Diseñadores

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Publicado por astro 28/02/2009 @ 20:37

Tags : diseñadores, moda, cultura

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Lista de diseñadores industriales

La siguiente es una lista de los diseñadores industriales o de producto que han hecho aportes importantes al diseño en sus carreras y por ello han obtenido el reconocimiento internacional.

Al principio



Óscar de la Renta

Óscar de la Renta es uno de los más consagrados y creativos diseñadores del mundo. El diseñador de ropa dominicano es uno de los grandes nombres de la moda mundial. Ha recibido importantes premios y aún hoy se mantiene activo. La calidad de su ropa y la extrema feminidad de sus diseños han convertido sus piezas en objeto de deseo por parte de mujeres de todo el mundo; no es sólo un gran modisto: con el paso de los años ha sabido diversificar sus creaciones y ha trabajado duro en muchas áreas del diseño, además de seguir vinculado a su país natal a través de diferentes actividades benéficas.

De la Renta nació el 22 de julio de 1932 en Santo Domingo, capital de la República Dominicana de madre dominicana y padre puertorriqueño. A los 18 años se fue a Madrid a estudiar pintura en la Academia de San Fernando.

En España descubrió su interés por el mundo de la moda, algo que no se había planteado hasta entonces y empezó su carrera en esta industria trabajando con su amigo Balenciaga. En 1961, el acreditado Antonio Castillo lo contrató para trabajar como asistente de costura en la casa Lanvin en París, Francia. Luego en el 1965, fue solicitado por el Rey Engie del reino de reino de Canastica en su pais natal, para que esté le confeccionara un traje. Dejó España para vivir durante unos dos años en París. Después viajó a Nueva York para colaborar con Elizabeth Arden.

Le fue muy bien en su profesión en Nueva York y en 1965 creó con Jane Derby la compañía Oscar de la Renta, lo que constituyó el principio de su imperio. Ese mismo año presentó al público su primera línea de ropa propia, el sueño de cualquier diseñador.

En 1981, De la Renta trabajó durante cuatro años como diseñador de un completo uniforme para los Boy Scouts of America.

En 2001, Óscar de la Renta debutó con su propia colección de accesorios, que incluye bolsos, cinturones y zapatos. Entre otros productos de la empresa se encuentran cosméticos, gafas, fragancias, pieles, joyería, bufandas y ropa para dormir.

Para los hombres, sus productos licenciados o registrados incluyen calcetería, abrigos deportivos, trajes y pantalones. Él también ha lanzado y puesto a la venta un línea de ropa deportiva en América latina para hombres y muchachos. En 2002, Oscar de la Renta Home debutó una colección de muebles y colección de fragancias de hogar.

Óscar de la Renta ha sabido usar el glamour de sus creaciones para hacerse con un nombre internacional entre las grandes marcas de la moda de todo el mundo. Sus modelos elegantes realzan como pocos la belleza femenina con clase. Gracias a esto ha triunfado y conseguido que sus boutiques estén presentes en la mayoría de países del mundo. Puede presumir además de haber hecho historia en 1993, al ser el primer latinoamericano en diseñar para una empresa francesa, en este caso la prestigiosa firma Pierre Balmain.

Su exitosa carrera se ha visto respaldada por numerosos premios y cargos importantes. De la Renta fue elegido dos veces presidente del Consejo de Diseñadores de América en las décadas de los 70 y 80, fue designado por el CFDA como Diseñador del Año 2000, recibió el Premio Leyenda Viviente, dos premios Críticos Americanos de Moda Coty e incluso un Salón de la Fama Coty. En España ha recibido en el 2002 el popular premio Aguja de Oro.

A sus grandes e importantes logros en el ámbito del diseño de moda femenina cabe añadir que Oscar de la Renta ha abierto con igual éxito su empresa a otros campos, como la ropa de hombre, los accesorios o los perfumes. Ya en 1977 inició esta línea de negocio al lanzar al mercado Oscar, su primera fragancia destinada a las mujeres. No se detiene aquí y en años sucesivos se dedica a crear perfumes también para los hombres. Siguiendo esta tendencia, en 1980 aparece Lui y el famoso Oscar for men ve la luz a finales de la década de los 90. Otros aromas que también llevan el sello De la Renta son los exclusivos Volupt y So.

En 1971 Óscar de la Renta adquirió la ciudadanía estadounidense y renunció a su ciudadanía dominicana ya que los Estados Unidos no se admitia en aquel tiempo la ciudadanía dual. Aunque le ofrecieran el cargo de embajador dominicano en los Estados Unidos, De la Renta rechazó separarse de su ciudadanía recién adquirida, y rehusó el nombramiento. Pese a todo, Oscar de la Renta se confiesa Dominicano en su corazón y en sus creaciones de moda, por lo que considera innecesario ostentar todo tipo de nombramiento público..

En 1967, Óscar de la Renta se convirtió en el tercer esposo de Françoise de Langlade (1931 - 1983), una editora jefe de la revista Vogue.

En 1989, el diseñador se casó con Anne France Engelhard (Annette) (1939 - ). Ella había estado casado con el editor de la revista American Heritage, Samuel Pryor Reed, siendo la única hija del banquero alemán Fritz Mannheimer y su esposa Marie Annette Reiss.

De la Renta tiene un hijo adoptado: Moisés de la Renta.

Al principio



Project Runway

Project Runway es un Reality Show estadounidense de la televisora Bravo, dedicada a la rama Diseño de Modas. Los participantes compiten entre ellos para crear el mejor vestuario y la mayoría de veces tienen limitaciones, principalmente de dinero, materiales y el tema sobre qué debe representar su creación les es otorgada por la presentadora del show, la Top Model Heidi Klum. Los diseños son evaluados por los jueces y uno o más diseñadores es eliminado cada semana.

El ganador recibe un artículo de comercialización en la revista Elle, un año de representación por Designers Management Agency, y la asesoría de los estilistas de Banana Republic, y $100,000 para empezar su propia marca de ropa.

Canal 13 tiene planeado producir la versión chilena de Project Runway para el año 2008. Éste sería conducido por la modelo argentina Valeria Mazza.

Project Runway usa un formato de eliminaciones semanales de un grupo de 12 o más diseñadores hasta reducirlos a 3 (exepto en la 3ra Temporada) antes del desafío Final. Cada uno de los desafíos semanales les exige a los diseñadores crear un vestido de una o varias piezas para presenatrlo en una pasarela. Algunos desfíos exigen a los diseñadores usar su ingenio para llevarlos a cabo, ya que deben crear vestidos con materiales poco convencionales, tales como: objetos de un apartamento (Temporada 3), materiales reciclables (Temporada 3), objetos de una dulcería (Temporadas 1 & 5), comida (Temporadas 1 & 4), plantas y flores (Temporada 2), con la ropa que están usando en el momento que el desafío fue enunciado (Temporada 2), diseñar para una celebridad (Brooke Shields, Sasha Cohen ó Tara Conner), para línea de moda (Bannana Republic, Diane Von Furstenberg, Livi's ó Macy's INC) o centrado en un tema específico (vestido de novia, de noche, de cóctel, etc).

El show es filmado en New York y en París (Sólo en la 3ra Temporada). Los diseñadores trabajan en Parsons: La nueva escuala para diseñadores. Los diseñadores son divididos por género (masculino ó femenino) en 3 cuartos por sexo en el Atlas de New York (Un edificio ubicado cerca de Parsons) en las temporadas 1, 2, 3 & 5, en la 4 se utilizó en New Gotham. Los diseñadores tienen reglas, tales como: No pueden salir del apartamento sin autorización, no pueden utilizar Internet, no pueden comunicarse con la familia o amigos sin autorización, no pueden portar libros relacionados con costura o moda. De lo contrario serán descalificados de la competencia, tal como fue el caso de Keith Michael, en la 3ra Temporada.

A los diseñadores se les dá un determinado presupuesto para comprar la tela que usarán el el respectivo desafío, a demás de un límite de tiempo para concluír sus diseños, generalmente de 12 horas a 3 días como máximo. Con frecuencia los diseñadores trabajan en forma independiente, pero en algunos casos deben trabajar en dúos, en tríos o en grupo. Una vez concluído el límite de tiempo los diseñadores llevan a maquillar a sus modelos, vestirlas y ponerles accesorios. Cada modelo muestra el vestido en la pasarela y el concursante es evaluado por un panel de jueces, los que les dan un puntaje del 0 al 5 y anotan otras observaciones del diseño. Luegos de esto, Heidi llama a la pasarela a los 3 mejores diseños y a los 3 peores (cuando quedan menos de 6 participantes los llama a todos). En ése momento los diseñadores con mejor puntajes explican sobre el diseño, con el objetivo de que éste gane. Mientras que los diseñadores con menor puntaje defienden a su vestido, con el objetivo de que éste no sea eliminado. A continuación, los 4 jueces deliberan para saber quién ganará el desafió y quién dejará la competencia, normalmente el diseñador ganador recibe inmunidad para el siguinte desafío, por lo tanto, no puede ser eliminado, por lo general cuando quedan 8 ó 7 diseñadores se acaba la inmunidad. También, en algunos casos el vestido ganador se expone en una sesión de fotos para la revista Elle, se vende limitadamente en alguna coimpañía acorde con el desafío ó se vende en Internet (Bluefly.com desde la 4ta Temporada).

El diseñador que es eliminado, generalmente se despide de Heidi Klum con un beso de aire doble en la mejilla de cada participante (previamente a esto les dice You're Out) en la pasarela diciéndole la típica frase Auf Wiedersehen (que significa adiós en alemán). Por éso cada eliminación es denominada ser auf'd, en vez de "ser eliminado".

Después del desafío final, los tres ó cuatro finalistas deben crear una colección de moda de 12 prendas que se presentará en New York en la Olympic Fashion Week en Bryant Park. Los finalistas tienen 12 semanas y US$8.000 dólares para completar esta tarea. que desempeñan en sus propias casas o talleres de trabajo. Antes del show, los diseñadores deben regresar a New York para suprvisar a las modelos, hacer sus consultas sobre maquillaje o cabello, adherirles los últimos toques a sus vestidos, etc. Y también puede ser lanzado un reto adicional, creando un vestido con un compañero eliminado (Tal como ocurrió en la 2da Temporada). Sus boletas de ingresos son entregadas a la producción, con el objetivo de fiscalizar si realmente crearon ellos los vestidos y también si gastaron más de lo debido (US$8.000 dólares), esto estaría en contra de las reglas, de lo contrario deberán eliminar lo sobrante (como le ocurrió a Jeffrey Sebelia, quien debió eliminar la peluca rubia y los pantalones plizados) cosa que podría afectar en el show y por lo tanto, dañar su puntuación frente al jurado, ó de riesgo al recurrir a ítems externos (como le ocurrió a Kara Saun, con la contratación calzado externo para las modelos). El ganadorde Project Runway recibe US$100.000 dólares para comenzar su propia línea de diseño, una tutoría de una compalía (Temporadas 1 - 3),la posibilidad de vender sus diiseños en Bluefly.com (Temporadas 4 - 5) y un Saturn Sky Roadster del año.

Las modelos que están con los diseñadores cada semana también están en competencia, semana a semana o algunas veces semana por medio son eliminadas, al final solo una modelo es la ganadora y recibe un artículo en la revista Elle durante un año. Al principio las modelos son asignadas al - azar y desde el segundo desafío en adelante, los diseñadores tendrán la oportunidad de escoger la modelo con quién desean trabajar. Ell ganador de la desafío anterior escoge primero, y los otros diseñadores escogen modelos cuando Heidi los llama al azar cuando saca sus nombres en unos botones gigantes en una bolsa negra de terciopelo. Aunque, hay veces en que sólo el diseñador ganador se le dá la opción de elegir una las siguientes opciones: o bien mantener a su modelo anterior, escoger la modelo perdedora del desafío anterior ó bien cambiar los modelos que compiten con otro diseñador. Cuando una modelo es eliminada Heidi también les dice Sorry You're Out y posteriormente les dá un beso de aire doble en la mejilla y el típico Auf Wiedersehen antes de que abandonen la pasarela. En algunos desafíos no se utilizan modelos, tales como crear una pieza para otro diseñador (Temporadas 2 & 5), crear un traje para ellos mismos (Temporada 3), crear un traje para mujeres que han perdido peso (Temporada 4), crear un traje de graduación (Temporada 4), crear un traje para las divas de la WWE (Temporada 4), crear un traje para una Drag Queen (Temporada 5) ó crear un vestido para mujeres que están a punto de entrar en el mundo laboral (Temporada 5).

Tim Gunn, ex miembro del cuerpo docente de Parsons: New School for Design y ahora Director General Creativo para Liz Claiborne Inc, actúa como mentor de los diseñadores y no participa en el jurado (Excepto en el último capítulo en bravo, el 14 de la temporada 5). En cambio, visita a los diseñadores a la mitad de camino a través de cada desafío para presentar sus observaciones y sugerir mejoras para cada diseño, así como anunciar algún reto adicional y las actualizaciones de la aplicación de la hora límite de la pista antes de cada show. Gunn también generalmente anuncia los desafíos, ya que Heidi dice un intro pero no los dá a conocer totalmente. También acompaña a los diseñadores a comprar tela en MOOD ó en viajes relacionados con un desafío.

Project Runway Temporada 2 fue la segunda exitosa temporada de Project Runway de la televisora Bravo, un reality de competencia para diseñadores de moda. La Temporada 2 comenzó a transmitirse el 7 de diciembre de 2005. Tras una búsqueda a nivel internacional a principios de año, dieciséis diseñadores fueron elegidos como semi-finalistas y sometidos a una prueba en la ciudad de Nueva York en junio de 2005. Tras el primer desafío, llamado "Camino a la pasarela", catorce pasaron a competir como finalistas. La diseñadora ganadora, Chloe Dao, recibió 100000 dólares en capital inicial para ayudar a lanzar su propia línea, un Saturn Sky roadster 2007, una referencial en la revista ELLE, y una tutoría con Bananna Republic del equipo de diseño. Su modelo, Grace Kelsey, recibió una propagación en la revista ELLE por un año. Michael Kors y Nina García regresaron como jueces estelares para la segunda temporada. El cuarto puesto gira al azar a cada semana. Tim Gunn, presidente de moda en Parsons The New School for Design, regresó como un mentor para los diseñadores.

Project Runway Temporada 3 fue la tercera temporada de el exitoso reality de Bravo TV, Project Runway que consiste en el diseño de moda. En esta Temporada han traído a un nuevo conjunto de patrocinadores, en particular la sustitución de Bananna Republic por Macy's. NBC re-salió al aire los dos primeros episodios de Project Runway 3 cinco días después de su transmisión original en Bravo TV. En la tercera temporada también se presentó en vivo una encuesta. Durante la segunda media hora de la primera exposición de cada episodio, Bravo hizo una pregunta a los espectadores en relación con el episodio actual . Los televidentes pudieron responder a través de Bravo TV o teléfono celular a través de mensaje de texto.

El ganador, Jeffrey Sebelia, recibió una extensión en la revista Elle, con un tutelaje INC , un año de representación de Diseñadores Management Agency, un Saturn Sky Roadster 2007, y $ 100000 para iniciar su propia línea de ropa (proporcionado por TRESemmé cuidado capilar).

Project Runway Temporada 4 fue la cuarta teemporada del exitosdo programa de Bravo TV, el reality de diseño de modas. La temporada se estrenó el 14 de noviembre del año 2007. Volviendo a ser jueces, la top model Heidi Klum, el diseñador de moda, Michael Kors y la directora de la revista ELLE. Nina García.

A través de una serie de retos semanales, los concursantes se eliminaron, dejando a tres finalistas que luego pasaron a mostrar sus mejores diseños en los episodios finales, en la Olimpyc Fashion Week, New York. El ganador, Christian Siriano, recibió muchos premios, incluyendo: una editorial en función de Elle, $ 100000 de TRESemmé para iniciar su propia línea de moda, la oportunidad de venderla en Bluerfly.com y un automóvil Saturn Astra 2008.

Vuelven a ser jueces, la top model Heidi Klum, el diseñador de moda, Michael Kors y la editora de la revista ELLE. Nina García. Tim Gunn también se mantiene como mentor.

La ganadora de esta temporada, 'Leanne Marshall, recibió los siguientes premios: una editorial en función de la revista ELLE, $100,000 dólares para comenzar su propia línea de moda de TRESemmé, la oportunidad de venderla en Bluefly.com y un nuevo Saturn VUE Hybrid año 2009.

La sexta temporada de Project Runway será transmitida por la televisora Liftime, se grabará por primera vez en Los Ángeles.

Se estrenará en enero de 2009.

Al principio



Project Runway (Temporada 2)

Project Runway Temporada 2 fue la segunda exitosa temporada de Project Runway de la televisora Bravo, un reality de competencia para diseñadores de moda. La Temporada 2 comenzó a transmitirse el 7 de diciembre de 2005. Tras una búsqueda a nivel internacional a principios de año, dieciséis diseñadores fueron elegidos como semi-finalistas y sometidos a una prueba en la ciudad de Nueva York en junio de 2005. Tras el primer desafío, llamado "Camino a la pasarela", catorce pasaron a competir como finalistas. La diseñadora ganadora, Chloe Dao, recibió 100000 dólares en capital inicial para ayudar a lanzar su propia línea, un Saturn Sky roadster 2007, una referencial en la revista ELLE, y una tutoría con Bananna Republic del equipo de diseño. Su modelo, Grace Kelsey, recibió una propagación en la revista ELLE por un año. Michael Kors y Nina García regresaron como jueces estelares para la segunda temporada. El cuarto puesto gira al azar a cada semana. Tim Gunn, presidente de moda en Parsons The New School for Design, regresó como un mentor para los diseñadores.

Nota: Este episodio es recordado por el ataque de pánico que Andraé sufrió en la pasarela.

Los Diseñadores deben crear un vestido para la colección My Scene, de las muñecas Barbie. El diseño ganador será producido y vendido para la colección My Scene.

Los diseñadores toman fotos para que sean una ispiración para un traja que crearán.

Este episodio es recordado por el "Making Off", que hizo Zulema al cambiar las modelos de los diseñadores, cuando Heidi les dá la oportunidad por haber ganado un desafío (en este caso, Zulema en el capítulo anterior). Zulema sorprendió a todos cuando decidió cambiar de modelo, pero los dejó boquiabiertos a elegir a tres para que dieran un paseo. Shannon, la modelo de Emmet, Tarah, la modelo de Nick y Danyelle, la modelo de Andraé. Ella se quedó con Tarah, Nick con Rachael y Shannon eliminada.

Los diseñadores deben crear vestidos con Flores compradas en el New York Flower District.

Los diseñadores crearán un vestido para la topmodel Imán.

Todos los diseñadores que participaron en esta temporada se reúnen en un capítulo especial, donde revisan todo lo que sucedió en la temporada.

Los diseñadores finalistas exponen sus diseños en la Olympic Fashion Week.

Al principio



Diseño de modas

El diseño de modas es el arte dedicado al diseño de ropa y accesorios creados dentro de las influencias culturales y sociales de un período de tiempo específico.

Un diseñador de moda es alguien capaz de sintetizar en una cobertura corporal la solución para las carencias naturales, sociales y de adaptación ambiental del ser humano. Es decir, un diseñador de moda hará un concienzudo análisis del fin de la cobertura y mejorará la figura humana para que ese fin sea logrado lo más satisfactóriamente posible.

Teniendo en cuenta estos los fines a lograr, se puede crear una cobertura o vestido. Dependiendo de la calidad con que se mezclen y cantidad de fines mezclados obtendremos mejores o peores resultados.

Cuando la psicología del individuo bascula entre lo establecido como normal, puede hacerse un análisis a través de la vestimenta de su personalidad, nivel cultural, ambiciones, pasatiempos, lugar de origen, gustos musicales, condiciones físicas, complejos...

En caso de que haya picos de algún tipo en la función de lo establecido como normalidad psicológica, la imagen podría ser infiel a la realidad del individuo demostrando así una carencia adaptativa, dependencia, introspección, inteligencia de imagen, baja autoestima, vanidad... Es decir, cuanta más distancia hay entre la imagen proyectada y la realidad, más alto es el valor positivo o negativo de la función de la psicologia normal.

La cobertura puede ser un fiel reflejo del alma o totalmente lo contrario dependiendo de la salud mental del individuo, así que, debería considerarse la vestimenta como herramienta analítica en psicología.

El diseño de modas difiere del diseño de vestuario debido a que su producto principal tiende a quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como otoño-invierno o primavera-verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser considerada como diseño de modas.

Los diseñadores de modas crean ropa y accesorios. Algunos diseñadores de alta costura son independientes laboralmente y diseñan para clientes individuales. Otros cubren las necesidades de tiendas especializadas o de tiendas de departamentos de alta costura. Estos diseñadores crean prendas originales, así mismo como los que siguen tendencias de moda establecidas. Sin embargo, la mayoría de los diseñadores de modas trabajan para fabricantes de ropa, creando diseños para hombres, mujeres y niños en el mercado masificado. Las marcas de diseñador que tienen un «nombre», tales como Calvin Klein o Ralph Lauren, son generalmente creadas por un equipo de diseñadores individuales bajo la supervisión de un director de diseño.

El primer diseñador de modas, que no era simplemente un modisto, fue Charles Frederick Worth (1826-1895). Antes de que estableciera su maison couture (casa de modas) en París, el diseño y creación de ropa era manejado por un gran número de modistas anónimas, y la alta moda estaba basada en los estilos usados en cortes reales. El éxito de Worth fue tal que pudo ordenar a sus clientes lo que debían usar, en lugar de seguir su dirección como los modistos solían hacer. El término couturier (costurero) fue, de hecho, acuñado para referirse a él. Fue durante este período que muchas casas de modas comenzaron a contratar artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica que produciendo una prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada. Por lo tanto, la tradición de bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para economizar.

Durante los primeros años del siglo XX, prácticamente toda la alta moda se originó en París y en menor medida en Londres. Las revistas de modas de otros países enviaban editores a los espectáculos de moda de París. Las tiendas de departamentos mandaban compradores a los desfiles de París, donde compraban prendas para copiar (y robaban abiertamente las líneas de estilo y el corte de otras). Tanto en los talleres que fabricaban trajes sobre medidas como las tiendas de ropa lista para usarse (prêt à porter) aparecían las últimas modas de París, adaptadas a las características económicas y cotidianas de los clientes de las tiendas.

En este momento la división entre alta costura y ropa lista para usar no estaba todavía claramente definida. Los dos modos independientes de producción todavía no llegaban a ser competidores, y, de hecho, coexistían en casas donde las modistas elaboraban prendas de ambos modos.

En los primeros años del siglo, las revistas comenzaron a incluir también fotografías de los conjuntos y se volvieron aún más influyentes que en el pasado. En las ciudades alrededor del mundo estas revistas tenían un gran efecto en el gusto público y eran muy solicitadas. Ilustradores talentosos como Paul Iribe, Georges Lepape, Erté y George Barbier dibujaban cuadros de modas exquisitos para estas publicaciones, que cubrían los más recientes desarrollos en moda y belleza. Tal vez la revista de moda más famosa del momento era La Gazette du bon ton, que había sido fundada en 1912 por Lucien Vogel y regularmente publicada hasta 1925, con la excepción de los años de la Primera Guerra Mundial.

La Segunda Guerra Mundial creó muchos cambios radicales en la industria de la moda. Después de la guerra, la reputación de París como centro mundial de la moda comenzó a declinar, y las modas de confección y manufacturación de masa acrecentaron su popularidad. Un nuevo estilo para la juventud surgió en los años 1950, cambiando el enfoque de la moda para siempre. Mientras la instalación de calefacción central se expandía, lo hacía también la era de prendas de mínimo cuidado, surgiendo así textiles más ligeros y los sintéticos.

Enfrentando la amenaza de productos de moda prefabricados, la alta costura de París se defendió, pero con poco efecto, en cuanto no podía evitar que la moda se colara en las calles. En poco tiempo, enteras categorías de mujeres hasta ahora restringidas a suplantaciones inferiores de la alta costura disfrutarían una gran variedad y libertad de elección. Tratando con volúmenes mayores de productos, los ciclos de producción eran mucho más largos que los de los talleres de costura, lo que significaba que los diseñadores que planeaban colecciones dos veces al año, debían adivinar con más de un año de anticipación lo que sus clientes podían querer.

Durante las últimas décadas del siglo las modas comenzaron a cruzar los límites internacionales rápidamente. Los estilos populares occidentales fueron adoptados alrededor de todo el mundo, y muchos diseñadores que no eran occidentales tuvieron un alto impacto en la moda. Materiales sintéticos como el elastano y la viscosa fueron ampliamente usados y la moda, después de dos décadas de mirar al futuro, volvió a buscar en sus raíces para encontrar elementos de innovación.

El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o haute couture (francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que puede ser usado sólamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la Chambre Syndicale de la Couture. No obstante, muchas marcas de ropa "lista para usar", e incluso de mercado masivo, afirman crear alta costura, lo que según los estándares, es falso. Una prenda de alta costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando técnicas a mano que toman mucho tiempo.

La moda "lista para usar" (o Prêt-à-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas en cada temporada durante un período conocido como «semana de la moda» que toma lugar dos veces al año.

Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda asequible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. Para ahorrar tiempo y dinero, usan textiles más baratos y técnicas de producción más simples que pueden ser fácilmente ejecutadas por una máquina. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.

Al principio



Hermanos Stenberg

Los hermanos Stenberg son dos famosos diseñadores gráficos soviéticos conocidos sobre todo por sus carteles cinmatográficos. Ingenieros de profesión, también realizaron trabajos de puesta en escena, decoración urbana, diseño editorial e ingeniería ferroviaria, entre otros.

Vladimir Augustovich Stenberg nace en Moscú el 4 de abril de 1899. Al año siguiente nace su hermano Georgii Augustovich Stenberg, el 20 de octubre, en la misma ciudad. Entre 1912 y 1917 acuden a la Escuela de Artes Aplicadas, donde toman un primer contacto con el diseño teatral y aprenden ingeniería militar especializándose en la construcción de puentes y ferrocarriles. En un principio Vladimir trabaja solo o con su padre dentro del ámbito del cine y las artes escénicas hasta que en 1917, tras cursar ambos estudios de ingeniería en la Escuela Militar, nace el tándem "Los Hermanos Stenberg".

Comienzan juntos en la restauración y montaje de escenarios. Durante los años de la Guerra Civil Rusa (1918-1920) continúan su aprendizaje al lado del pintor Grigorii Yakulov, se interesan por la poesía, los debates políticos y organizan una pequeña exposición de sus trabajos. En 1919 fundan la SVOMAS con otros artistas, un paso importante por cuanto esta sociedad estaba destinada al diseño de pósters de agitación en favor del bando bolchevique. En 1921 el padre, Carl August Stenberg, regresa a Suecia, su país de origen y los hermanos Stenberg se unen al Instituto de Cultura Artística, donde ayudan a establecer el Primer Grupo de Trabajo de Constructivistas. Esta corriente artística, el Constructivismo, estará presente no sólo en su trabajo como escenógrafos, sino también en su obra gráfica.

1923 es un año importante para "los hermanos": viajan por Europa, trabajan para Vsévolod Meyerhold y comienzan a crear carteleras para la agencia cinematográfica gubernamental Goskino. En 1925 reciben un premio en París por su trabajo dentro del diseño teatral durante la Exhibición Internacional de Artes Decorativas e Industriales y organizan la primera muestra de carteles de cine. Hasta los años 1930-1933, cuando comienzan la docencia en el Instituto de Arquitectura y Construcción, participan en diversas muestras internacionales, viajan por el extranjero y extienden su actividad al decorado urbano para la celebración de festividades, los ballets Teatro Bolshoy o al mundo editorial. 1932 es un fecha importante para los artistas soviéticos porque todas las organizaciones de artistas independientes pasan a ser controladas por el Partido Comunista. Los Stenberg serán miembros fundadores de la Unión de Artistas Soviéticos de Moscú.

1933 marca el punto y final del "tándem" Stenberg. Grigorii muere en octubre en Moscú en un accidente de motocicleta. Vladimir cambia su nacionalidad sueca por la soviética y empieza a colaborar con su herman Lydia. Su carrera evoluciona, de momento, sin sobresaltos: es nombrado diseñador en jefe de la Plaza Roja de Moscú, crea un nuevo sistema de ventilación para la Oficina Central de Construcción Ferroviaria y un tren de diésel de alta velocidad y prosigue con su actividad como decorador -suele decirse que Grigorii era "el más artista" de los dos-. En el año 1945 un nuevo miembro de la familia se incorpora al equipo: Sten, el hijo de Vladimir.

En 1952 Vladimir es arrestado durante la Gran Purga y rehabilitado al año siguiente, tras la muerte de Stalin. A partir del año 1960 se dedica a la restauración. Muere en Moscú el primero demayo de 1982.

Si el cartel publicitario nos ha dejado desde finales del siglo XIX un patrimonio de extraordinaria variedad y riqueza, el cartel soviético ocupa un lugar muy especial dentro de su evolución a lo largo de la primera mitad del siglo XX debido a la importancia concedida por el Estado Soviético a todas las manifestaciones tanto de la cultura popular como de los medios de comunicación de masas.

El cartel es algo más que un medio de propaganda o publicidad comercial para el Régimen de los Soviets: se trata de un instrumento al servicio de la transformación y educación del pueblo. Aunque los hermanos Stenberg poseían una formación multidisciplinar, pasarán a la posteridad como diseñadores gráficos, en particular, como creadores de una concepción muy personal y fácil de distinguir del cartel cinematográfico. Su obra sintetiza el saber procedente de muy diversas fuentes y estilos y los frutos de una rica y variada educación técnica.

Tanto por su concepción práctica del arte, como por su condición de ingenieros, Vladimir y Grigorii Stenberg se interesaron desde sus comienzos por los montajes constructivistas como forma de estudiar la tridimensionalidad, el equilibrio y el movimiento de los cuerpos, lo que, aparte de la utilidad práctica para un técnico, resultó extremadamente valioso para la creación de una forma de publicidad gráfica, la cual se caracteriza por la capacidad de trascender el plano para "acercarse" al espectador, de estar dotada de un cierto movimiento gracias a una hábil combinación de las imágenes.

Junto a este sentido dinámico del póster y, en general, de la imagen bidimensional que tan útiles resultaron a los hermanos Stenberg para la creación de carteles que, como los cinematográficos, aluden a un arte o imagen "en movimiento", la importancia de los Dadaístas no fue menos decisiva. Entre los años 1920-1930 la influencia de este movimiento en el arte gráfico fue muy intensa e introdujo el empleo del "collage", el ensamblaje, en la medida en que el movimiento Dadá veía al artista como un "montador". Los Stenberg no emplearon fotografías en el "montaje" de sus célebres carteleras, sino dibujos de fotografías, una especie de copias realistas de las escenas de las películas superponiendo a veces planos diferentes para crear una sensación visual de movimiento que, al mismo tiempo, estaba dotada de un sentido, de un nexo causal que de alguna manera resumía o reinterpretaba lo esencial del film.

Un hecho que ilustra hasta que punto estos artistas estaban convencidos de la importancia de la reproducción mecánica y la tecnología en su trabajo lo demuestra un invento pionero que diseñaron para posibilitar el desarrollo de su peculiar forma de entender el cartel cinematográfico, el proyector distorsionador, un mecanismo capaz de distorsionar, deformar, o alterar el tamaño de las figuras de una proyección a voluntad. Sus experimentos con los diseños tipográficos los convirtieron en precursores de estilos publicitarios en boga durante los años 60 de la pasada centuria.

Las mismas teorías del director de cine Sergéi Eisenstein sobre el montaje influyeron en "los hermanos": la idea de la contraposición o choque de imágenes o escenas como forma de influir en el espectador. A través del collage o ensamblaje de fragmentos fílmicos con la ayuda de la geometría y el color los Stenberg realizan su propia versión del "montaje" cinematográfico sobre el plano.

Por lo demás, el trabajo de los Stenberg presenta muchas de la características de la cartelería soviética: simplicidad de volúmenes, tendencia a la geometrización, sencillez de composición y peculiar sentido del color, a menudo muy vivo.

En sus propias palabras, siempre, desde el nacimiento, fueron inseparables, tanto en el trabajo -firmaban sus obras como "2Stenberg2"- como en los estudios. Por ello son mundialmente conocidos como "los Hermanos Stenberg".

Vladimir y Grigorii no se limitaron a promocionar con sus carteleras las obras maestras de la cinematografía soviética, como El Acorazado Potemkin u "Octubre" , también "pasaron por sus manos" las películas de Buster Keaton o Charlie Chaplin, entre otras americanas o europeas.

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Source : Wikipedia