Festivales de cine

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Publicado por roy 27/02/2009 @ 00:40

Tags : festivales de cine, cine, cultura

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Festivales de cine Gay

En un festival

Este es un listado de festivales de cine gay y lésbico.

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Loving Annabelle

Loving Annabelle (2006) es una película estadounidense dramática de temática lésbica dirigida por Katherine Brooks e interpretada por Diane Gaidry y Erin Kelly. Cuenta la historia de la turbulenta relación que surge entre una profesora, Simone (Gaidry), y su nueva alumna, Annabelle (Kelly). La película obtuvo varios premios en diversos festivales de cine internacionales.

Annabelle es la hija de una senadora de los Estados Unidos que llega al internado católico de Santa Teresa tras haber sido la protagonista de un escándalo. Sofisticada y madura para su edad, pronto llama la atención por su carácter rebelde. Simone, la joven profesora de poesía del internado, recibe el encargo de la estricta directora de la institución de vigilar a Annabelle para que no sea una mala influencia para las demás alumnas. No tarda en surgir una poderosa atracción entre Simone y Annabelle, que la profesora intenta rechazar y que la alumna intenta perseguir. Cuando por fín ambas se rinden ante la evidencia y la fuerza de su atracción, son descubiertas, terminando la película sin una resolución clara.

Loving Annabelle está inspirada en la película alemana de 1931 Muchachas de uniforme. La película toca varios temas, como el amor prohibido entre una profesora y su alumna, la religión y la tolerancia (especialmente en la figura del Padre Harris, interpretado por Kevin McCarthy, quien consuela y apoya a Simone).

Loving Annabelle obtuvo en general críticas positivas. La revista Variety la calificó como un placer prohibido, y el Miami Sun Post dijo que nos encontrabamos ante una película sofisticada. Felix Vasques, de Film Threat recalca que el controvertido romance es profundamente sentido y complejo al examinar ambos personajes y las intenciones que tienen con respecto a la otra. Algunas de las críticas negativas se centraban en la ausencia de un tercer acto que realmente pusiera fin a la película, y se preguntaban si había faltado presupuesto para ello.

La película obtuvo seis premios internacionales en diversos festivales.

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Festival Internacional de Cine de Toronto

El Festival Internacional de Cine de Toronto (Toronto International Film Festival, TIFF) es un festival de cine que se celebra anualmente en Toronto (Canadá).

El festival arranca el martes siguiente al Labor Day (primer lunes de septiembre) y dura 10 días. Se suelen presentar de 300 a 400 películas en diferentes categorías, aunque no se entregan premios.

Se considera uno de los festivales más importantes del mundo y uno de los más importantes de América del Norte. En 1998, la revista Variety escribe que "el Festival de Toronto es el segundo después del de Cannes en términos de presencia de estrellas y de actividad económica". Interrogado por el National Post en 1999, Roger Ebert declara "...Aunque Cannes siga siendo el mayor, Toronto es el más útil y el más activo".

El festival comienza en 1976 como una retrospectiva de los mejores festivales del mundo. Desde entonces se ha convertido en un importante socio de Hollywood, tanto que en ocasiones se le considera la antesala de los Oscar.

Desde 1994, el director del Festival Internacional de Cine de Toronto es Piers Handling.

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Festival de Cine del Extremo Oriente

El Festival de Cine del Extremo Oriente (también conocido como UdineIncontriCinema - Festival del cinema popolare dell'Estremo Oriente) es un festival cinematográfico enfocado al cine asiático que se celebra anualmente durante la segunda mitad del mes de abril desde 1999 en la ciudad de Udine, situada en la región italiana de Friuli .

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Cine de Japón

Humanidad y globos de papel (Sadao Yamanaka).

El Cine de Japón (日本映画; Nihon-Eiga) tiene una historia que abarca más de 100 años.

La primer película cinematográfica producida en Japón fue el corto-documental Geisha no teodori (芸者の手踊り) en junio de 1899.

La primer estrella del cine japonés fue Matsunosuke Onoe, un actor de kabuki que apareció en más de 1.000 películas, sobre todo cortometrajes, entre 1909 y 1926. Él y el director Shozo Makino volvieron populares a las películas del género jidaigeki.

La primera actriz japonesa en aparecer profesionalmente en una película, fue la bailarina y actriz Tokuko Nagai Takagi, quien apareció en cuatro cortometrajes de la productora estadounidense Thanhouser Company entre 1911 y 1914.

Algunos de los más comentados filmes mudos son los del realizador Kenji Mizoguchi, cuyas obras tardías, como Vida de O-Haru, mujer galante, de 1952, son aún muy apreciadas.

Durante el período mudo, la mayor parte de las salas de cine empleaban a benshis, narradores cuyas dramáticas lecturas acompañaban al filme y a su banda sonora, que al igual que en Occidente, era habitualmente interpretada en vivo.

Catástrofes como el Terremoto del Gran Kanto de 1923, los bombardeos sobre Tokio durante la Segunda Guerra Mundial, unidos a los efectos naturales del tiempo y la humedad sobre el entonces más frágil celuloide, han contribuido a que subsistan muy pocos filmes de este período.

Un estudio del género gendaigeki - que trata acerca de dramas modernos ó contemporáneos- y de la escritura de guiones de cine en las décadas de 1910-1920, puede encontrarse en Writing in Light: The Silent Scenario and the Japanese Pure Film Movement (Joanne Bernardi, Wayne State University Press, 2001). La obra incluye algunas traducciones de guiones completos.

A diferencia de la producción de cine de Hollywood, durante la década de 1930, todavía se producían en Japón filmes mudos. Destacan en este período los filmes sonoros de Kenji Mizoguchi Las hermanas de Gion (Gion no shimai) de 1936, Elegía de Naniwa (Naniwa erejî) del mismo año y La historia del último crisantemo (Zangiku monogatari) de 1939. Éstas, junto con las películas de Sadao Yamanaka, Ninjo Kamifusen de 1937. y de Mikio Naruse Tsuma Yo Bara No Yoni de 1935, fueron las primeras películas japonesas en estrenarse en los EEUU. Sin embargo, la presión de la censura se hizo sentir entre los directores con tendencias políticas de izquierda como Daisuke Ito.

Akira Kurosawa estrena su primer largometraje La leyenda del gran Judo (Sanshiro Sugata) en 1943. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, y durante la ocupación bajo Douglas MacArthur, Comandante Supremo de las Fuerzas Aliadas, Japón fue expuesto a más de una década de cine de animación estadounidense, prohibido por el gobierno japonés durante la guerra.

Destaca además el exitoso filme Primavera tardía (Banshun) dirigida por Yasujiro Ozu en 1949.

La década de 1950 fue el cenit del cine japonés. La década comienza con Rashomon (1950), de Akira Kurosawa, que obtuvo el Oscar a la Mejor Película Extranjera marcando la entrada del cine japonés en el resto del mundo. Fue además el rol que catapultó la carrera del legendario Toshiro Mifune. En 1952 Kurosawa estrena Ikiru, y en 1953 Yasujiro Ozu completa su obra maestra Cuentos de Tokio.

El año 1954 produjo dos de los largometrajes más influyentes del cine japonés. El primero fue la épica Los siete samurái, de Akira Kurosawa, acerca de un grupo de samuráis que son contratados para proteger una aldea de una pandilla de rapaces ladrones. Los siete samurái ha tenido diversas adaptaciones, entre las que destaca la película Los siete magníficos, un western de John Sturges de 1960.

Ese mismo año, Ishirō Honda estrenó el film de terror anti-nuclear Gojira, conocida en Occidente como Godzilla. Aunque fue severamente editada para su estreno en Occidente, Godzilla se convirtió en un ícono internacional de Japón e inició la industria de las películas del género Kaiju.

En 1955, Hiroshi Inagaki ganó un Oscar a la mejor película extranjera por la primera parte de su trilogía sobre la vida de Miyamoto Musashi, Samurái I.

Kon Ichikawa dirigió dos dramas antibélicos: El arpa birmana (1956), y Fuego en la llanura (1959), junto con Conflagración (1958), una adaptación de la novela El pabellón de oro de Yukio Mishima.

Masaki Kobayashi realizó tres largometrajes, que colectivamente son conocidos como la Trilogía de la Condición Humana, entre 1958 y 1961.

Kenji Mizoguchi dirigió Vida de O-Haru, mujer galante (Saikaku Ichidai Onna) (1952), Cuentos de la luna pálida (Ugetsu Monogatari) (1953), que ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Venecia, y El intendente Sansho (Sansho Dayu) (1954).

Mikio Naruse hizo Meshi (1950), Bangiku (1954), La voz de la montaña (Yama no oto) (1954) y Nubes flotantes (Ukigumo) (1955).

Akira Kurosawa dirigió en 1961 el clásico Yojimbo, cuya repercusión en el género cinematográfico del western fue considerable.

En 1962 Yasujiro Ozu dirigió su última película Una tarde de otoño.

Mikio Naruse realizó en esta década los últimos largometrajes de su extensa filmografía; destacando entre ellos el melodrama Cuando una mujer sube la escalera, de 1960. Concluyó su carrera como cineasta en 1967 con el film Nubes dispersas.

El Technicolor llegó a Japón en la década de 1960. Kon Ichikawa capturó la esencia de los Juegos Olímpicos de Tokio 1964 en su documental de tres horas Las olimpiadas de Tokio (Tōkyō Orimpikku) (1965).

Seijun Suzuki fue despedido de la productora Nikkatsu por hacer películas sin sentido y sin ganancias, después de realizar Branded to Kill (1967); una película surrealista del género yakuza.

Osamu Tezuka con su obra Tetsuwan Atomu presentó el anime en la televisión japonesa, y la famosa serie Astro Boy (1963).

La película de Hiroshi Teshigahara La mujer de la arena, basada en la novela de Kobo Abe, ganó en 1964 el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, y fue nominada al Oscar al mejor director y al Oscar a la mejor película en habla no inglesa.

El filme de Masaki Kobayashi Kaidan también obtuvo al año siguiente, en 1965, el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes.

Nagisa Oshima dirigió El imperio de los sentidos (1976), controvertida película acerca de la historia real de Abe Sada. Oponiéndose radicalmente a la censura, el director insistió en que la película contuviera material pornográfico explícito y, como consecuencia de esa decisión, la película no pudo exhibirse en Japón, donde, a la fecha, aún no se ha presentado más que censurada, y tuvo que presentarse en Francia.

Yoji Yamada creó y dirigió la comercialmente exitosa serie Otoko wa tsurai yo (It's tough being a man), con el actor Kiyoshi Atsumi como Tora-san, de la cual se realizaron 48 filmes (1969–1995). Mientras, dirigía aparte otros filmes entre los que destaca el popular Shiawase no kiiroi hankachi (1977) (The Yellow Handkerchief of Happiness).

Kinji Fukasaku terminó Batallas sin honor ni humanidad (1973) (Jingi Naki Tatakai), la primera de la saga de cinco películas titulada The Yakuza Papers.

Los directores Susumu Hani y Shohei Imamura se retiraron, limitándose a trabajos documentales, aunque Shohei Imamura hizo un retorno triunfal con el rodaje de La venganza es mía (1979) (Fukushû suruwa wareniari).

Akira Kurosawa dirigió en 1980 Kagemusha ganadora de la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

El mismo año, Seijun Suzuki, aquel director que hacía "películas sin sentido y sin ganancias" en la década de 1960, regresó al medio cinematográfico con su filme Zigeunerweisen o Tsigoineruwaizen, recibiendo cuatro premios Awards of the Japanese Academy (Nippon Academy-Sho Association).

Shohei Imamura ganó en 1983 la Palma de Oro en Festival Internacional de Cine de Cannes por su filme La balada de Narayama (1983).

Hayao Miyazaki realizó en 1984 el filme anime Nausicaä del Valle del Viento, adaptado de la serie manga del mismo nombre, creada por él.

En 1985 Akira Kurosawa realizó su obra Ran. Con un presupuesto de 12 millones de dólares, fue la película japonesa más cara jamás producida. Ganadora de un premio Oscar al mejor diseño de vestuario.

En 1988 Katsuhiro Otomo adaptó su serie manga Akira al anime del mismo nombre.

Nuevas películas anime con personajes de los anime presentados en televisión, fueron apareciendo temporada tras temporada.

Kiyoshi Kurosawa (sin parentesco con Akira Kurosawa) realizó sus primeras películas, de bajo presupuesto, para luego orientar sus creaciones a otros géneros que fueron siendo apreciadas internacionalmente en la siguiente década, tales como Cure (1997).

Shohei Imamura ganó nuevamente el premio Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes (compartido), por su película La anguila (1997).

Takashi Miike inicia su prolífica carrera, realizando mas de 50 películas en una década, entre las que se destacan Chûgoku no chôjin (The Bird People in China) (1998), Audition (1999) y Dead or Alive: Hanzaisha (1999).

El documentalista Hirokazu Koreeda realiza los largometrajes Maboroshi no hikari (1996) y Wandafuru Raifu (1999).

El realizador de películas anime Hayao Miyazaki realizó dos exitos de taquilla nacionales e internacionales Porco Rosso (1992) y La princesa Mononoke (1997).

Aparecieron otros directores de anime, trayendo nuevos conceptos, no solo como películas, sino también como ejemplos de arte moderno. Como Mamoru Oshii con su película de ciencia ficción Ghost in the Shell (1995) (Kôkaku kidôtai), basada en el manga de Masamune Shirow, de gran éxito internacional y de la cual el director haría una secuela, Ghost in the Shell 2: Innocence (2004).

Satoshi Kon dirigió Perfect Blue (1997) un thriller sicológico, premiado en el Festival Internacional de Cinema do Porto, y el Fant-Asia Film Festival de Canadá. Posteriormente el director Toshiki Sato, realizaría el largometraje Perfect Blue: Yume nara samete (2002). Ambos filmes están basados en la novela de Yoshikazu Takeuchi del mismo nombre.

Hideaki Anno alcanzó un notable reconocimiento después de la presentación de su exitosa y controversial serie de 26 episodios, Neon Genesis Evangelion (1995), que es considerada uno de los anime más influyentes del género.

La película Battle Royale (2000) de Kinji Fukasaku causó controversia y fue prohibida o censurada en varios países, pero logró éxito de taquilla en Japón y adquirió también estatus de película de culto en el Reino Unido.

Hayao Miyazaki dirigió El viaje de Chihiro (2001), un anime de gran éxito de taquilla y ganadora del premio Oscar a la Mejor Película de Animación (2002) y del premio Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín (compartido) entre otros.

Takeshi Kitano realizó Dolls (2002) y Zatoichi (2003) ambas escritas por él. El director que solía aparecer como actor en sus películas, no lo hace esta vez.

Algunos filmes japoneses de horror : Ringu (1998), Kairo (2001), Dark Water (2002), Yogen (2004); y la serie Ju-on de Takashi Shimizu son realizados en esta década como remake, alcanzando éxito de taquilla.

El filme Godzilla: Final Wars (2004) es realizado por Ryuhei Kitamura, conmemorando el 50º aniversario del mítico personaje de ficción.

Hirokazu Koreeda dirigió Distance (2001) y Nadie sabe (2005), ganando esta última numerosos premios.

El director de anime Satoshi Kon realizó los exitosos filmes Millennium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) y Paprika (2006).

Dym, Jeffrey A. (2003). Benshi, Japanese Silent Film Narrators, and Their Forgotten Narrative Art of Setsumei: A History of Japanese Silent Film Narration. Edwin Mellen Press. ISBN 0-7734-6648-7.(review) and (2001) The Benshi-Japanese Silent Film Narrators. Tokyo: Urban Connections. ISBN 4-900849-51-0 .

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Festival Internacional de Cine de Oldemburgo

El Festival Internacional de Cine de Oldemburgo (en alemán: Internationales Filmfest Oldenburg) tiene lugar cada segunda semana de septiembre en la ciudad alemana de Oldemburgo.

Es un festival de cine no competitivo enfocando el cine independiente estadounidense. El programa contiene unos 50 largometrajes a lo que se suman aproximadamente 20 cortometrajes.

El Festival Internacional de Cine de Oldemburgo es uno de los más importantes festivales del cine independiente en Europa juntos con el Festival Internacional de Cine de Róterdam y el Festival Internacional de Cine de Gijón.

En el año 1994, Torsten Neumann y Thorsten Ritter fundan el festival con la intención de crear un festival inovativo e informal en Oldemburgo. Thorsten Ritter le abandona en 1998. Desde este momento, Torsten Neumann dirige el festival en las funcciones del director y administrador del programa en unión personal.

Los patriconadores principales del festival son Oldenburgische Landesbank y EWE AG.

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Festival de cine de Tribeca

El gobernador de Nueva York, David Peterson, inaugurando el Festival de Cine de TriBeCa 2008

El Festival de Cine de TriBeCa (en idioma inglés, TriBeCa Film Festival) fue creado en el año 2002 por el productor cinematográfico Jane Rosenthal y por el actor Robert De Niro en respuesta a los atentados del 11 de septiembre de 2001 y la consecuente pérdida de vitalidad que sufrió el barrio neoyorquino de TriBeCa.

La misión del festival es "permitirle a la comunidad fílmica internacional, y al público en general, experimentar el poder del cine al redefinir la experiencia del festival". El Festival de Cine de TriBeCa fue fundado para celebrar a la ciudad de Nueva York como un importante centro fílmico y para contribuir con la recuperación a largo plazo de la zona de Lower Manhattan.

Con más de 250 películas y más de 1.000 proyecciones en 2006 y 2007, el de TriBeCa se ha convertido en uno de los más prominentes festivales en el mundo. Su programa ofrece a los asistentes una gran variedad de filmes independientes, incluyendo documentales, cortometrajes y largometrajes narrativos, y un programa de películas aptas para toda la familia. El festival también cuenta con mesas redondas, donde discuten diversas personalidades del mundo del entretenimiento, y un salón musical, producido en conjunto con ASCAP, para permitir la exhibición de artistas consagrados y novatos. Uno de los componentes más distintivos del festival son sus premios Artists Awards, con los que artistas emergentes y de renombre le otorgan obras de arte originales a los ganadores de la competencia. Algunos artistas que han colaborado con estos premios son Chuck Close, Alex Katz y Julian Schnabel.

Algunos críticos aseguran que el Festival de Cine de TriBeCa es sólo una plataforma de lanzamiento para grandes producciones de Hollywood y vanidosos proyectos dirigidos por celebridades, y que no se cumple con el objetivo de ayudar a los cineastas o a la comunidad independiente de Nueva York.

La edición inaugural del festival fue llevada a cabo exitosamente sólo 120 días después de haber sido planeada y con la ayuda de más de 1.300 voluntarios. En él participaron diversos cineastas prometedores y acudieron más de 150.000 personas, generando más de 10,4 millones de dólares en ganancias para los comerciantes de TriBeCa. El festival contó con competencias de películas narrativas, documentales y cortometrajes, además de una serie de filmes "Clásicos restaurados", otra serie con "Lo mejor de Nueva York" (curada por Martin Scorsese), trece paneles de discusión, un festival familiar de un día de duración y los estrenos de Star wars episodio II, About a boy, Insomnia, Divine secrets of the Ya-Ya sisterhood y A league of ordinary gentlemen.

La segunda versión del Festival de TriBeCa atrajo a más de 300.000 espectadores y produjo cerca de 50 millones de dólares para la economía local. Realizado en mayo de 2003, el festival exhibió un extenso grupo de películas independientes, documentales y cortometrajes provenientes de diversos lugares del mundo. También incluyó estrenos de filmes de estudio, paneles de discusión, conciertos de música y comedia, un festival familiar, actividades deportivas y proyecciones de películas en el exterior, a lo largo del río Hudson. El festival familiar, llevado a cabo durante dos fines de semana, fue donde se mostraron películas para niños, se leyeron cuentos, hubo paneles familiares, talleres y juegos interactivos que culminaron con un feria callejera a la que se estima asistieron 250.000 personas.

En un esfuerzo por llevar las películas independientes a la mayor cantidad de público posible, en el año 2006 el festival expandió su alcance en la ciudad de Nueva York e internacionalmente. En dicha ciudad, TriBeCa proyectó más de 1.000 películas a través de Manhattan. Internacionalmente, TriBeCa trajo filmes de primer Festival de Cine de Roma. Como parte de las celebraciones en la capital italiana, al Festival de TriBeCa se le otorgó por primera vez el premio Steps and Stars, presentado en la Plaza de España.

En el año 2007, el Festival de Cine de TriBeCa aumentó el valor de sus boletos a 18 dólares, una maniobra necesaria para sustentar el ambicioso programa, pero decepcionante para algunos fanáticos del festival.

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Festival de Cine Iberoamericano de Huelva

Gran Teatro de Huelva 001.JPG

El Festival de Cine Iberoamericano de Huelva es un festival de cine que se celebra desde 1975 en la ciudad de Huelva (Andalucía, España) y que está dedicado al cine iberoamericano (creado en países americanos y europeos de habla hispana y portuguesa). El premio principal se conoce como Colón de Oro. El festival tiene entre sus objetivos promocionar el cine iberoamericano en Europa, así como su defensa y fomento. Supone uno de los mayores eventos culturales de la ciudad y provincia de Huelva por su proyección internacional.

Además de la sección competitiva existen otras secciones y premios paralelos: cortometrajes, premio del público, realización Audiovisual y Espectáculo del Instituto Pablo Neruda, premio Manuel Barba de la Asociación de la Prensa de Huelva, premio del Colegio de Arquitectos de Huelva de Cine y Arquitectura, premio del Instituto Andaluz de la Juventud, premio RTVA a la Creación Audiovisual, premio La llave de la Libertad otorgado por los reclusos de la cárcel provincial y premio de Radio Exterior de España.

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Cine

Proyector de películas FH99-35/70, Cine Cervantes (Sevilla)

El cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas. Etimológicamente, la palabra cine proviene del griego κινή (kiné), que significa "movimiento" (ver, entre otras, "cinético", "cinética", "kinesiología", "cineteca", cinergia).

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las ocho artes del mundo clásico, se le denomina noveno arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se le clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "Bollywood"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue Georges Méliès quien profundizo por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comienzo a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusierón guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.

Al cabo de los años la técnica permitio la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevo". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.

Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.

La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial se pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).

Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusion de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".

También forman parte del área el director de producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.

Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.

Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematógráfico se distinguen el guión literario o cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas, y el guión técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor.

También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.

El papel del guinista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una pélicula excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la pélicula quedará vacía. Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el sonidista y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.

Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.

El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o aprendices.

Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador.

El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como Avid u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición offline.

Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.

Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actríz podrían estar en riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la escena de acción sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación.

Storyboards: El storyboard se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de una actor en un plano determinado.

En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena.

Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no de autor, mientras que el cine independiente lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente.

Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.

Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.

Cine experimental: El cine experimental es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.

Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados «autores» de sus películas.

Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un súbgenero importante podría ser el cine abstracto.

La teoría del cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.

El cine clásico tiene un estilo que enfatiza la contuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El cine moderno no enfatiza estas caracteristicas, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de ésta. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.

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