una película que algunos sectores críticos intentan reivindicar.

En 1999 estrenó Bringing out the Dead, que viene a ser como la otra cara de la moneda de la pesadilla urbana de Taxi driver, con un paramédico (Nicolas Cage) noctámbulo incapaz de olvidar que una noche no pudo salvar a una yonqui e intenta redimirse. La película fue acogida con frialdad.

En 2002, Scorsese por fin dirigió uno de sus más ansiados proyectos, Gangs of New York, la cual fue su empresa más arriesgada hasta el momento, con presupuesto superior a los cien millones de dólares, el más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película fue moderadamente positiva, y a pesar de su alto coste consiguió recuperar gastos e incluso produjo beneficios, por lo que la aventura se saldó con éxito. Además, recibió diez nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, y Mejor actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski y su El Pianista y frente a Chicago. Significó el comienzo de su alianza con Leonardo DiCaprio.

El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con polarización de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo el de Mejor película dramática. En la entrega de los premios Óscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor película, Mejor director y Mejor actor para Leonardo Di Caprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Óscar al mejor director y a la Mejor película con Million dollar baby.

Scorsese es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.

El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento de la Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.

Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, No Direction Home, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada película The Departed (Los infiltrados), con la cual cosechó numerosos elogios. En esta cinta policíaca se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematograficas de Hollywood le entregaba el Óscar al mejor director (y otros 3 Óscar, entre ellos el de Mejor película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE. UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista. Sin embargo muchos seguidores suyos opinan que no es más que un premio de consolación para una película menor en su brillante filmografía.

A finales de 2007 rueda un spot publicitario para la firma de cava Freixenet: The Key to Reserva, traducido al español como La clave Reserva, en el que Scorsese ha realizado un cuidado homenaje a Alfred Hitchcock, especialmente a su película El hombre que sabía demasiado.

En 2008 realiza el documental Shine a Light, sobre el grupo de rock Rolling Stones. Ese mismo año se anuncia su participación como productor de la serie Boardwalk Empire, ambientada en la época de la Ley seca. Contará con Steve Buscemi, Kelly MacDonald, Michael Pitt, Michael Shannon y Stephen Graham como actores, y además el mismo Scorsese dirigirá el capítulo piloto.

Scorsese ha estado casado con Helen Morris desde 1999, es su quinta esposa. Tienen una hija, Francesca, quien aparece en The Departed y en The Aviator.

Tiene una hija, Catherine, de su primer matrimonio con Laraine Brennan, otra hija, Domenica Cameron-Scorsese, que es actriz, de su segundo matrimonio, con Julia Cameron. Scorsese también estuvo casado con Isabella Rossellini desde 1979 hasta su divorcio en 1982. También contrajo matrimonio con Barbara De Fina en 1985, el cual terminó en divorcio.

Normalmente reside en Nueva York.

Al principio



Bob Dylan

Bob Dylan en el Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC) en Greenwood, Mississippi, en 1963.

Bob Dylan (Duluth, Minnesota, Estados Unidos, 24 de mayo de 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es un cantautor, compositor, músico y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música contemporánea, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX. Muchos de los más célebres trabajos de Dylan datan de la década de 1960, cuando se convirtió en un cronista informal de los conflictos estadounidenses. Algunas de sus canciones, como "Blowin' in the Wind" y "The Times They Are a-Changin'", se convirtieron en himnos antibélicos, especialmente contrarios a la Guerra de Vietnam, y de los movimientos civiles de la época. El penúltimo álbum de estudio de Dylan, Modern Times, publicado en 2006, entró directamente en el primer puesto de la lista Billboard 200 y fue nombrado álbum del año por la revista musical Rolling Stone.

Las primeras letras de Dylan contenían temas sociales, filosóficos y una fuerte influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, desde el folk, el country, el blues, el gospel, el rock and roll y el rockabilly hasta la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.

A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido sendos Grammys, Globos de Oro, y premios de la Academia, y su obra ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, secundando a The Beatles. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música . El 13 de junio de 2007 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y en 2008 recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer por su "profundo impacto en la música popular y en la cultura americana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético". También ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.

Robert Allen Zimmerman (en hebreo: Shabtai Zisel ben Avraham) nació en el hospital St. Mary de Duluth, Minnesota, el 24 de mayo de 1941 y creció en Hibbing, Minnesota, en el Mesabi Iron Range al oeste del Lago Superior. Los estudios realizados por varios de sus biógrafos han demostrado que sus abuelos paternos, Zigman y Anna Zimmerman, emigraron desde Odessa (actual Ucrania) a los Estados Unidos a causa de un pogromo antisemita acaecido en 1905. Sus abuelos maternos, Benjamin y Lybba Edelstein, eran judíos lituanos que llegaron a América en 1902. En su autobiografía, Crónicas, Vol. 1, Dylan escribió que el apellido de su abuela materna era kirguís y que su familia procedía de Estambul.

Sus padres, Abram Zimmerman y Breatrice "Beatty" Stone, formaban parte de una reducida pero muy unida comunidad judía. Robert Zimmerman vivió en Duluth hasta los seis años, cuando su padre contrajo la poliomielitis y su familia volvió a la ciudad natal de su madre, Hibbing, Minnesota, donde Zimmerman pasó el resto de su infancia. Robert Zimmerman pasó buena parte de su infancia escuchando la radio, dedicada en un primer momento a la música blues y al country con emisoras que transmitían desde Shreveport, Louisiana, y posteriormente al rock and roll. Durante su estancia en la escuela, formó varias bandas como The Shadow Blasters, de corta duración, o The Golden Chords, con quien llegaría a tocar en el programa de búsqueda de talentos Rock and Roll Is Here to Stay. En el anuario escolar de 1959, Robert Zimmerman marcó como su principal ambición "unirse a Little Richard". El mismo año, usando el seudónimo de Elston Gunn, tocó en dos conciertos con Bobby Vee al piano e improvisando palmas.

Zimmerman se trasladó a Minneapolis, Minnesota, en septiembre de 1959 para apuntarse en la universidad estatal. Durante la época, su principal interés en el rock and roll dejó paso a un acercamiento a la música folk americana. En 1985, Dylan explicó su atracción hacia la música folk: "La cosa sobre el rock'n'roll es que para mí nada era suficiente... Había muy buenas frases y un ritmo constante, pero las canciones no eran serias o no reflejaban la vida de un modo realista. Sabía que cuando me metí en la música folk, era una cosa más seria. Las canciones estaban llenas de tristeza, de triunfo, de fe en lo sobrenatural, y tenían sentimientos más profundos". Pronto comenzó a tocar en el 10 O'Clock Scholar, una cafetería a pocos bloques del campus universitario, y se vio involucrado en el circuito del folk de Dinkytown.

Dylan abandonó la universidad tras su primer año. En enero de 1961, se trasladó a Nueva York con la esperanza de ver a su ídolo musical, Woody Guthrie, quien estaba gravemente enfermo a causa de la enfermedad de Huntington en el hospital psiquiátrico de Greystone Park. Sobre Guthrie, Dylan llegó a decir: "Puedes escuchar sus canciones y aprender a vivir".

A partir de febrero de 1961, Dylan tocó en varios clubes de Greenwich Village. En septiembre, comenzó a ganar cierta reputación gracias a una reseña de Robert Shelton en The New York Times durante un concierto en el Gerde's Folk City. El mismo mes, Dylan tocó la armónica para Carolyn Hester durante la grabación de su tercer álbum, coincidiendo con el productor John H. Hammond. Hammond contrató a Dylan para Columbia Records en octubre.

Las interpretaciones incluidas en su primer trabajo para Columbia, titulado Bob Dylan y publicado en 1962, consistían en material de música folk, blues y gospel combinado con dos composiciones propias, "Song to Woody" y "Talkin' New York". El álbum obtuvo escaso éxito comercial, vendiendo 5.000 copias en su primer año, lo cual era suficiente para prescindir del contrato. Dentro de Columbia, Dylan comenzó a ser tachado como el "protegido de Hammond" y sugirieron finiquitar su contrato. A pesar de ello, Hammond defendió fuertemente a Dylan, y al mismo tiempo encontró un buen defensor en Johnny Cash, quien había fichado por Columbia meses antes. Durante su trabajo para Columbia, Dylan también grabó varias canciones bajo el seudónimo de Blind Boy Grunt para la revista de música folk Broadside Magazine.

En agosto de 1962, Dylan dio dos importantes pasos en su carrera musical al modificar su nombre legalmente por el de Robert Dylan en la Corte Suprema de Nueva York y al firmar un contrato de representación con Albert Grossman. Grossman fue el representante de Dylan hasta 1970 y se caracterizó por su personalidad ocasionalmente conflictiva y por la extrema protección que ejercía sobre la imagen de su cliente. Dylan describiría posteriormente a Grossman como "una especie de Coronel Tom Parker... podías oler su llegada". Las tensiones entre Grossman y John Hammond obligaron al segundo a abandonar las sesiones de grabación del segundo trabajo discográfico de Dylan, siendo reemplazado por el productor Tom Wilson.

Al mismo tiempo, su segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan, publicado en mayo de 1963, sirvió a Dylan para crecer como cantante y especialmente como compositor. Gran parte de las canciones incluidas en el álbum fueron etiquetadas como canciones protesta, inspiradas parcialmente en Woody Guthrie e influidas por la pasión de Pete Seeger por las canciones tradicionales. "Oxford Town", por ejemplo, refleja de forma irónica la matriculación de James Meredith como el primer negro en entrar en la Universidad de Mississippi.

Una de sus canciones más famosas, "Blowin' in the Wind", deriva parcialmente en su melodía de la canción tradicional "No More Auction Block", mientras que su letra cuestiona el estátus quo social y político de la época. La canción fue ampliamente versionada y se convirtió en un éxito internacional de la mano de Peter, Paul and Mary, sentando un precedente para muchos otros artistas que se alzarían con éxitos a través de composiciones de Dylan. Por su parte, la canción "A Hard Rain's a-Gonna Fall" está basada en la balada de folk "Lord Randall". Con sus referencias al apocalipsis nuclear, la canción ganó resonancia durante el desarrollo de la crisis de los misiles en Cuba. Al igual que "Blowin' in the Wind", "A Hard Rain's a-Gonna Fall" marcó una importante dirección en la composición de nuevas canciones, mezclando el uso del monólogo interior y la lírica imaginativa con las formas tradicionales del folk.

Aunque las primeras canciones de Dylan solidificaron su temprana reputación, The Freewheelin' Bob Dylan también incluye canciones de amor mezcladas con una lírica irónica e incluso a veces bromista. El humor se convirtió en uno de los pilares de la personalidad de Dylan, impresionando a oyentes tales como The Beatles. Al respecto, George Harrison comentó: "Lo poníamos y nos trasladaba. El contenido de sus canciones y su actitud era increíblemente original y maravilloso".

La voz áspera de Dylan resultó un impedimento para muchos oyentes a la par que un atractivo para otros. Describiendo el impacto que Dylan había ocasionado en su marido y en sí misma, Joyce Carol Oates escribió: "Cuando escuché por primera vez su joven y cruda voz, francamente nasal y desentrenada, como si el papel de lija pudiese cantar, el efecto fue dramático y electrificante". Muchas de sus primeras canciones alcanzaron al público en general mediante versiones realizadas por otros intérpretes, tales como Joan Baez, quien se convirtió en la protectora de Dylan así como en su posterior amante. Baez fue determinante a la hora de elevar a Dylan a la popularidad nacional e internacional con numerosas versiones de sus canciones y al invitarle frecuentemente a sus propios conciertos.

En mayo de 1963, el perfil político de Dylan creció cuando abandonó el programa The Ed Sullivan Show. Durante los ensayos, Dylan fue informado por ejecutivos de la CBS de que la canción que había ensayado, "Talkin' John Birch Society Blues", era potencialmente calumniosa para la sociedad de extrema derecha John Birch. En lugar de complacer a la censura, Dylan se negó a aparecer en el programa.

Durante la época, Dylan y Baez se habían convertido en figuras prominentes en el movimiento por los derechos civiles, cantando juntos en la marcha por el trabajo y la libertad en Washington el 28 de agosto de 1963, en la que Dylan interpretó "Only a Pawn in Their Game" y "When the Ship Comes In". El tercer álbum de estudio de Dylan, The Times They Are a-Changin', reflejaba un carácter más politizado, sofisticado e irónico a través de sus canciones. Dichas canciones tomaban a menudo como base historias reales, como el asesinato del luchador por los derechos civiles Medgar Evers en "Only a Pawn In Their Game", o la muerte de la camarera negra Hattie Carroll a manos de William Zantzinger, un joven socialité, en la canción "The Lonesome Death of Hattie Carroll". En un plano más genérico, "Ballad of Hollis Brown" y "North Country Blues" resumían la desesperación de las comunidades agrícolas y mineras a causa de la crisis de la época. Aún así, el material político del álbum estuvo acompañado de dos canciones de amor, "Boots of Spanish Leather" y "One Too Many Mornings".

A finales de 1963, Dylan se sentía manipulado y limitado por los movimientos de protesta. Estas tensiones fueron aireadas públicamente cuando, durante la entrega del premio Tom Paine a manos del Comité Nacional de Emergencia de las Libertades Civiles poco tiempo después del asesinato de John F. Kennedy. Un Dylan renqueante y ebrio cuestionó el rol del comité, insultando a sus miembros como viejos y calvos y alegando ver algo de sí mismo y de todos los hombres en el supuesto asesino de Kennedy, Lee Harvey Oswald.

Another Side of Bob Dylan, grabado en una única noche de junio de 1964, incluía un humor más ligero en comparación con su predecesor. La parte humorística y surrealista de Dylan reemergió en "I Shall Be Free #10" y en "Motorpsycho Nightmare". "Spanish Harlem Incident" y "To Ramona" son románticas y apasionadas canciones de amor, mientras que "Black Crow Blues" e "I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met)" sugieren un futuro factor dominante del rock and roll en la música de Dylan. "It Ain't Me, Babe", que superficialmente puede ser interpretada como una canción de amor, ha sido descrita como un rechazo del papel al que había sido confiado. La nueva dirección de su sonido quedó señalada en dos canciones de larga duración: "Chimes of Freedom", que mezcla comentarios de índole social frente a un denso paisaje metafórico en un estilo que Allen Ginsberg calificó como "cadenas de flashes", y "My Back Pages", en donde ataca la simplicidad y la seriedad de sus primeras composiciones.

Entre la segunda mitad de 1964 y 1965, el estilo musical de Dylan varió rápidamente al trasladarse desde la escena del folk contemporáneo a la escena del folk rock. Dicha transición quedó apoyada en un cambio estilístico, en el que Dylan pasó a usar mejores trajes, gafas Rayban Wayfarer y botas al estilo de The Beatles en lugar de sus habituales vaqueros y camisas. Asimismo, Dylan comenzó a tratar sin decoro a la prensa durante las entrevistas. Al respecto, durante una entrevista en el programa de televisión Les Crane, preguntado sobre una película que estaba planeando hacer, Dylan contestó a Crane que sería una película de vaqueros de terror. Preguntado si interpretaría al vaquero, Dylan contestó: "No, interpreto a mi madre".

La publicación en marzo de 1965 de Bringing It All Back Home supuso un salto estilístico fundamental en su carrera al incluir las primeras grabaciones con instrumentos eléctricos. El primer sencillo, "Subterranean Homesick Blues", influenciado en buena medida por el tema "Too Much Monkey Business" de Chuck Berry, fue presentado con un vídeo musical cortesía de D. A. Pennebaker como adelanto del documental Don't Look Back, que recogía la gira británica de 1965. La libre asociación de las letras y la influencia del movimiento beat la convierten en un precursor del rap y del hip-hop.

En contraste, las caras A y B de Bringing It All Back Home fueron interpretadas por muchos de sus seguidores de la línea folk como un gesto conciliador, con cuatro largas canciones de corte folk en las que Dylan hizo uso de guitarra y armónica en la cara B. "Mr. Tambourine Man" se convirtió al poco tiempo en un éxito de The Byrds, así como en una de sus canciones más conocidas, mientras "It's All Over Now, Baby Blue" e "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" serían aclamadas como dos de las composiciones más importantes de Dylan.

Durante el verano de 1965, como cabeza de cartel del Newport Folk Festival, Dylan interpretó su primer set eléctrico desde sus tiempos en la escuela junto a un grupo, integrado en su mayor parte por componentes de Paul Butterfield Blues Band y formado por Mike Bloomfield en la guitarra, Sam Lay en la batería, Jerome Arnold en el bajo, Al Kooper en el órgano y Barry Goldberg al piano. Dylan había aparecido previamente en el Newport Folk Festival en 1963 y 1964, pero en esta ocasión se topó con una mezcla de vítores y abucheos, y tras interpretar tres canciones abandonó el escenario. Las diferentes interpretaciones de los hechos sugieren que los abucheos procedían del sector purista de la música folk, que no recibió la entrada de Dylan con una guitarra eléctrica. Una interpretación alternativa alude a la mala calidad del sonido y al corto set de canciones como motivo de los abucheos.

El concierto de Dylan en Newport provocó indignación en algunos sectores de la música folk. Al respecto, Ewan MacColl escribió en la revista Sing Out!: "Nuestras canciones tradicionales y baladas son creaciones de artistas con un extraordinario talento que trabajaba dentro de las tradiciones formuladas durante mucho tiempo. ¿Pero qué pasa con Bobby Dylan?, un trozo de talento mediocre. Sólo un público no crítico, alimentado por la aguada música pop, podía haber caído de semejante forma". El 29 de julio, cuatro días después de su controvertida actuación en Newport, Dylan volvió al estudio de grabación en Nueva York para grabar "Positively 4th Street". La letra de la canción se mezcla con imágenes vengativas en versos como "You got a lotta nerve/ To say you are my friend/ When I was down/ You just stood there grinning" (lo cual puede traducirse al español como: "Tienes mucha cara/ para decir que eres mi amigo./ Cuando yo estaba deprimido / tú estabas por ahí cachondeándote") y es ampliamente interpretada como un pulso a sus antiguos amigos de la comunidad folk.

En julio de 1965, Dylan publicó el sencillo "Like a Rolling Stone", que alcanzó el puesto 2 en los Estados Unidos y el 4 en el Reino Unido. Con una duración superior a los seis minutos, la canción ha sido ampliamente alabada como una de las mejores canciones de todos los tiempos. Bruce Springsteen comentó acerca de la primera vez que escuchó la canción: "Ese disparo al principio de la canción sonaba como si alguien abriera la puerta de tu mente". En 2004, la revista musical Rolling Stone situó a "Like a Rolling Stone" como la mejor canción de todos los tiempos. Su sonido característico, con un riff de órgano y una banda completa, también caracterizó al siguiente trabajo de estudio, Highway 61 Revisited, titulado como homenaje a la carretera que trasladó a Dylan desde Minnesota hasta Nueva Orleans. Las canciones del álbum seguían la misma estela del sencillo, con letanías surrealistas favorecidas por la guitarra de Mike Bloomfield, por la sección rítmica y por el sonido característico del órgano de Al Kooper. La única excepción la ofrece "Desolation Row", última canción del álbum con una visión apocalíptica y referencias a numerosas figuras históricas, bíblicas, literarias, ficticias y de la cultura americana durante sus 11 minutos y medio de duración.

Como promoción del álbum, Dylan reservó plaza para dos conciertos en Estados Unidos e intentó conformar una banda. Mike Bloomfield no estaba dispuesto a abandonar Butterfield Band, por lo que Dylan escogió a Al Kooper y a Harvey Brooks de los músicos de sesión que trabajaron en Highway 61 Revisited y a músicos de directo como Robbie Robertson y Levon Helm, conocidos por su trabajo como banda de apoyo de Ronnie Hawkins en The Hawks. El 28 de agosto, el grupo fue interrumpido por un público aún molesto con el sonido eléctrico de Dylan en Forest Hills. La recepción del grupo el 2 de septiembre en el Hollywood Bowl de Los Ángeles fue más favorable.

Mientras Dylan y The Hawks se encontraban con públicos cada vez más receptivos durante la gira, sus esfuerzos en el estudio no fueron del todo positivos. En febrero de 1966, el productor Bob Johnston persuadió a Dylan para grabar en Nashville, Tennessee, buscándole una base de músicos de sesión con los que grabar. Por insistencia de Dylan, Robertson y Kooper acudieron a Nashville para participar en las sesiones. Dichas sesiones dieron como resultado el doble álbum Blonde on Blonde, que incluía lo que posteriormente el propio Dylan definió como "ese sonido delgado y de mercurio salvaje".

El 22 de noviembre de 1965, Dylan contrajo matrimonio en secreto con la modelo de 25 años Sara Lownds. Varios de los amigos de Dylan, incluyendo Ramblin' Jack Elliott, comentaron que incluso minutos después de la boda, Dylan negó que estaba casado. La periodista Nora Ephron fue la primera en hacer pública la noticia en febrero de 1966 en un artículo de The New York Post con el titular: "¡Silencio! Dylan está casado".

Dylan emprendió una gira mundial por Australia y Europa durante la primavera de 1966. Cada concierto fue dividido en dos partes. En la primera, Dylan interpretaba material de su primera etapa acompañado de guitarra y armónica. En la segunda mitad, secundado por The Hawks, Dylan interpretaba música eléctrica. El contraste provocó la ira de varios seguidores, que mostraban su enfado mediante aplausos lentos y desacompasados. La gira culminó con una famosa confrontación entre Dylan y el público del Manchester Free Trade Hall en Inglaterra. Al final del concierto, un seguidor, enojado con el sonido eléctrico de Dylan, gritó: "¡Judas!", a lo que Dylan respondió: "No te creo. Eres un mentiroso", antes de volverse a la banda y ordenar fuera de micrófono: "Tocarlo jodidamente alto" como adelanto de la última canción de la noche, "Like a Rolling Stone".

Tras la gira europea, Dylan volvió a Nueva York, aunque las presiones sobre él seguían aumentando. La cadena de televisión ABC había pagado un adelanto por un guión para un programa de televisión que Dylan debía escribir. Por otra parte, la editora Macmillan seguía demandando un manuscrito final para la novela Tarantula, al mismo tiempo que su representante, Albert Grossman, había organizado una nueva gira de conciertos para el verano y el otoño.

El 29 de julio de 1966, los frenos de su motocicleta Triumph 500 se bloquearon en una carretera cercana a su hogar de Woodstock, Nueva York, arrojándolo a tierra. Aunque el alcance de sus heridas nunca fue revelado, Dylan dijo que se había fracturado varias vértebras cervicales. El misterio aún ronda las circunstancias del accidente en tanto que no se llamó a ninguna ambulancia y Dylan no fue hospitalizado. En relación a la relevancia de su accidente, Dylan expresó cierta amargura en la forma en que había sido tratado: "Cuando tuve ese accidente de moto... me desperté y capturé mis sentidos, y me di cuenta de que estaba trabajando para todas esas sanguijuelas. Y no quería hacer eso. Además, tenía una familia y quería ver a mis hijos". La biografía de Howard Sounes, Down The Highway, concluye que el accidente ofreció a Dylan la necesidad de escapar de las presiones que había construido en torno a sí mismo. A raíz de su accidente, Dylan se retiró de la opinión pública, y con la excepción de algunas apariciones, no volvió a salir de gira hasta ocho años después.

Una vez que Dylan estuvo lo suficientemente recuperado para reanudar su trabajo, comenzó a editar material grabado durante su gira de 1966 para Eat the Document, una secuela de Don't Look Back. Un primer segmento fue mostrado a la cadena ABC y rechazado por su presumible incomprensión para un público general. En 1967, comenzó a grabar música con The Hawks en su hogar y en el sótano del hogar que The Haws habían alquilado en Woodstock, llamado "Big Pink" por el color de su fachada. Las canciones, inicialmente compiladas como demos para otros artistas, sirvieron como sencillos de éxito para Julie Driscoll ("This Wheel's on Fire"), The Byrds ("You Ain't Goin' Nowhere", "Nothing Was Delivered") y Manfred Mann ("Quinn the Eskimo (The Mighty Quinn)"). En 1975, Columbia recopiló una selección de las canciones para publicarlas en The Basement Tapes. Sin embargo, durante el curso de los años, un mayor número de las grabaciones entre Dylan y The Hawks fueron publicadas en bootlegs, culminando en un compilatorio de cinco discos titulado The Genuine Basement Tapes con 107 canciones y tomas alternativas. Durante los meses siguientes, The Hawks pasaron a llamarse The Band y grabaron el álbum Music from Big Pink haciendo uso de varias canciones que en un primer momento habían registrado en su sótano de Woodstock.

En octubre y noviembre de 1967, Dylan volvió a Nashville, Tennessee. De nuevo en el estudio de grabación tras un parón de 19 meses, Dylan estuvo acompañado exclusivamente por Charlie McCoy al bajo, Kenny Buttrey a la batería y Pete Drake en la steel guitar. El resultado fue John Wesley Harding, un álbum de canciones tranquilas y contemplativas basadas en una panorámica que absorbía la cultura del Oeste americano y de la Biblia. La escasa instrumentación y su estructura, junto con letras que tomaban seriamente la tradición judeo-cristiana, marcaron una salida no sólo para el propio trabajo de Dylan, sino también para el creciente fervor psicodélico en la cultura musical de mediados de los 60. John Wesley Harding incluye "All Along the Watchtower", cuya letra deriva del Libro de Isaías (21:5-9) y que posteriormente fue versionada por Jimi Hendrix.

A causa del fallecimiento de Woody Guthrie el 3 de octubre de 1967, Dylan hizo su primera aparición pública en 20 meses en su memorial organizado en el Carnegie Hall el 20 de enero de 1968.

El siguiente trabajo de estudio, Nashville Skyline, es virtualmente un álbum de música country en el que Dylan estuvo respaldado por músicos de Nashville, Tennessee, y característico por el uso de una voz más suave e inapropiada en Dylan. El álbum incluye un dúo con Johnny Cash en "Girl from the North Country" y el sencillo "Lay Lady Lay", que había sido compuesto originalmente para la banda sonora de Cowboys de medianoche. En mayo de 1969, Dylan apareció en el primer episodio del programa de televisión de Johnny Cash, cantando a dúo "Girl from the North Country", "It Ain't Me, Babe" y "Living the Blues". La siguiente aparición pública de Dylan tuvo lugar en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1969, tras rechazar su participación en el festival de Woodstock cercano a su hogar.

A comienzos de los 70, los críticos cargaron arbitrariamente contra la producción y la calidad impredecible de Dylan. Al respecto, el columnista de la revista Rolling Stone Greil Marcus se preguntó: "¿Qué es esta mierda?" tras escuchar el álbum de 1970 Self Portrait. En general, Self Portrait, un doble álbum con pocas composiciones originales, fue mal recibido por la crítica y por el público. A finales de año, Dylan publicó el álbum New Morning, que muchos consideraron como un retorno formal a la música. El mismo año, Dylan coescribió "I'd Have You Anytime", "Nowhere to Go" e "If Not For You" junto a George Harrison. "I'd Have You Anytime" e "If Not For You" fueron incluidos en el triple álbum de Harrison All Things Must Pass, que cuenta con la participación de Dylan en el segundo tema. Por otra parte, Dylan también participó junto a Harrison en el concierto benéfico The Concert for Bangladesh, atrayendo una especial cobertura informativa a causa de las raras apariciones en público que Dylan ofrecía últimamente.

Entre el 16 y el 19 de mayo de 1971, Dylan reservó tres días en el Blue Rock Studios de Greenwich Village para grabar un sencillo, "Watching the River Flow", y una nueva canción, "When I Paint My Masterpiece". El 4 de noviembre de 1971, Dylan grabó el sencillo "George Jackson", considerado como un retorno a la canción protesta al hacerse eco del asesinato del militante comunista George Jackson en la prisión de San Quintín.

En 1972, Dylan firmó con Sam Peckinpah la grabación de la banda sonora de la película Pat Garrett y Billy the Kid, así como su participación como secundario en la película, interpretando a "Alias", un miembro de la pandilla de Billy. A pesar del fracaso de la película en taquilla, la canción "Knockin' on Heaven's Door", incluida en la banda sonora, ha demostrado su durabilidad como una de las canciones más versionadas de Dylan. .

Dylan comenzó 1973 firmando un nuevo contrato con el sello de David Geffen Asylum Records, al finalizar su contrato con Columbia Records. En su siguiente álbum de estudio, Planet Waves, usó a The Band como grupo de respaldo. El álbum incluye dos versiones de "Forever Young", que se convirtió en una de sus canciones más conocidas. Christopher Ricks conectó el coro de la canción con el poema de John Keats "Ode on a Grecian Urn", que contiene el verso: "For ever panting, and for ever young". Tal y como fue descrita, Forever Young proyecta "algo hímnico y sincero que proviene del padre en Dylan". El propio Dylan comentó sobre la canción: "La escribí pensando en uno de mis hijos y sin querer ser demasiado sentimental".

A pesar de su marcha, Columbia Records publicó de forma simultánea Dylan, una colección de descartes y versiones de otros artistas que fue interpretada como una respuesta del sello por su contrato con Asylum. En enero de 1974, Dylan y The Band se embarcaron en una gira norteamericana de costa a costa. La demanda de entradas para sus conciertos desbordaron todas las previsiones, con más de doce millones de peticiones por correo. Un doble álbum en directo de la gira, Before the Flood, fue publicado posteriormente por Asylum Records.

Tras la gira, Dylan y su esposa declararon formalmente su ruptura. Posteriormente, Dylan llenó una libreta con nuevas canciones sobre relaciones de pareja y rupturas, y grabó el nuevo material para el álbum Blood on the Tracks en septiembre de 1974. Tras su grabación, Dylan pospuso la publicación del álbum y regrabó la mitad de las canciones en el Sound 80 Studios de Minneapolis con la asistencia en la producción de su hermano David Zimmerman. Durante este tiempo, Dylan firmó un nuevo contrato con Columbia Records, bajo el cual fueron reeditados los álbumes de Asylum.

Publicado a comienzos de 1975, Blood on the Tracks recibió reseñas tibias. Aún así, con los años la crítica ha señalado a Blood on the Tracks como uno de los mayores logros musicales de Dylan, situándolo a la altura de la trilogía de álbumes de mediados de los 60. En Salon.com, Bill Wyman escribió: "Blood on the Tracks es su único álbum impecable y el mejor producido; las canciones, cada una de ellas, están construidas de forma disciplinada. Es su álbum más amable y más consternado, y parece haber logrado un sublime equilibrio entre los excesos de los álbumes de mediados de los 60 y las simples composiciones de sus años posteriores". Un año más tarde, Dylan grabó una versión de "Buckets of Rain" con Bette Midler para su álbum Songs for the New Depression.

Durante el verano, Dylan escribió su primera canción protesta en doce años, encabezando la lucha por la liberación de Rubin Carter, quien había sido encarcelado acusado de triple homicidio en Paterson, Nueva Jersey. Tras visitar a Carter en prisión, Dylan escribió "Hurricane", presentando la causa por la inocencia de Carter. A pesar de sus 8:32 minutos de duración, la canción fue extraída del álbum Desire como sencillo, alcanzó el puesto 33 en la lista Billboard Hot 100 y fue interpretada en todos los conciertos de la siguiente gira de Dylan, bautizada como Rolling Thunder Revue. La gira incluía una variada noche de entretenimiento con muchos intérpretes de la escena del folk de Greenwich Village como T-Bone Burnett, Ramblin' Jack Elliott, David Mansfield, Roger McGuinn, Mick Ronson, Joan Baez y la violinista Scarlet Rivera. Allen Ginsberg acompañó al elenco de artistas y apareció en escenas de la película que Dylan grababa simultáneamente. Sam Shepard fue inicialmente contratado para escribir el guión de la película, pero terminó acompañando a la gira como un cronista informal.

Entre finales de 1975 y comienzos de 1976, la gira sirvió como promoción del álbum Desire, que incluía varias de sus nuevas canciones con un estilo narrativo cercano a las crónicas de viajes y con la influencia de su nuevo colaborador Jacques Levy. A mediados de la gira, la Rolling Thunder Revue fue documentada para un especial televisivo bajo el título de Hard Rain, que coincidió con la publicación del álbum en directo Hard Rain. La primera parte de la gira, generalmente mejor recibida por la crítica, no encontró una publicación oficial hasta la edición en 2002 de Live 1975.

La gira de otoño de 1975 con la Rolling Thunder Revue también sirvió de trasfondo para el largometraje de cuatro horas Renaldo and Clara, una narración improvisada y extensa mezclada con metraje de conciertos y reminiscencias. Publicado en 1978, la película fue generalmente mal recibida, recibiendo malas reseñas y una corta duración en teatros. A finales de año, Dylan permitió la edición de la película para resumirla en dos horas dominadas por interpretaciones en directo.

En noviembre de 1976, Dylan apareció en el concierto de despedida de The Band, junto a otros invitados como Joni Mitchell, Muddy Waters, Van Morrison y Neil Young, organizado en San Francisco, California. La crónica del concierto, grabada por Martin Scorsese y editada como El último vals, fue publicada en 1978 y alabada por la crítica como un momento épico en la historia del rock. En 1976, Dylan también compuso la canción "Sign Language" con Eric Clapton y participó en su álbum No Reason to Cry.

El álbum de 1978 Street Legal, grabado con una amplia banda y respaldado por un coro femenino, supone uno de sus álbumes más complejos y cohesivos desde el punto de vista lírico. Sin embargo, Street Legal recibió reseñas ambiguas en base, principalmente, a su pobre sonido, debido a las prácticas de grabación que Dylan hacía en el estudio. La amplia instrumentación utilizada no fue debidamente mezclada hasta casi un cuarto de siglo después, cuando el álbum fue remasterizado.

A finales de la década de los 70, Dylan renace espiritualmente, se convierte al Cristianismo, y publica dos álbumes de música gospel cristiana. Slow Train Coming incluye el acompañamiento a la guitarra de Mark Knopfler y la producción del veterano productor de R&B Jerry Wexler. Wexler recalcó que cuando Dylan intentaba evangelizarle durante la grabación, él contestaba: "Bob, estás tratando con un judío ateo de sesenta y dos años. Vamos a hacer un álbum". Slow Train Coming ganó el premio Grammy a la mejor voz masculina por la canción "Gotta Serve Somebody". El segundo álbum evangélico, Saved, publicado en 1980, recibió reseñas tibias, aunque Kurt Loder declaró para la revista Rolling Stone que el álbum era lejanamente superior desde el punto de vista musical a su predecesor.

La entrada de Dylan en el circuito religioso produjo el rechazo de varios de sus seguidores y de compañeros de profesión. Poco antes de su asesinato, John Lennon grabó "Serve Yourself" como burla a la canción "Gotta Serve Somebody". En 1981, cuando la fe de Dylan era más que conocida, Stephen Holden escribió en New York Times que "ni la edad (ahora tiene 40) ni su más que publicitada conversión al Cristianismo ha alterado su esencial temperamento iconoclasta".

En otoño de 1980, Dylan volvió a salir de gira en una serie de conciertos etiquetados como "una retrospectiva musical" al reinsertar varias de sus viejas composiciones en el repertorio. Shot of Love, grabado la siguiente primavera, cuenta con la participación de Ron Wood y Ringo Starr en el tema "Heart of Mine" e incluye las primeras composiciones seculares de Dylan en más de dos años dedicados explícitamente a canciones de marcada índole católica.

Durante la década de los años 80, la calidad de las grabaciones de Dylan varió ampliamente, desde el aclamado por la crítica Infidels, publicado en 1983, hasta Down in the Groove, publicado en 1988. Críticos como Michael Gray condenaron los álbumes de Dylan por demostrar un escaso interés musical y por descartar sus mejores canciones. Las sesiones de grabación de Infidels, por ejemplo, produjeron notables canciones que Dylan descartó de la configuración final del álbum, tales como "Blind Willie McTell", "Foot of Pride" y "Lord Protect My Child". Estas canciones fueron finalmente publicadas en 1991 en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991.

Entre julio de 1984 y marzo de 1985, Dylan grabó su siguiente álbum de estudio, Empire Burlesque. Arthur Baker, que había trabajado para Bruce Springsteen y Cyndi Lauper, fue contratado como ingeniero de grabación. Sobre su participación en el álbum, Baker comentó que su sentimiento al ser contratado era el de hacer el sonido "un poco más contemporáneo". El álbum fue acompañado por la grabación de un videoclip, bajo la dirección de Paul Schrader, para la canción "Tight Connection to My Heart".

El compromiso social del mundo de la música anglosajona encontró su máxima expresión en 1985 con el sencillo We Are the World, en cuya grabación participó Dylan. El 13 de julio de 1985, Dylan participó al final del concierto Live Aid organizado en el JFK Stadium de Philadelphia. Respaldado por Keith Richards y Ron Wood, Dylan interpretó una versión de "The Ballad of Hollis Brown" y habló para un público que excedía de los 1000 millones de personas, diciendo: "Espero que algo de este dinero... quizás puedan tomar un poco de él, quizás... uno o dos millones, quizás... y usarlo para pagar las hipotecas de algunas granjas y de granjeros de aquí, que pertenecen a los bancos". Sus palabras fueron criticadas como inapropiadas, pero al mismo tiempo inspiraron a Willie Nelson a organizar una serie de eventos bajo el título de Farm Aid con el fin de recaudar fondos para los granjeros.

Para celebrar sus 25 años de actividad discográfica, Columbia publicó el álbum quíntuple Biograph, con canciones descartadas y tomas alternativas entremezcladas con los grandes éxitos del músico. En julio de 1986, Dylan publicó Knocked Out Loaded, un álbum con tres versiones de canciones de Junior Parker, Kris Kristofferson y la tradicional "Precious Memories", colaboraciones con Tom Petty, Sam Shepard y Carole Bayer Sager, y dos únicas composiciones propias. Knocked Out Loaded recibió reseñas negativas desde su publicación, siendo calificado por la revista Rolling Stone como una "aventura depresiva", y se convirtió en el primer álbum desde The Freewheelin' en no entrar en los cincuenta primeros puestos de las listas. Aún así, varios críticos calificaron la canción "Brownsville Girl", de once minutos de duración, como un trabajo genial. En 1986 y 1987, Dylan ofreció conciertos junto a Tom Petty and The Heartbreakers, compartiendo voz con Petty en varias canciones cada noche. Dylan también compartió escenario en 1987 con The Grateful Dead durante conciertos grabados y posteriormente recopilados para el álbum en directo Dylan and The Dead. El álbum recibió reseñas especialmente negativas: en Allmusic, Stephen Thomas escribió: "Posiblemente el peor álbum tanto de Bob Dylan como de Grateful Dead". Tras tocar conjuntamente con otros artistas, Dylan comenzó el conocido como Never Ending Tour (la gira interminable) el 7 de junio de 1988 con una banda de acompañamiento que incluía al guitarrista G. E. Smith. Durante los siguientes 20 años, Dylan seguiría ofreciendo conciertos de forma continua con una banda pequeña pero en constante evolución.

En 1987, Dylan participó en la película de Richard Marquand Corazones de fuego, en la que interpretó a Billy Parker, una estrella del rock convertida a granjero cuya amante (Fiona) le abandona. Dylan contribuyó a la banda sonora de la película, que fue un fracaso comercial y no llegó a estrenarse en Estados Unidos, con las canciones "Night After Night" e "I Had a Dream About You, Baby".

Dylan fue inducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en enero de 1988. Bruce Springsteen, encargado del discurso, declaró: "Bob liberó nuestra mente del mismo modo en que Elvis liberó nuestro cuerpo. Nos enseñó que justo porque la música era naturalmente física no significaba que fuera anti-intelectual". A continuación, Dylan publicó el álbum Down in the Groove, que obtuvo ventas menores y críticas aún peores en comparación con sus anteriores trabajos. Únicamente la canción "Silvio" obtuvo cierto éxito como sencillo. En primavera, Dylan fundó junto a George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty el grupo Traveling Wilburys, volviendo a las listas de éxitos con el álbum Traveling Wilburys Vol. 1. A pesar de la muerte de Roy Orbison en diciembre de 1988, el resto del grupo grabó un segundo álbum en mayo de 1990, publicado bajo el título de Traveling Wilburys Vol. 3.

Dylan finalizó la década con un repunte en su carrera gracias al álbum Oh Mercy, producido por Daniel Lanois. La revista Rolling Stone definió el álbum como "satisfactorio y desafiante". El tema "Most of the Time" fue incorporada a la película High Fidelity, mientras que la canción "What Was It You Wanted?" fue interpretada como un catecismo y como un agrio comentario sobre las expectaciones de críticos y seguidores. Por otra parte, la imagen religiosa de "Ring Them Bells" sirvió para confirmar a sus seguidores la reafirmación de su fe.

Dylan comenzó la década de los 90 con la publicación de Under the Red Sky, que incluía canciones de mayor simpleza lírica como "Wiggle Wiggle" y que contó con la colaboración de George Harrison, Slash, David Crosby, Bruce Hornsby, Stevie Ray Vaughan y Elton John. A pesar de la alineación de estrellas musicales, el álbum obtuvo reseñas negativas y bajas ventas. En siete años, Dylan no volvió a realizar un álbum de estudio con nuevos temas.

En 1991, fue galardonado por la industria musical con un premio Grammy a toda su carrera. El evento coincidió con el comienzo de la Guerra del Golfo contra Saddam Hussein, generando confusión al interpretar la canción "Masters of War". Ese mismo año, sale al mercado The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991, triple álbum que contiene descartes y rarezas grabadas por Dylan entre 1961 y 1989. Publicado en respuesta a la fuerte demanda de discos piratas por parte de los aficionados a la música de Dylan, sería el primero de una serie de álbumes con material pirata (bootleg) de Dylan (The Bootleg Series) editados después oficialmente por su compañía discográfica.

Los siguientes años supusieron el retorno de Dylan a sus raíces musicales con dos álbumes de marcado carácter folk: Good as I Been to You y World Gone Wrong, que incluían canciones tradicionales interpretadas con guitarra acústica. Como excepción a su retorno folk, Dylan compuso en 1991 la canción "Steel Bars", incluida en el álbum de Michael Bolton Time, Love & Tenderness. En noviembre de 1994, Dylan grabó dos conciertos para el programa MTV Unplugged. Su deseo de interpretar una lista de canciones tradicionales fue desechado por los ejecutivos de Sony, que insistieron en incluir sus grandes éxitos. Un álbum posterior, MTV Unplugged, incluye la canción inédita "John Brown", grabada en 1963. El mismo año, participa en el festival Woodstock 94.

Con una nueva colección de canciones compuestas durante una nevada en su rancho de Minnesota, Dylan reservó los Criteria Studios de Miami junto a Daniel Lanois en enero de 1997. Las sesiones de grabación que dieron como fruto Time Out of Mind estuvieron, según declaró el propio Lanois, cargadas de tensión. A finales de primavera, antes de la publicación de Time Out of Mind, Dylan fue hospitalizado a causa de una pericarditis causada por una histoplasmosis derivada, a su vez, de una infección micótica. La gira europea programada con antelación fue cancelada, aunque Dylan se recuperó rápidamente de la infección. A mediados de verano volvió a la carretera, y en otoño tocó para el Papa Juan Pablo II en el Congreso Eucarístico Internacional celebrado en Bolonia, Italia. Previamente, el Papa leyó un sermón ante un público de 200.000 personas basado en la letra de la canción de Dylan "Blowin' in the Wind".

En septiembre tuvo lugar la publicación del álbum producido por Lanois Time Out of Mind. Con su amarga evaluación del amor y de la muerte en canciones como "Not Dark Yet" y "Tryin' to Get to Heaven", la primera colección de canciones propias de Dylan en siete años fue aclamada por la crítica. Time Out of Mind se alzó con el Grammy al álbum del año.

En 2000, la canción "Things Have Changed", compuesta para la película Jóvenes prodigiosos, ganó un Globo de Oro y un Óscar a la mejor canción. En algunos conciertos de Dylan se puede observar el Óscar presidiendo el escenario sobre un amplificador.

El sucesor a Time Out of Mind, titulado "Love and Theft", fue publicado el 11 de septiembre de 2001. Grabado con su banda habitual en las giras, el álbum fue producido por Dylan bajo el seudónimo de Jack Frost e incluye canciones que amplían la paleta de registros de Dylan hacia el rockabilly, el jazz, la balada y el swing. "Love and Theft" obtuvo reseñas positivas por parte de la crítica y fue nominado a sendos premios Grammy.

En 2003, Dylan revisó sus composiciones del periodo evangélico y participó en el CD Gotta Serve Somebody: The Gospel Songs of Bob Dylan. El mismo año vio la luz la película Anónimos, una colaboración con el productor de televisión Larry Charles en la que Dylan apareció interpretando a un músico retirado junto a actores de la talla de Jeff Bridges, Penélope Cruz y John Goodman. La película obtuvo reseñas mixtas: algunos críticos tacharon al metraje de "lío incoherente", mientras otros trataron a la película como un trabajo artístico serio.

En octubre de 2004, Dylan publicó la primera parte de su autobiografía, Crónicas, Vol. 1. Dylan dedicó tres capítulos a su primera estancia en Nueva York entre 1961 y 1962, así como otros dos a la grabación de New Morning y Oh Mercy. El libro alcanzó el primer puesto en las listas de libros de no-ficción más vendidos en The New York Times y fue nominado al Premio Nacional del Libro.

El documental No Direction Home, dirigido por Martin Scorsese, fue estrenado en septiembre de 2005. No Direction Home se centra en el periodo que va desde la llegada de Dylan a Nueva York en 1961 hasta su accidente de moto en 1966, e incluye entrevistas con Suze Rotolo, Liam Clancy, Joan Baez, Allen Ginsberg, Pete Seeger, Mavis Staples y el propio Dylan. Con motivo de su estreno, Columbia publicó The Bootleg Series, Vol. 7, que incluye la banda sonora del filme y canciones inéditas.

El 3 de mayo de 2006 tuvo lugar el estreno de Dylan como locutor de radio en el programa semanal Theme Time Radio Hour para XM Satellite Radio, integrado por canciones relacionadas con un tema semanal. En el programa, Dylan selecciona canciones clásicas que se trasladan desde la década de los años 30 hasta la actualidad, incluyendo a artistas contemporáneos como Blur, Prince, L.L. Cool J o The Streets con leyendas musicales como Randy Newman, Aretha Franklin o Pete Seeger. El programa fue alabado por críticos y seguidores como un "gran programa de radio" al incluir una dinámica habitual con historias relatadas por el propio Dylan y referencias a su humor sardónico y a sus conocimientos musicales. Al respecto, Peter Guralnick comentó: "Con este programa, Dylan está explotando su profundo amor por un mundo musical sin fronteras".

El 29 de agosto de 2006, Dylan publicó el álbum Modern Times. En una entrevista concedida a Rolling Stone, Dylan criticó la calidad de las grabaciones modernas y observó que sus nuevas canciones "probablemente sonaban diez veces mejor en el estudio que cuando las grabamos". Con la excepción de algunas reseñas que aludían a la voz de Dylan como la de "un muerto acatarrado", la mayoría de los críticos alabaron el álbum y lo colocaron como estamento final de una trilogía de éxitos que comenzaba con Time Out of Mind y continuaba con "Love and Theft". Modern Times debutó en el primer puesto en la lista Billboard 200, consiguiendo el primer número 1 para Dylan desde el álbum de 1976 Desire. Con 65 años, Dylan se convirtió en el cantante solista más veterano en la historia que consigue ser número 1 en Estados Unidos, superado en 2008 por Neil Diamond con su álbum Home Before Dark.

En agosto de 2007 fue publicado el biopic I'm Not There, escrito y dirigido por Todd Haynes. La película hace uso de seis distintos personajes de Dylan para representar los distintos aspectos de su vida, interpretados por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger y Ben Whishaw. Una grabación inédita de 1967 de la que la película toma el nombre fue incluida por primera vez en la banda sonora del filme; el resto de canciones incluye versiones de otros artistas como Eddie Vedder, Stephen Malkmus, Jeff Tweedy, Willie Nelson, Cat Power, Richie Havens y Tom Verlaine. En octubre, fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en Oviedo, sin la presencia del músico al coincidir con un concierto en Omaha, Nebraska.

En un intento por recopilar una antología definitiva, el 1 de octubre de 2007 Columbia Records publicó un triple álbum bajo el título de Dylan. Como parte de la campaña promocional, Mark Ronson produjo una remezcla de la canción de 1966 "Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)", publicada como sencillo.

Una década después de que Random House publicara Drawn Blank (1994), su primer libro de pinturas, la exhibición The Drawn Blank Series abrió sus puertas en Chemnitz, Alemania, en octubre de 2007. La exhibición incluía 170 grabados y gouaches realizados por Dylan.

En octubre de 2008, Columbia publicó el octavo volumen de la conocida serie de bootlegs oficiales, Tell Tale Signs: Rare and Unreleased 1989-2006, con canciones descartadas, tomas alternativas y versiones en directo de canciones que se trasladan desde Oh Mercy (1989) hasta Modern Times (2006). La publicación fue aclamada por la crítica musical, con Allan Jones escribiendo para la revista Uncut: "Tell Tale Signs es la evidencia de la asombrosa vivacidad de Dylan, su evidente determinación de repetirse lo menos posible a sí mismo en el estudio".

Apenas tres años después de la publicación de Modern Times, la revista musical Rolling Stone publicó la noticia de que Dylan había grabado un nuevo álbum. En el reportaje, la revista rumoreó que Dylan estuvo acompañado en las grabaciones por su banda habitual en la gira y por David Hidalgo, de Los Lobos. El álbum, titulado Together Through Life, será publicado el 28 de abril. En una entrevista con el periodista Bill Flanagan, Dylan reveló que el nuevo álbum estaba muy influenciado por el sonido de Chess Records y Sun Records. Asimismo, apuntó que el génesis del álbum tuvo lugar cuando el director de cine Olivier Dahan le solicitó que compusiera una canción para su película My Own Love Song, siguiendo el disco a continuación "su propio camino".

Bob Dylan ha sido descrito como una de las figuras más influyentes del siglo XX desde el punto de vista musical y cultural. Fue incluido en el especial Time 100: The Most Important People of the Century, donde fue definido como "maestro poeta, crítico social caústico e intrépido espíritu de la generación contracultural". En 2004, fue alzado a la segunda posición de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos en la revista Rolling Stone.

Con un estilo inicialmente modelado a partir de las canciones de Woody Guthrie y de Robert Johnson, Dylan aportó sofisticadas técnicas líricas a la música folk de mediados de los 60. Paul Simon sugiere que las primeras composiciones de Dylan sobrepasaban el género folk: "Las primeras canciones eran muy ricas, con fuertes melodías. "Blowin' in the Wind" tiene una verdadera melodía muy fuerte. Se amplió a sí mismo con el folk como trasfondo".

Cuando Dylan trasladó su música al folk rock, la mezcla fue aún más compleja. Para muchos críticos, el logro de Dylan suponía el ejemplo de síntesis cultural logrado con sus trabajos de mediados de los sesenta: Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde. Según Mike Marqusee: "Entre 1964 y 1966, Dylan creó un trabajo que sigue siendo único. Sobre las bases del folk, del blues, del country, del R&B, del rock'n'roll, del gospel, del beat, del simbolismo, del modernismo, del surrealismo y del dadaísmo, sobre el comentario social, Federico Fellini y Mad Magazine, forjó una coherente y original voz y visión. La belleza de estos álbumes conserva el poder del impacto y del consuelo".

Un legado de la sofisticación verbal de Dylan fue la creciente atención que lograba por parte de críticos literarios. El profesor Christopher Ricks publicó un análisis de 500 páginas sobre el trabajo de Dylan, emplazándolo en el contexto de autores como Eliot, Keats y Alfred Tennyson. El poeta laureado de Gran Bretaña Andrew Motion sugirió también que las letras de Bob Dylan deberían ser estudiadas en la escuela. En este mismo contexto, Dylan fue nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.

Dentro del terreno musical, Lou Reed, Jimi Hendrix, Bono, Neil Young, Bruce Springsteen, Tom Petty, Van Morrison, Leonard Cohen, The Go-Betweens, David Bowie, Bryan Ferry, Mike Watt, Roger Waters, Ian Hunter, Paul Simon, David Gilmour, Nick Cave, Keith Richards, Patti Smith, Iggy Pop, Jack White, Ronnie Wood, Billy Joel, Glen Hansard, Robyn Hitchcock y Tom Waits, , entre otros, han reconocido la importancia de Dylan en la música contemporánea. También los cantautores españoles Joaquín Sabina, Enrique Bunbury y Nacho Vegas, así como el argentino Andrés Calamaro, quien participó en una gira por España con él en 1999, se sienten influenciados por su música y legado.

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Taxi Driver

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Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert de Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un excombatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. La película obtuvo varios premios, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nominaciones al Oscar; en la actualidad se la considera una de las mejores de su década. El reparto cuenta también con la presencia de Cybill Shepherd, como la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie Foster, como una prostituta de 13 años de edad con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese realiza un pequeño cameo.

Travis Bickle (Robert de Niro) es un ex combatiente de Vietnam, actualmente residente en Nueva York, que sufre de depresión y ansiedad al sentirse progresivamente rechazado por la sociedad. Adicionalmente sufre de insomnio, lo que le lleva, tras pasar las noches en salas X y demás, a apuntarse como taxista nocturno para aprovechar el tiempo muerto y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo silencioso de todas las maldades existentes en la gran ciudad: la prostitución, la violencia, los prejuicios, las locuras, los barrios bajos... A medida que pasan los días Travis va enfureciendo y llega a la paranoia. Anota todo en un cuaderno, decidido a pasar a la acción algún día, respondiendo a la violencia con violencia. Entretanto conoce a una jovencita (Jodie Foster) e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta; esta joven, llamada Iris, comparte el mismo nombre que la niña de la ópera homónima de Pietro Mascagni donde la protagonista fue engañada e inducida a prostituirse.

Malas Calles, de 1973, deja ver a un diamante en bruto tras las cámaras, opacado en gran medida por las deficiencias del guión y, tal vez, por su propia inmadurez. Atrevidos movimientos de cámara, ralentización de planos, uso abundante del zoom (y en casos del zolly), explotación de la música popular estadounidense (mayormente rock e indie) y sutiles distorsiones de la perspectiva, son algunos de los elementos que caracterizan el estilo de Martin Scorsese, quien ha impactado con gran fuerza sobre el cine de las últimas décadas, dejando notables huellas en directores tan reconocidos como Wong-Kar Wai o Quentin Tarantino. Este estilo, aunque no culminaría su desarrollo hasta la obra maestra del director, Toro Salvaje (1980), puede decirse que alcanza su madurez en Taxi Driver, cinta que, aunque resultó un éxito de taquilla y obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes, fue prácticamente ignorada por la Academia de Hollywood (perdió frente a Rocky), convirtiéndose en obra de culto para muchos y, con el tiempo, en uno de los títulos más aclamados y representativos de su década. La cinta también supuso la consagración de Robert De Niro y el descubrimiento de Jodie Foster como una de las intérpretes más sólidas de su generación, con solo catorce años.

Confesando haberse inspirado en Pickpocket de Robert Bresson, Paul Schrader, habitual colaborador de Scorsese, elaboró un guión que insiste sobre varias constantes del director: la violencia en la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”. El controvertido personaje protagónico, Travis Bickle, genialmente encarnado por Robert de Niro, es en gran medida el narrador de esta historia, desde su voz en off hasta sus pantomimas, sin olvidar su célebre “You talking to me?” (¿Me estás hablando a mí?). Las influencias perceptibles en Taxi Driver resultan muy variadas, desde el más puro Sergio Leone hasta Los Siete Samuráis, de Akira Kurosawa. Sus incontables matices nos permiten catalogarla como una mixtura de géneros. La fotografía expresionista de Michael Chapman, altamente estilizada desde el plano inicial, que muestra el taxi de Travis surgiendo de entre el humo de las alcantarillas, así como la excelente partitura del gran Bernard Herrmann, quien legó aquí su última obra al cine, nos remiten a las más depresivas atmósferas del cine negro. El hábil uso de los primeros planos, las similitudes de la trama con la obra maestra de John Ford, Centauros del desierto (Más corazón que odio o The Searchers), así como la posible equivalencia del personaje de Travis con un jinete del oeste, hacen de Taxi Driver también una especie “western urbano”.

En Taxi Driver encontramos el origen psicológico de psicópatas como el que atentó contra Ronald Reagan (quien declaró en su juicio haberse inspirado en la cinta). ¿Qué se puede esperar de un hombre que es insertado en una comunidad tan agitada y corrupta luego de la experiencia traumática de la guera? Scorsese retrata su New York natal como un antro de perdición, como muestra de una sociedad tan disparatada que, en uno de los finales más controvertidos del cine (posiblemente de carácter onírico), hace de un psicópata como Travis, un héroe popular, dando lugar también a interrogantes sobre “quién está más loco”, si nuestro protagonista que salva a una niña corrompida, o los personajes del proxeneta Amoroso o el senador Palantine (quien enuncia que “nosotros somos el pueblo”), ya de por sí corruptos. Taxi Driver constituye una crónica perfecta de los Estados Unidos luego de la aventura de Vietnam, así como una severa crítica a la violencia y corrupción resultantes.

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Thelma Schoonmaker

Thelma Schoonmaker (Argelia, 3 de enero de 1940) es una montadora de cine, ganadora de tres Premios Óscar.

Schoonmaker ha trabajado con el director Martin Scorsese durante más de treinta y cinco años. Ha editado gran parte de sus películas, como Toro Salvaje, Goodfellas, La última tentación de Cristo, El rey de la comedia, Jo, ¡qué noche!, After Hours, Casino, Gangs of New York, El Aviador o The Departed, además de la película documental The Last Waltz.

A lo largo de su carrera ha recibido 6 nominaciones a los Premios Óscar, y ha ganado 3 veces (por las ediciones de Toro salvaje, El Aviador y The Departed).

En su vida privada, estuvo casada con el director de cine británico Michael Powell.

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Joe Pesci

Joe Pesci (n. 9 de febrero de 1943) es un actor, cantante y cómico estadounidense ganador del premio Óscar.

Joe Pesci nació en Newark (Nueva Jersey) y trabajó como cantante durante los años 60, publicando el álbum Little Joe Sure Can Sing bajo el apodo de Joe Ritchie. Su primer éxito como actor fue en la película de Martin Scorsese Toro salvaje, en la que daba la réplica a Robert de Niro.

Joe Pesci es un conocido actor de cine y televisión de origen estadounidense, famoso por haber sido galardonado con los Premios de la Academia.

Joseph Frank Pesci nació el 9 de Febrero de 1943 en la ciudad de Newark, localizada dentro del estado de Nueva Jersey en los Estados Unidos de América.

Su familia estaba compuesta por su madre Mary, quien trabajaba medio tiempo en una peluquería, y su padre Angelo Pesci, un conductor de grúas para la General Motors, y barman de noche.

Con solo cinco años de edad ya actuaba en el pequeño teatro local y más tarde, cuando tenía diez, era un personaje regular dentro de un programa de variedades llamado “Startime Kids” (Niños estrellas).

Al terminar sus estudios secundarios quiso seguir los pasos de su madre, por lo que tomó un empleo como barbero. A éste también le sumaba su afición por la guitarra, lo que lo llevó a grabar un disco musical bajo el seudónimo “Joseph Richie”.

Su primera aparición en un largometraje se dio en 1961 con “Hey Let’s Twist” (Oye, bailemos twist), al que le siguió “Out of it” (Fuera de eso) ocho años después. Sin embargo, no fue hasta 1980 que no tuvo un gran salto a la fama.

Este año marcó su vida, puesto que el director Martin Scorsese lo eligió para ser el mejor amigo de Robert De Niro en el filme “Raging Bull” (Toro salvaje). Para su propia sorpresa, los jueces de los Premios de la Academia lo nominaron para la estatuilla de Mejor Actor de Reparto.

Posteriormente, Joe adquirió la fama suficiente para ser el protagonista en películas como “Easy Money” (Dinero fácil) o “I’m Dandinc as Fast as I Can” (Bailo tan rápido como puedo). Sin embargo, no volvió a tener otro gran éxito hasta 1984.

Una vez más, la fortuna lo presentó como el mejor amigo de Robert De Niro, y gracias a su ascendencia italiana pudo interpretar a la perfección su rol en “Once Upon a Time in America” (Érase una vez en América). Danny Aiello y James Woods también formaron parte el elenco del filme.

Ese mismo año también lo colocó en la pantalla grande junto a Gene Hackman, para después alejarlo del cine durante un tiempo. Solamente regresó en 1987, en la adaptación de la novela de A. J. Quinell “Man on Fire” (Hombre en llamas).

Bajo este título, Scott Glenn fue el encargado de llevar a la vida al personaje Creasy, rol que años más tarde también ostentó Denzel Washington en una versión mucho menos exacta que su predecesora. En ésta, Danny Aiello interpretó a Conti, el mejor amigo del guardaespaldas.

En 1988 se vio involucrado en el proyecto de Michael Jackson de filmar una película. Finalmente terminó actuando en “Moonwalker”, formando así parte de uno de los largometrajes de culto de nuestra era.

Un año más tarde, Mel Gibson sugirió que Joe sería un excelente compañero para la dupla que formaba con Danny Glover en “Lethal Weapon 2” (Arma Mortal 2). En esta oportunidad, parte de la banda sonora corrió por cuenta del genial guitarrista Eric Clapton.

Aparenteme, el actor comenzó a tener una especie de gusto por las comedias, puesto que en 1990 pudimos verlo protagonizar “Betsy’s Wedding” (La boda de Betsy), acompañado por Samuel L. Jackson.

Sin embargo, su rol más reconocido por aquel tiempo fue el de Tommy DeVito, nuevamente compañero de Robert De Niro en “Good Fellas” (Uno de los nuestros). Para Martin Scorsese, estos dos actores resaltaban las capacidades del otro, por lo que siempre confió en ellos para sus filmes.

También en ese mismo 1990 fue que Joe se convirtió en uno de los ladrones de poca monta de “Home Alone” (Solo en casa), haciendo que MacAulay Culkin debiera tomar medidas drásticas contra él y su compañero Daniel Stern.

Poco tiempo más tarde, fue uno de los actores de reparto de “Catchfire”, un drama protagonizado por Jodie Foster y Fred Ward. A éste le siguió otra comedia, que llevó el título de “The Super” (El supremo).

Su gran capacidad para la interpretación también fue notada por el director Oliver Stone, quien lo reclutó para actuar en “JFK”. En esta oportunidad compartió los créditos con Kevin Costner, Tommy Lee Jones, Kevin Bacon, Gary Oldman y Donald Sutherland.

Ya en 1992, acompañó a Marisa Tomei y a Ralph Macchio en el filme “My Cousin Vinny” (Mi primo Vine), la cual sorprendió a casi todos los críticos, puesto que alcanzó más de 64 millones de dólares en ventas. Tomei recibió el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su desempeño.

También ese mismo año fue que Mel Gibson y Danny Glover volvieron a incluirlo en su largometraje “Lethal Weapon 3” (Arma Mortal 3). Al terminar de rodar este filme, fue protagonista exclusivo en “The Public Eye” (El ojo público), donde también actuó Stanley Tucci en un rol menor.

Habiendo notado el éxito rotundo de la primera entrega de “Solo en casa”, la 20th Century Fox ordenó una secuela para MacAulay Culkin, donde Joe fue nuevamente el villano maestro, acompañado por Daniel Stern.

Regresando por un momento a las películas de crimen, se unió nuevamente a Robert De Niro durante el rodaje de “A Bronx Tale” (Una historia del Bronx). Por este tiempo, Joe comenzó a dejar de participar tan activamente en el cine, disfrutando de sus diversos negocios.

En 1994 fue coprotagonista de Christian Slater en “Jimmy Hollywood”, dirigida por Barry Levinson, y más tarde actuó en “With Honors” (Con honores), acompañando a Brendan Fraser como un callejero sabio que vive en el salón de las calderas de su universidad.

1995 lo vio en uno de sus roles más violentos, interpretando a Nikky Santoro en “Casino”. Una vez más, Martin Scorsese lo había llamado para ser el compañero de Robert De Niro, quien encarnó a Sam Rothstein, el magnate de Las Vegas.

Dos años más tarde, le dio un giro de tuercas a su carrera, al protagonizar “8 Heads in a Duffel Bag” (8 cabezas en un bolso de mano), una comedia de humor negro que tuvo muy buena recepción con la audiencia.

Finalmente, en 1998 apareció la cuarta entrega de “Arma Mortal”, para la cual Joe definitivamente no podía faltar. Una vez más, acompañó a Mel Gibson y a Danny Glover, mientras la acción transcurría en Chinatown, añadiendo a Chris Rock y a Jet Li al elenco.

Tras años de haber trabajado juntos, Glover y Pesci decidieron rodar juntos una comedia para toda la familia, a la que le dieron por nombre “Gone Fishin’” (De pesca). Durante el rodaje, un terrible accidente acabó con la vida de uno de los extras, a quien se le dedicó el largometraje en los créditos.

La última película en la que se lo ha visto desde entonces, es en “The Good Shepherd” (El buen pastor), a pedido de su gran amigo Robert De Niro, quien dirigió el filme. De este modo, acompañó a Matt Damon, Angelina Jolie, William Hurt, Alec Baldwin y Billy Crudup, en su exitoso estreno.

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Robert De Niro

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Robert Mario De Niro, Jr. (Nueva York, 17 de agosto de 1943) es un actor, director, productor y guionista estadounidense, ganador de dos premios de la Academia. Es ampliamente conocido por sus actuaciones en papeles de gángsters y de personajes conflictivos y turbulentos, destacando sus múltiples colaboraciones con el director Martin Scorsese y por sus primeros trabajos con el director Brian De Palma.

Es considerado como uno de los actores más brillantes del cine estadounidense, y también de los más camaleónicos, ya que ha interpretado personajes de toda clase de géneros, así como de terror, drama, e incluso de comedia. Desde sus inicios, De Niro fue un actor que entabló amistades con grandes directores, y más tarde él mismo dirigiría películas como Una historia del Bronx y El Buen Pastor.

De Niro ha estado casado dos veces. En su primer matrimonio con Diane Abbott tuvo una hija llamada Dreena y un hijo llamado Raphael. De su relación con la modelo Toukie Smith tuvo dos hijos gemelos, Julian Henry y Aaron Kendrick. También ha tenido varias relaciones sentimentales con Naomi Campbell, Leight Taylor Young o Ashley Judd.

La familia de De Niro eran italianos y emigraron a principios del siglo XX de Ferrazzano (un pueblo en la provincia de Campobasso, Molise) a Estados Unidos.

Nació en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Era hijo de Robert De Niro Sr. (pintor, expresionista abstracto, escultor y poeta), y de Virginia Admiral, también pintora.

Sus padres se divorciaron cuando él tenía dos años. De Niro creció en el área de Nueva York que se conoce como Hell's Kitchen, y se convirtió en un muchacho delictivo y rebelde, causa que haría que tuviera que ser metido en varios reformatorios juveniles. En su infancia recibió el apodo de "Bobby Milk", debido a su tez pálida.

Se graduó en la escuela Little Red School House y después su madre lo matriculó en la escuela artística High School of Music and Art de Nueva York. Lo dejó a los trece años y se unió a una banda callejera de Little Italy, con la que tuvo diferentes problemas, debido a múltiples vandalismos que provocó. Meses más tarde, asistió al conservatorio Stella Adler.

Con veinte años, en 1963, De Niro hace su primera intervención cinematográfica junto al director Brian De Palma en la película The Wedding Party, que sin embargo no se estrenó hasta 1969. Ésta sería la primera colaboración que tuvo el actor junto con De Palma, director con el que De Niro entablaría una gran amistad. Durante los años 60, hizo varios trabajos en el teatro, y en 1965 trabaja como extra en la película francesa Trois Chambres À Manhattan. En 1968, volvió a ser contratado por Brian De Palma e hizo su debut en el cine con la película Saludos. En 1970 también participó en una película de De Palma, ¡Hola mamá!.

A De Palma le encantaban las contribuciones que De Niro hizo junto a él en sus películas, y entonces el director sería el encargado de presentar a los demás directores a De Niro como un gran actor. Entonces gracias a su amistad con De Palma logró en el año 1973 obtener un papel en la película Muerte de un jugador, con el que ganaría gran popularidad. En ese mismo año empezó una prolífica colaboración con el también director Martin Scorsese en la película Malas Calles. De Niro y Scorsese también cosecharon una buena relación, con la que darían fruto películas como Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Toro salvaje (1980), El rey de la comedia (1983), Uno de los nuestros (1990), El cabo del miedo (1991) y Casino (1995).

En la mayoría de estas películas, De Niro interpretó personajes emocionalmente inestables con tendencias sociopáticas. Taxi Driver es particularmente importante, pues su actuación del personaje de Travis Bickle le valió la fama mundial, y unió para siempre el nombre de De Niro con el famoso monólogo "¿Me estás hablando a mí?".

En 1974, De Niro participó en El Padrino II, dirigida Francis Coppola, en el papel del joven Don Vito Corleone. En la primera entrega este personaje fue interpretado por Marlon Brando y de hecho se negoció con el actor para que volviese a interpretar el papel en la segunda parte, pero debido a que tenía problemas con la productora, rechazó el papel. De Niro empleó una vez más sus dotes camaleónicas y decidió que la adaptación del joven Corleone tenía que ser idéntica a la que interpretó Brando. Engordó unos cuantos kilos, aprendió el habla italiana, e imitó algunos de los gestos que Brando empleó en la primera película. Su actuación le dio su primer Óscar como mejor actor secundario. Curiosamente De Niro y Marlon Brando son los únicos actores que han ganado un Óscar interpretando al mismo personaje, Brando ya lo había ganado (aunque lo rechazó) por interpretar al viejo Vito Corleone en El Padrino.

En 1976, De Niro aparece junto con Gérard Depardieu en la película de Bernardo Bertolucci, Novecento. En 1978, interpreta a Michael Vronsky, en el aclamado film sobre la guerra de Vietnam, El cazador. Otra notable actuación fue en el papel del gangster judío "David Aaronson" en la película Érase una vez en América de Sergio Leone.

En 1980, rueda Toro salvaje. Su papel de Jake La Motta en esta película es considerada como una de las diez mejores interpretaciones de la historia del cine y la valió para ser galardonado finalmente con el Óscar al mejor actor.

Temiendo encasillarse en este tipo de personajes duros y conflictivos, a mediados de los años 1980, De Niro empieza a hacer ocasionalmente papeles de comedia, y donde obtuvo mucho éxito con películas como Brazil (1985), Huida a medianoche (1988), La cortina de humo (1997), Una terapia peligrosa (1999), Los padres de ella (2000) y Los padres de él (2004).

En 1993 dirige su primera película, Una historia del Bronx. Ese mismo año recibe el León de Oro especial del Festival de Venecia, por los méritos obtenidos a largo de su carrera cinematográfica. En el año 2007 dirigió y protagonizó con Matt Damon un filme llamado El buen pastor, que narra la historia de la CIA, su dirección recibió excelentes críticas y fue un éxito en taquilla y en la crítica. En el año 2008 estrenó una cinta policiaca muy esperada al lado de Al Pacino y entre sus planes a futuro está protagonizar una cinta gángster llamada Frankie Machine, que narra la historia de un retirado matón de la mafia que tiene que salir de su retiro por una importante situación, la cinta al parecer será dirigida por Michael Mann.

De Niro es alabado por su compromiso en la interpretación de los papeles: ganó 27 kilos de peso y aprendió a boxear para interpretar a Jake La Motta en Toro salvaje, vivió en Sicilia para su trabajo en El Padrino II, aprendió a tocar el saxofón para New York, New York, se hizo entradas del pelo para interpretar a Al Capone en Los intocables de Elliot Ness y trabajó como taxista cuatro semanas para la película Taxi Driver.

Los cines de España proyectaron a partir del 3 de octubre de 2008 el filme titulado Asesinato justo (Righteous Kill), en el que interviene junto al actor Al Pacino por vez primera durante todo el largometraje. Los dos actores también serían coprotagonistas en El Padrino II (1974) y en Heat (1996), pero sólo en ésta compartirían una escena juntos pues en aquélla no coincidirían debido a los flashbacks requeridos por el guión para el papel de "Vito Corleone".

De Niro se casó dos veces. De su primer matrimonio con Dianne Abbott tiene una hija llamada Dreena y un hijo llamado Raphael. De su relación con la modelo Toukie Smith tiene dos hijos gemelos, Julian Henry y Aaron Kendrick. Raphael, que inició una carrera como actor, se dedica actualmente al mercado inmobiliario en Nueva York. La pareja se rompió meses más tarde.

A finales de los años 80 De Niro comenzó a invertir en el área de TriBeCa en Nueva York, incluyendo el estudio de cine TriBeCa Productions y el festival de cine TriBeCa Film Festival. De Niro admitió más tarde que algunos de los malos papeles que tomó durante los años 90 fueron únicamente para apoyar estas obras de caridad.

A finales del 2004, De Niro se casó otra vez con su segunda mujer, Grace Hightower, una antigua azafata diez años más joven. Tuvieron un hijo, Elliot, en 1998. La pareja solicitó el divorcio recientemente por diversas disputas.

De Niro apoya firmemente al Partido Demócrata, y prestó apoyo explícitamente a Al Gore en las elecciones presidenciales del año 2000, y a John Kerry en las de 2004. En 1998 se pronunció en contra del proceso de impeachment al presidente Bill Clinton, como amigo personal de la familia Clinton.

Es copropietario del restaurante «Rubicon» de San Francisco con Francis Ford Coppola y Robin Williams.

Ricard Solans es la voz habitual de Robert De Niro en el doblaje español. Le dobló por primera vez en New York, New York y desde entonces le ha doblado en 49 películas. Es muy difícil encontrar una película doblada al castellano en la que la voz de Robert De Niro no sea Ricard Solans (excepto en El Padrino II).

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Source : Wikipedia