Día Mundial de la Poesía

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Publicado por tornado 03/04/2009 @ 08:11

Tags : día mundial de la poesía, poesía, literatura, cultura

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Día mundial de la poesía

El día mundial de la poesía es tributo a la palabra poética propuesto en el año 2001 por la Unesco, se celebra cada 21 de marzo (equinoccio de primavera) con el propósito de consagrar la palabra esencial y la reflexión sobre nuestro tiempo. Este evento que fortalece la cultura en nuestro planeta se realiza en importantes capitales del mundo como París, Ámsterdam, Berlín y Bogotá. En Europa es llamado Primavera de los Poetas y en Colombia la Común Presencia de los Poetas, por ser instituido por la Fundación que lleva el mismo nombre, la cuál trabaja desde hace dos décadas en la promoción del universo poético en hispanoamérica.

La importante celebración en Bogotá es una de las más concurridas del mundo y cuenta con lecturas de más de 20 poetas de reconocimiento internacional y con la asistencia de cuatro centenares de personas que realizan un brindis por la poesía. En lugares emblemáticos de las más importantes ciudades del mundo se efectúan maratones poéticas celebratorias. En París (Vaca Azul y otros recintos), Berlín (Puerta de Brandeburgo), Bogotá (Gimnasio Moderno), La Plata (Pasaje Dardo Rocha), Bilbao (Café Boulevard de Bilbao), Ámsterdam, México D.F., y La Habana, donde los poetas se reúnen el 21 de marzo en parques y grandes auditorios para dar a conocer su voz profunda y visionaria inspirados en la espera de un mundo mejor para todos.

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Gonzalo Márquez Cristo

Gonzalo Márquez Cristo nació en Bogotá, Colombia, el 1 de febrero de 1963. Ha publicado tres poemarios (Apocalipsis de la rosa, La palabra liberada y Oscuro Nacimiento), un libro de cuentos (El Tempestario)y una novela (Ritual de títeres). En 1989 fundó la revista Común Presencia y funge como su director. En el año 2001 creó la Colección Internacional de Literatura Los Conjurados, actualmente distribuida en Puerto Rico, Venezuela, Ecuador, Perú y Colombia; que cuenta con cuarenta títulos publicados, en los géneros de poesía, ensayo, cuento y testimonio. Dirigió el programa televisivo Letra Viva. Es el Director del Día Mundial de la Poesía (versión Colombia) instituido por la Unesco.

Es uno de los escritores más destacados de la literatura colombiana, su obra ha merecido generosos comentarios de importantes poetas y filósofos de prestigio universal como: E.M. Cioran, Roberto Juarroz, Olga Orozco, Antonio Gamoneda, António Ramos Rosa, Claude Michel Cluny, Eugenio Montejo, Claude Fell, Roger Munier, Franco Volpi y José Angel Valente, entre otros... Varios de sus poemas y sus cuentos han sido traducidos al inglés, francés, italiano y portugués. Ha sido invitado a encuentros literarios o a dictar conferencias a más de veinte países. Le fue otorgado el Premio Internacional de Ensayo Maurice Blanchot (2007) por su trabajo "La Pregunta del Origen". Obtuvo la Beca -Colcultura (1990) a mejor proyecto de novela: Ritual de Títeres; la Beca -Colcultura (1992) a mejor revista Literaria: Común Presencia. Primera Mención Concurso Nacional de Poesía José Manuel Arango (2004)por Oscuro Nacimiento. Obtuvo el 3er lugar en el Premio Nacional de Literatura 2005 (Colombia) organizado por Libros & Letras –elegido por votación de los lectores– y el cuarto puesto en la versión del año 2006. Su labor como periodista cultural es muy extensa y actualmente prepara un libro que compila las más importantes entrevistas que ha realizado durante los últimos quince años, a personajes como Octavio Paz, José Saramago, Salvador Elizondo, Juan Goytisolo, Carlos Fuentes, Fernando de Szyszlo, Casimiro de Brito, Juan García Ponce, Roberto Matta, Oswaldo Guayasamín, Fernando del Paso...

Su poesía se caracteriza por una profunda inadagación filosófica, por una reflexión exhaustiva sobre nuestro porvenir. Su prosa que cultiva la minificción o el cuento breve, es un intento por actualizar mitos de diferentes culturas, donde la sorpresa y el refinamiento de su escritura se muestran protagónicos.

Sus trabajos han figurado en 24 antologías entre las cuales resaltamos: Antología de la Poesía Colombiana 1958-2008 (El Perro y la Rana, Caracas, Venezuela, 2008); Poetas Bogotanos (Coedición Fundación Alzate Avendaño y Los Conjurados, Bogotá, 2008); El coloquio insolente (Editorial Visa G, Neiva 2008); Memorias del XVIII Festival Internacional de Poesía de Medellín (Ediciones Prometo, Medellín, 2008); Memorias del V Festival Mundial de Poesía, Caracas (Casa Nacional de la Letras, Venezuela, 2008); Revista Hojas Sueltas (Neiva, 2008), RevistAtlántica - dedicada a Colombia (España, 2008); Revista Mefisto (Pereira, 2008); Segunda antología del cuento corto colombiano (Universidad pedagógica Nacional, Bogotá, 2008); Revista Fractal: Literatura colombiana, No 45 / 46 (México, 2008); Mundo mágico: Colombia (Ediciones Bagacao, Brasil, 2007); Antología de poesía colombiana: 1931-2005 (Ediciones UNAM, México D.F., 2006); Memorias Encuentro de Poetas Palabra en un Archipiélago (Lisboa, Portugal, 2006); Encuentro de poetas del Mundo Latino (Morelia, México, 2004); El placer de la brevedad (Tunja, 2005), compilada por Carlos Castillo Quintero; Madame destino (Ediciones Punto Seguido 25 años, Medellín, 2005); Nosotras, vosotras y ellas (Ediciones Desde la Gente, Buenos Aires, 2006); Antología de la Poesía Hispanoamericana de Julio Ortega (Buenos Aires, 1997); Inventario a contraluz (Arango Editores, Bogotá, 2001); Tambor en la Sombra (Ediciones Verdehalago, México, 1996), realizada por Henry Luque Muñoz; Antología de la Poesía Colombiana (El Áncora Editores, Bogotá, 1997), compilada por Rogelio Echavarría; Cuentistas bogotanos (Editorial Panamericana, Bogotá, 1998); Quién es quién en la poesía colombiana (El Áncora Editores, Bogotá, 1998); Memorias del IX Festival Internacional de Poetas de Medellín (Publicaciones Revista Prometo, Medellín, 1999),...

Recientemente fundó el periódico virual Con-Fabulación, que cuenta con más de 55.000 suscriptores, y ejerce como su Editor General.

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Literatura anglosajona

J. R. R. Tolkien fue un decisivo erudito de literatura anglosajona.

La literatura anglosajona (o literatura en inglés antiguo) abarca la literatura escrita en anglosajón (inglés antiguo) durante los seiscientos años del período anglosajón de Gran Bretaña, desde mediados del siglo V hasta la conquista normanda de 1066. Estas obras pertenecen a géneros tan diversos como la poesía épica, hagiografía, sermones, traducciones de la Biblia, obras jurídicas, crónicas, conjuros, adivinanzas y otros. Se conservan en total unos 400 manuscritos de este período, un conjunto muy significativo que suscita el interés tanto del público como de los especialistas.

Entre las obras destacadas de este período se encuentra el poema Beowulf, que ha alcanzado el rango de epopeya nacional en el Reino Unido. La Crónica Anglosajona es una colección de historia sobre la antigua Inglaterra. El poema Himno de Caedmon del siglo VII es uno de los textos más antiguos en idioma inglés.

La literatura anglosajona ha sido investigada desde distintas perspectivas a lo largo del tiempo. En el siglo XIX y principios del XX se centraban en la búsqueda de las raíces germánicas del inglés, más tarde se examinaron los méritos literarios, y hoy en día el interés radica en cuestiones paleográficas y en los manuscritos en sí, su datación, lugar de origen, autoría y en la búsqueda de conexiones entre la cultura anglosajona y el resto de Europa durante la Edad Media.

El rey Alfredo se dio cuenta de que, aunque pocos podían leer latín, muchos podían aún leer inglés antiguo. Entonces propuso que los estudiantes se formaran en inglés antiguo y aquellos que destacasen aprenderían después latín. De esta manera, muchos de los textos que han sobrevivido son típicamente educativos y orientados a los estudiantes.

En total quedan unos cuatrocientos manuscritos que contienen textos en inglés antiguo, 189 de ellos considerados de importancia. Estos manuscritos han sido muy valorados por los coleccionistas desde el siglo XVI, tanto por su valor histórico como por la belleza estética de sus letras, uniformemente espaciadas, y los elementos decorativos.

No todos los textos pueden ser considerados propiamente literarios, como las listas de nombres o los ensayos de escritura. Sin embargo, en muchos casos se conserva una obra realmente significativa, y por orden de cantidad, de mayor a menor, se conservan: sermones y vidas de santos (los más numerosos), traducciones de la Biblia; traducción de obras latinas de los primeros Padres de la Iglesia; crónicas anglosajonas y obras de historia narrativas; leyes, testamentos y otras obras jurídicas; obras prácticas sobre gramática, medicina, geografía; y, finalmente, pero no menos importante, poesía.

Casi todos los autores anglosajones permanecen anónimos, con algunas excepciones.

La investigación del siglo XX se ha centrado en: la datación de los manuscritos (los eruditos del siglo XIX tendían a considerarlos más antiguos de lo que son); localizar dónde se crearon los manuscritos (había siete scriptoria principales en los que se originaron: Winchester, Exeter, Worcester, Abingdon, Durham, y dos en Canterbury: La Iglesia de Cristo y San Agustín); y en identificar los dialectos regionales que se usaron (northumbrio, mercio, de Kent y sajón occidental considerándose este último como el principal, la variante “clásica” del anglosajón).

La poesía anglosajona no tiene reglas conocidas o sistemática alguna transmitidas por los anglosajones. Todo lo que se sabe sobre ella se basa en el análisis moderno. La primera teoría aceptada con carácter general fue la elaborada por Eduard Sievers (1885) quien distinguía cinco pautas de aliteración distintas. La teoría de John C. Pope (1942) usa notaciones musicales que han tenido cierta aceptación; cada pocos años una nueva teoría surge y el tema continúa siendo muy debatido.

La mejor explicación de la poesía en inglés antiguo sigue siendo la de Sievers sobre el verso aliterado. El sistema se basa en el acento, la aliteración, la cantidad de vocales, y las pautas de acentuación silábica. Consiste en cinco combinaciones sobre la base de un esquema de verso. El sistema es heredado y subsiste, de una u otra manera, en todos las lenguas germánicas antiguas.

La poesía anglosajona, sea épica, sea religiosa, comparte los mismos rasgos estilísticos. Está compuesta en largos versos de arte mayor, sin rima. Cada uno de los versos posee una aliteración. Los símiles son relativamente escasos. Este rasgo en particular del estilo poético anglosajón es consecuencia de su estructura y de la rapidez con la que las imágenes se suceden unas a otras, siendo incapaces de desarrollar largamente una comparación. Beowulf, por ejemplo, contiene como mucho cinco símiles, y además son breves.

Por contraste, la poesía anglosajona depende fuerte y extensamente de la metáfora, particularmente la que se logra a través del uso de “kennings”. El kenning es un tipo de sinónimo, una característica perífrasis metafórica, una expresión formularia para describir una cosa en relación con otra. Así, en el Beowulf, el mar es el camino del cisne o el reino del viento.

La segunda figura poética más usada es la lítotes, que actúa como un eufemismo dramático para producir un efecto irónico. Se trata de una atenuación, esto es, una “figura que consiste en no expresar todo lo que se quiere dar a entender, sin que por esto deje de ser bien comprendida la intención de quien habla. Se usa generalmente negando lo contrario de aquello que se quiere afirmar”.

Es un rasgo propio del rápido estilo dramático de la poesía anglosajona que no tiende a ornamentaciones rebuscadas como la que se encuentra, por ejemplo, en la literatura celta del mismo período. Donde un poeta celta describiría algo usando 3 o 4 símiles, un poeta anglosajón introduciría un “kenning” y seguiría rápidamente adelante.

El vocabulario poético que usan los poemas es extenso y especializado.

La poesía en inglés antiguo era un arte oral, y nuestra comprensión de ella en la forma escrita es incompleta. Por ejemplo, el poeta (al que se refieren como el Scop) podía estar acompañado por un arpa, y podía haber otras tradiciones aurales de las que no somos conscientes.

La poesía representa el menor volumen de los textos supervivientes en inglés antiguo, pero se considera que la cultura anglosajona tuvo una rica tradición de narraciones orales, de las cuales sólo han sobrevivido una minoría.

La mayor parte de los poetas anglosajones son anónimos; se conoce a 12 por su nombre, a partir de fuentes medievales, pero sólo hay cuatro que se pueden conocer por su obra en la actualidad, y sólo hasta cierto punto: Caedmon, Beda, Alfredo el Grande y Cynewulf. De estos, sólo Caedmon, Beda y Alfredo tienen biografías conocidas. Cultivaron sobre todo la poesía religiosa.

Caedmon es el más conocido, y se le considera padre de la poesía anglosajona. Vivió en la abadía de Whitby en Northumbria en el siglo VII. Sólo se conserva de él un poema de nueve líneas, llamado ], que es también el texto más antiguo en inglés.

Aldhelm, obispo de Sherborne (m. 709), se le conoce a través de Guillermo de Malmesbury quien dijo que interpretaba canciones seculares acompañándose al arpa. Ha sobrevivido mucha de su prosa en latín, pero nada de sus obras en anglosajón.

Cynewulf es una figura difícil de identificar, pero investigaciones recientes sugieren que vivió en la primera parte del siglo IX. Se le atribuyen una serie de poemas, que incluyen Los Hechos de los Apóstoles y Elena (ambos se encuentran en el Libro de Vercelli), y Cristo II y Juliana (ambos en el Libro de Exeter).

La poesía en inglés antiguo es la que ha recibido mayor atención. Trata de héroes germanos del pasado. La más larga (3.182 versos), y más importante, es Beowulf, que se conserva en un solo manuscrito, el dañado Nowell Codex o Cotton Vitellius A XV. Narra la historia del legendario héroe gautas, Beowulf que da título al poema. La historia transcurre en Escandinavia, en Suecia y Dinamarca, y probablemente la narración es de origen escandinavo. La historia es biográfica y marca el estila de la mayor parte de poesía anglosajona restante. Ha obtenido el estatus de epopeya nacional, al mismo nivel que la Ilíada, el Cantar de los Nibelungos en alemán, la Canción de Roldán en francés o el Cantar de mio Cid español. Suscita el interés de historiadores, antropólogos, críticos literarios y estudiantes de todo el mundo.

La Crónica Anglosajona contiene varios poemas heroicos insertados en su texto. El más temprano es de 937 y se llama La Batalla de Brunanburh (The Battle of Brunanburh), que celebra la victoria del rey Édelstan, nieto de Alfredo el Grande, sobre los noruegos y los escotos. Hay cinco poemas más cortos: la captura de los Cinco Burgos (942); coronación del rey Edgar (973); muerte del rey Edgar (975); muerte del príncipe Alfredo (1036); y muerte del rey Eduardo el Confesor (1065).

La poesía heroica anglosajona fue transmitida de generación en generación oralmente. Conforme el cristianismo fue implantándose, los narradores iban introduciendo cuentos o figuras cristianas en las antiguas historias heroicas.

En relación con estos cuentos heroicos hay un número de breves poemas en el Libro de Exeter que se han llamado "poesía de la sabiduría ", constituyendo lo más valioso de la poesía lírico-elegíaca inglesa. Son poemas líricos y boecianos en su descripción de la variación de la fortuna, la caducidad de las cosas de este mundo; la vida es considerada un accidente desgraciado por los narradores, fatalistas pero a un tiempo valerosos y decididos. Su tono es muy semejante al El Lamento de Déor, con el que se conservan en el Libro de Exeter.

El rey Alfredo escribió un poema de sabiduría a lo largo de su reinado basado en la filosofía neoplatónica de Boecio, titulado el Lays of Boethius.

Varios poemas en inglés antiguo son adaptaciones de textos filosóficos de la antigüedad tardía. El más largo es una traducción del siglo X de la obra de Boecio Consolación de la filosofía contenida en el manuscrito Cotton. Otro es el poema El fénix (The Phoenix) en el Libro de Exeter, una alegoría de la obra de Lactancia titulada De ave phoenice.

Otros poemas cortos derivan de la tradición de los bestiarios latinos tales como La pantera (The Panther), La ballena (The Whale) y La perdiz (The Partridge).

El Libro de Vercelli y el de Exeter contienen cuatro largos poemas narrativos sobre vidas de santos, o hagiografías. En el Libro de Vercelli están Andrés (Andreas) y Elena y en el de Exeter están Guthlac y Juliana.

El manuscrito Junius contiene tres paráfrasis de textos del antiguo Testamento. Son relatos de estos pasajes bíblicos, no traducciones exactas, y a veces crean de este modo muy bellas poesías. La primera y más larga es del Génesis. Las otras dos son del Éxodo y Daniel.

El manuscrito Cotton (Nowell Codex) contiene una paráfrasis bíblica, que aparece justo después de Beowulf, titulado Judith, una larga y apasionante narración de la historia de Judith y cómo da muerte al tirano Holofernes. No debe confundirse con la homilía compuesta por Aelfrico, Judith, que cuenta la misma historia en prosa aliterada.

Se conservan los salmos 51-150, siguiendo una versión en prosa de los primeros cincuenta salmos. Se cree que una vez hubo un salterio completo basándose en la evidencia, pero sólo han sobrevividos los 150 primeros.

Hay una serie de traducciones versificadas de Gloria in excelsis, el Padre nuestro, y el Símbolo de los Apóstoles, así como cierto número de himnos y proverbios.

Además de las paráfrasis bíblicas se conservan varios poemas religiosos originales, en su mayoría líricos, no narrativos.

El Libro de Exeter contiene una serie de poemas titulados Cristo (Christ), dividido en Cristo I, Cristo II (sobre la ascensión de Cristo) y Cristo III.

El soñador decide confiar en la cruz, y el sueño acaba con una visión celestial.

Hay varios poemas religiosos de debate. El más largo es Cristo y Satanás (Christ and Satan) en el manuscrito Junius, que se refiere al conflicto entre Cristo y Satanás durante los cuarenta días en el desierto. Otro poema de debate es Salomón t Saturno (Solomon and Saturn), que sobrevive en varios fragmentos, Saturno es representado como un mago, debatiendo con el sabio rey Salomón.

Otras formas poéticas existieron en el antiguo inglés, incluyendo adivinanzas o enigmas versificados, de las que el Libro de Exeter conserva noventa y nueve y eran un pasatiempo más culto que vulgar. No se proporcionan las respuestas, algunos de ellos permanecen sin resolver y algunas de las respuestas son obscenas.

Además, hay versos cortos en los márgenes de los manuscritos que ofrecen consejos prácticos y conjuros, remedios contra la pérdida del ganado, cómo manejar un parto que se retrasa, para un enjambre de abejas, etc. El más largo se llama Encanto de las nueve hierbas y es posiblemente de origen pagano.

Hay, finalmente, una serie de poemas nemotécnicos para recordar largas listas de nombres. Estos poemas se llaman Menologium, Los Hechos de los Apóstoles, El Poema de las Runas, Las estaciones para ayunar, y las Instrucciones para cristianos.

Queda cuantitativamente mucha más prosa que poesía anglosajona. Y la mayoría de esta prosa son sermones y las traducciones de obras religiosas en latín. Aparece por vez primera en el siglo IX y continúa escribiéndose hasta el siglo XII.

El autor más conocido en anglosajón fue el rey Alfredo (849-899), que tradujo muchos libros del latín al inglés antiguo. Estas traducciones incluyen: una traducción de la Cura Pastoralis de Gregorio Magno llamada en inglés The Pastoral Care, una manual para que los sacerdotes aprendieran a cumplir sus obligaciones; Consolación de la filosofía de Boecio; y las Confesiones de San Agustín. Alfredo fue también responsable de la traducción de cincuenta salmos al inglés antiguo. Otras importantes traducciones al inglés antiguo se llevaron a cabo por impulso del rey, entre las que se cuentan: La Historia del mundo de Orosio, una obra que acompaña a la obra de Agustín de Hipona Ciudad de Dios; los Diálogos de Gregorio Magno; y la Historia eclesiástica del pueblo inglés de Beda.

Aelfrico, escribió en el siglo X y principios del XI, siendo alumno de la escuela monacal de Winchester. Destacó por encima de los demás prosistas en cantidad y calidad. Fue el mayor y más prolífico escritor de Homilías, que se siguieron usando y adaptando hasta entrado el siglo XIII. También escribió Vidas de santos, un libro sobre el cómputo del tiempo, cartas pastorales, traducciones de los primeros seis libros de la Biblia, glosas y traducciones de otras partes de la Biblia como Proverbios, Libro de la Sabiduría y Eclesiástico.

A la misma altura que Aelfrico, y contemporáneo suyo, fue Wulfstan, arzobispo de York. Sus sermones tenían un gran estilo. Su obra más conocida es el Sermón del lobo (Sermo Lupi ad Anglos o A Sermón of the Wolf, en el que considera que las invasiones vikingas son un castigo por los pecados del pueblo inglés y la debilidad del monarca Aethelred. Escribió un número de textos jurídicos eclesiásticos, entre ellos Institutes of Polity y Canons of Edgar.

Uno de los primeros textos en prosa anglosajona es el Martirologio, información sobre santos y mártires de acuerdo con sus aniversarios y fiestas en el calendario eclesiástico. Ha sobrevivido en seis fragmentos. Se cree que data del siglo IX y que es obra de un autor de Mercia.

La colección más antigua de sermones eclesiásticos está constituida por las Blickling homilies en el Libro de Vercelli y data del siglo X.

Hay varias obras en prosa con vidas de santos. Además de las escritas por Aelfrico está la vida en prosa de san Guthlac, contenida en el Libro de Vercelli, la vida de santa Margarita y la de san Chad. Hay cuatro vidas en el manuscrito Junius: los siete durmientes de Éfeso, santa María Egipciaca, san Eustacio y san Eufrosino.

Hay muchas traducciones de fragmentos bíblicos. Aelfrico tradujo los primeros seis libros de la Biblia (el Hexateuco). Hay una traducción de los Evangelios. El más popular fue el Evangelio de Nicodemo, otros incluyen el Evangelio del pseudo-Mateo, Vindicta salvatoris, Visión de san Pablo y el Apocalipsis de Tomás".

Uno de los conjuntos más amplios de textos anglosajones viene constituido por los textos jurídicos guardados por las instituciones religiosas. Incluyen todo tipo de textos: registro de las donaciones efectuadas por los nobles, testamentos, documentos de emancipación, listas de libros y reliquias, pleitos o reglas de los gremios. Todos estos textos proporcionan valiosos datos sobre la historia social de los tiempos anglosajones, pero también tienen su valor literario. Por ejemplo, algunos de los pleitos son interesantes por el uso de la retórica.

La Crónica Anglosajona se empezó probablemente en tiempos del rey Alfredo y continuó durante 300 años como un registro histórico de la época anglosajona.

Sólo ha sobrevivido un ejemplo de romance clásico, es un fragmento de una traducción latina de Apolonio de Tiana por Filostrato (220 a. C.), del siglo XI.

Un monje que escribió en anglosajón al mismo tiempo que Aelfrico y Wulfstan fue Byrhtferth de Ramsey, cuyos libros Handboc y Manual eran estudios de matemática y retórica.

Aelfrico escribió dos obras neocientíficas, Hexameron e Interrogationes Sigewulfi, que tratan de historias de la Creación. Escribió también una gramática y un glosario en inglés antiguo titulado Latin, más tarde usado por los estudiantes interesados en aprender francés antiguo, pues fue glosado en ese idioma.

Sobreviven muchas reglas y cálculos para determinar los días festivos, y tablas para calcular las mareas y la fase de la luna.

En el manuscrito Cotton (Nowell Codex) hay un texto de Las Maravillas de Oriente que incluye un destacado mapa del mundo, y otras ilustraciones. También contiene este manuscrito una Carta de Alejandro a Aristóteles. Dado que es el mismo manuscrito que contiene Beowulf, algunos eruditos especulan con la posibilidad de que fuera una colección de materiales sobre lugares y criaturas exóticos.

Se conservan varias obras sobre Medicina de interés. Hay una traducción de la obra de Apuleyo Herbarium con llamativas ilustraciones, encontradas junto a Medicina de Quadrupedibus. Una segunda colección de textos es Bald's Leechbook, un libro del siglo X que contiene curas con hierbas e incluso quirúrgicas. Una tercera colección se conoce como Curaciones (Lacnunga), que se refiere a conjuros, encantamientos, y magia blanca.

Los textos legales anglosajones constituyen una parte amplia e importante del conjunto general conservado. Para el siglo XII se habían ordenado en dos grandes colecciones (véase Textus Roffensis). Incluyen leyes de los reyes, comenzando por aquellas de Aethelbert de Kent, y textos referidos a casos específicos y lugares en el país. Un ejemplo interesante es Gerefa que describe las obligaciones de un baile o juez local.

La literatura en inglés antiguo no desapareció en 1066 con la conquista normanda. Muchas homilías y obras siguieron leyéndose y siendo usados total o parcialmente hasta el siglo XIV, y más adelante fueron catalogadas y organizadas. Durante la Reforma, cuando las bibliotecas de los monasterios se dispersaron, los manuscritos fueron coleccionados por anticuarios y eruditos. Entre ellos cabe citar a Laurence Nowell, Matthew Parker, Robert Bruce Cotton y Humfrey Wanley. En el siglo XVII comenzó una tradición de diccionarios y referencias a la literatutra literatura en inglés antiguo. El primero fue el de William Somner: Dictionarium Saxonico-Latino-Anglicum (1659). El lexicógrafo Joseph Bosworth comenzó un diccionario en el siglo XIX que fue acabado por Thomas Northcote Toller en 1898 titulado An Anglo-Saxon Dictionary, que fue puesto al día por el poeta Alistair Campbell en 1972.

Dado que el inglés antiguo fue uno de los primeros lenguajes vernáculos escritos, los eruditos del siglo XIX que buscaban las raíces de una “cultura nacional” europea (véase Nacionalismo romántico) sintieron un especial interés en estudiar la literatura anglosajona, y el inglés antiguo se convirtió en parte usual del currículo universitario. Desde la segunda guerra mundial ha crecido el interés por los manuscritos en sí —Neil Ker, un paleógrafo, publicó el Catálogo de Manuscritos en anglosajón (Catalogue of Manuscripts Containing Anglo-Saxon) en 1957, y para el año 1980 casi todos los textos manuscritos anglosajones habían sido impresos. A J. R. R. Tolkien se le considera responsable de crear un movimiento para mirar el inglés antiguo como un sujeto de teoría literaria en su conferencia seminal Beowulf: The Monsters and the Critics (1936).

La literatura inglesa antiguo ha influido en la literatura moderna. Beowulf ha sido traducido al inglés moderno por William Morris y el premio Nobel Seamus Heaney (2000); Ezra Pound tradujo el poema El Navegante. La influencia de la poesía puede verse en poetas modernos como T. S. Eliot, Ezra Pound y W. H. Auden. Gran parte de los temas y la terminología de la poesía heroica puede verse en El hobbit, El Señor de los Anillos y muchas otras.

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Literatura de Italia

Federico II Hohenstaufen con su Halcón de Cetrería. De su libro De arte venandi cum avibus (Sobre el arte de cazar con aves) (fines del siglo XIII)

La literatura en italiano es toda aquella literatura que se haya escrito en el idioma italiano. La configuración política de Italia y su unificación como estado único fue en el siglo XIX, momento en el cual se adopta el dialecto toscano como lengua oficial con la denominación de idioma italiano; esta decisión fue tomada fundamentalmente debido a la larga tradición literaria y a las grandes figuras de la literatura que habían utilizado dicha lengua previamente. Por ello, se consideran como autores en italiano a todos aquellos que hayan utilizado dicha lengua, independientemente de que en su época Italia existiera ya como estado único independiente con idioma oficial propio.

Conforme el Imperio Romano de Occidente desaparecía, el latín tradicional se mantuvo vivo gracias a escritores como Casiodoro, Boecio y Símaco. Las artes liberales florecieron en Rávena bajo Teodorico el Grande, donde los reyes godos se rodearían con maestros de retórica y gramáticos. Algunas escuelas se asentaron en Italia, así como notables autores como Magnus Felix Ennodius (un poeta pagano), Arator, Venancio Fortunato, Felix el Gramático, Pedro de Pisa o Paulino de Aquilea.

Mientras los italianos que estaban interesados en teología gravitaban hacia Francia, aquellos que permanecieron estaban atraídos normalmente por el estudio del Derecho Romano. Esto promovió la posterior creación de universidades medievales como las de Bolonia, Padua, Vicenza, Nápoles, Salerno, Módena y Parma, las cuales a su vez colaboraron en la expansión de la cultura y prepararon el camino en el cual la nueva literatura vernácula se desarrollaría. La tradición clásica no llegó a desaparecer, y el cariño del recuerdo de Roma, la preocupación por la política y la preferencia de la práctica sobre la teoría se combinaron para influir en el desarrollo de la literatura italiana.

Al contrario que otros países, Italia no tenía antiguas leyendas, ni poemas épicos o sátiras sobre las que fundamentar una literatura propia; por ello, los primeros temas de su literatura procedieron del extranjero. La Historia de excidio Trojae, atribuida a Dares y Dictis (Dares Frigius), pasaba por ser un relato presencial de la guerra de Troya. Fue la inspiración de poetas de otros países como Benoît de Sainte-Maure para su Roman de Troie, Herbort von Fritzlar y Konrad von Würzburg. Mientras el primero escribió en francés a partir de la historia en latín, Herbort y Konrad utilizaron la fuente francesa para realizar un trabajo casi original en su propio lenguaje. Guido delle Colonne de Mesina, uno de los poetas vernáculos de la escuela siciliana, compuso por su parte la Historia destructionis Trojae. Aunque Guido imitaba a los poetas provenzales y entendía el francés, escribió su libro en latín, convirtiendo así el romance de los trovadores en la temática de una historia seria.

Algo parecido ocurrió con otras grandes leyendas. Qualichino de Arezzo escribió algunas coplas sobre la leyenda de Alejandro Magno. En Europa abundaban las leyendas sobre el rey Arturo, pero los italianos se contentaron con traducir y resumir los romances franceses. Santiago de Voragine, autor de La leyenda dorada (1260) , ha permanecido casi como historiador, a causa de su continuo dudar de la certeza de las historias que contaba. La sociedad intelectual italiana se muestra en esta época con un talante especial, positivo, casi científico en la forma en que estudia el derecho romano. Farfa, Marsiciano y otros escolásticos tradujeron las obras de Aristóteles, los preceptos de la escuela de Salerno y los viajes de Marco Polo, haciendo así de puente o unión entre el clasicismo y el Renacimiento.

El latín no desapareció en Italia. El uso de la lengua vernácula en la literatura italiana fue inicialmente escaso, y estuvo precedido por dos periodos de literatura italiana en lenguajes extranjeros, sobre todo franceses. Hubo muchos italianos que escribieron en Provenzal, como el marqués Alberto Malaspina (siglo XII), el maestro Ferrari Ferrara, Cigala de Génova, Zorzi de Venecia, Sordello, Buvarello de Bolonia, Nicoletto de Turín y otros. Sus poemas sobre el amor y la muerte acostumbraron a la gente y a los cortesanos a escuchar nuevos sonidos y nuevas armonías.

Al mismo tiempo, la poesía épica se escribía en un lenguaje mezclado, un dialecto italiano basado en el francés: las palabras híbridas presentaban un tratamiento de los sonidos de acuerdo a las reglas en ambos lenguajes, con raíz francesa y finales italianos, pronunciándose de acuerdo a las reglas latinas. En resumen, el lenguaje de la poesía épica pertenecía a ambas lenguas. Ejemplos de esto pueden ser los cantares de gesta Macaire y La llegada a España de Niccola de Padua y el Prise de Pampelune, todos ellos precedentes de la aparición de una literatura verdaderamente italiana.

El francés dio paso gradualmente al italiano nativo. La hibridación resurgía a veces, pero no volvió ya a predominar. En el Bovo d'Antona y el Reinaldo e Lesengrino, el dialecto veneciano se deja sentir claramente, aunque el lenguaje aparezca influenciado por las formas francesas. Estos escritos, que Graziadio Isaia Ascoli ha denominado mixtos (miste), fueron los precedentes inmediatos de la aparición de obras puramente italianas.

Hay evidencias de que algún tipo de literatura ya existía antes del siglo XIII: el Ritmo cassinese, Ritmo su Sant'Alesio, Laudes creaturarum, Ritmo Lucchese, Ritmo laurenziano y el Ritmo bellunese están clasificados por Cesare Segre et al. como "Obras Arcaicas": «así se denominan las primeras obras literarias en italiano vernáculo, estando fechadas entre las últimas décadas del siglo XII y las primeras del XIII» (Segre:1997). Sin embargo, como él mismo apunta, dicha literatura no presenta aún ningún tratamiento estilístico o lingüístico uniforme.

Este desarrollo temprano, sin embargo, fue simultáneo en toda la península, variando solamente la temática elegida. En el norte, los poemas de Joaquín de Verona y Bonvicino da Riva eran de tipo religioso y estaban pensados para ser leídos en público. Estaban escritos en dialecto milanés y veneciano, y su estilo mostraba la influencia de la poesía narrativa francesa. Deben considerarse como pertenecientes a la "poesía popular", tomando este término en un sentido muy amplio. Este tipo de composición puede haber estado animada por la antigua costumbre en el norte de Italia de escuchar en plazas y caminos las canciones de los juglares. La gente disfrutaba de las historias de los romances, de la maldad de Macario y de las desdichas de Blanziflor, los horrores de la Babilonia Infernal y la santidad de la Jerusalem Celeste, compitiendo así los cantos de poesía religiosa con los cantares de gesta.

El año 1230 marca el comienzo de la Escuela Siciliana y el inicio de una literatura que muestra ya rasgos más uniformes. Su importancia radica más en el lenguaje (la creación del primer italiano estándar) que en su temática: una canción de amor que imita en parte a la poesía provenzal, importada en el sur de Italia por los normandos y suevos de la corte del rey de Sicilia Federico II Hohenstaufen (1198-1250). Esta poesía se diferencia de su equivalente francés en el tratamiento que se le da a la mujer, más platónico que erótico, característica ésta que será desarrollada posteriormente por el dolce stil nuovo a finales del S.XIII en Bolonia y Florencia. El acostumbrado repertorio de temas caballerescos ajenos se adapta a la fonética local, creándose así nuevos vocablos en italiano. Los sufijos franceses en -ière y -ce generan cientos de nuevas palabras italianas terminadas en -iera y -za (por ejemplo riv-iera y costan-za), términos que serían adoptados por Dante y sus contemporáneos, y se mantendrían después en las futuras generaciones de escritores en italiano.

A la escuela siciliana pertenecen Enzio (rey de Sardinia), Pier della Vigna (de Capua, citado por Dante en el canto XIII del Infierno), Inghilfredi, Guido y Odo delle Colonne, Jacopo d'Aquino, Ruggieri Pugliese, Giacomo da Lentini, Arrigo Testa y Stefano Protonotaro (de Mesina, y al cual se debe la única composición conservada en la lengua original siciliana). La composición más famosa es No m'aggio posto in core de Giacomo da Lentini, autor que se considera el líder de este movimiento literario y su fundador, tal como lo recoge Dante en el canto XXIV del Purgatorio. También hay composiciones escritas por el mismo Federico II o sus hijos Enzo y Manfredo, pues los tres cultivaron también la poesía. Se considera a Giacomo da Lentini el inventor del soneto, estrofa poética que posteriormente sería perfeccionada por Dante y Petrarca. La censura impuesta por Federico II implicaba que ningún tema político podía entrar en el debate literario. A este respecto, la poesía en el norte de Italia, el cual se encontraba dividido en comunidades o ciudades-estado con gobiernos relativamente democráticos, aportó nuevas ideas que aparecen reflejadas en el género Sirventese, y más tarde en la Divina Comedia de Dante, cuyas líneas están repletas de invectivas contra los políticos y papas contemporáneos.

Aunque la canción de amor convencional siguiendo el modelo del amor cortés predominó en la corte de Federico II (y más tarde también en la corte de su hijo Manfredo), un tipo de poesía más espontáneo aparece en el contrasto Rosa fresca aulentissima, obra atribuida a Cielo d'Alcamo. Este contrasto (o sea, discusión) entre dos amantes en dialecto siciliano pertenece sin duda al tiempo del emperador Federico II (no es posterior a 1250), y no es ni la obra más antigua ni la única composición poética del sur de Italia de temática popular, pero es importante pues corrobora que existía también una poesía popular independiente de la poesía literaria. El Contrasto es probablemente una reconstrucción académica de una perdida rima popular y es lo más cercano que podemos encontrar a ese tipo de poesía, la cual o bien pereció o bien fue suavizada por la literatura siciliana de la corte. Su característica más distinguida es poseer las cualidades opuestas a las de los poetas de la Escuela Siciliana, y si bien en su estilo se aprecian influencias de la poesía cortesana, probablemente sea por una intención satírica por parte del poeta anónimo. Es muy vigorosa en la expresión de los sentimientos, y los temas que desarrolla son a menudo osados y groseros, lo que demuestra su origen popular. Todo lo que se puede leer en el Contrasto es ciertamente original.

Los poemas de la Escuela Siciliana, por lo tanto, podemos considerar que se escribieron en lo que sería el primer italiano estándar conocido. Este lenguaje, elaborado por los poetas de la corte de Federico II, combina muchos rasgos típicos del siciliano y, en menor medida pero significativamente, dialectos de Apulia y otras zonas del sur, con muchas palabras del latín y del francés. Los diversos estilos de Dante (illustre, cardinale, aulico, curiale) se desarrollaron gracias a sus estudios lingüísticos sobre la Escuela Siciliana, la cual habría sido refundada por Guittone d'Arezzo en Toscana. La grafía cambió ligeramente en esta nueva ubicación, porque los escribanos toscanos percibieron el sistema de cinco vocales usado en el sur como un sistema de siete vocales. A consecuencia de esto, los textos que los estudiantes italianos leen en sus antologías contienen líneas que no riman entre sí (a veces la -i siciliana pasa a -e y la -u a -o) lo que es causa también de la escasa popularidad que tuvieron estos escritos en el S.XIX y principios del XX. El final de la Escuela Siciliana puede fecharse en 1266, cuando el hijo de Federico II, Manfredo, murió en la batalla de Benevento.

En el S. XIII se produjo en Italia un resurgir de la religiosidad, con la creación de las órdenes religiosas de los Dominicos y los Franciscanos. Francisco de Asís, místico, reformador de la Iglesia católica y fundador de los franciscanos, también fue poeta, pero aunque de culta educación su poesía no llegaba a tener la calidad de la que se desarrollaba por entonces en la corte. De acuerdo con una leyenda, habría sido él quien dictó el himno Cantico del Sole el decimoctavo año de su penitencia, en mitad de un rapto de éxtasis, aunque hay dudas de la autenticidad de este hecho. Fue la primera gran obra poética de la Italia septentrional, escrita en una serie de versos caracterizados por la asonancia, una figura poética más habitual en el norte de Europa. Hay otros poemas previamente atribuidos a Francisco de Asís, aunque ahora generalmente se duda de su autenticidad.

Jacopone da Todi es el poeta que mejor representa este sentimiento religioso, el cual había progresado especialmente en su región, Umbría. Aunque Jacopone estaba poseído por el misticismo de Francisco de Asís, también compuso sátiras que se mofaban de la corrupción y la hipocresía de la Iglesia personificada por el papa Bonifacio VIII, perseguidor de Dante y Jacopone. Tras la muerte de su mujer en el derrumbe de una tribuna durante un torneo público, Jacopone se cubrió de harapos y se unió a la orden franciscana, sin importarle las risas de las gentes que le seguían burlándose y dándole el nombre con el que se le ha conocido desde entonces: ¡Iacopone, Iacopone! Vistió harapos durante años, sometiéndose a grandes penitencias, y dando rienda suelta a su vena mística en sus poemas. Jacopone fue un místico que desde su celda de ermitaño contemplaba el mundo y especialmente al papa, fustigando con sus palabras a los papas Celestino V y Bonifacio VIII, el cual acabó enviándole a prisión. Su obra más conocida, el Stabat Mater, ha sido ampliamente usada como base para composiciones musicales religiosas.

Al movimiento religioso en Umbría le siguió un fenómeno literario, el drama religioso. En 1258 el ermitaño Raniero Fasani dejó la caverna en la que había vivido durante muchos años y se presentó de improviso en Perugia. Fasani se presentó a sí mismo como un enviado de Dios que debía revelar sus visiones y anunciar al mundo terribles presagios. En una época turbulenta de enfrentamientos políticos entre güelfos y gibelinos, interdictos y excomuniones papales y represalias del partido imperial, los pronunciamientos de Fasani estimularon la formación de la Compañía de Disciplinantes, los cuales, como penitencia, se azotaban a sí mismos hasta cubrirse de sangre, mientras cantaban loas (laudi) de forma dialogada entre ellos. Estos laudi, directamente relacionados con la liturgia, pueden considerarse un primer ejemplo de representación teatral en lengua vernácula. Estaban escritos en dialecto de Umbría, en versos de ocho sílabas y, de acuerdo con la Enciclopedia Británica, "sin ningún valor artístico". Su desarrollo, sin embargo, fue muy rápido. Hacia el final del siglo XIII aparecieron las Devociones de Jueves y Viernes Santo, que mezclaban la liturgia con el teatro, y que más tarde evolucionarían a la forma definitiva del teatro religioso de los siglos siguientes.

En el S.XIII Toscana estaba en una situación excepcional. El dialecto toscano que por entonces se hablaba se asemejaba mucho al latín, y de hecho este dialecto se convertiría posteriormente en el lenguaje casi exclusivo de la literatura italiana, pues ya a finales de ese siglo se le consideraba superior al resto de los dialectos: Lingua Tusca magis apta est ad literam sive literaturam (La lengua toscana es la mejor para la carta o la literatura), escribió Antonio da Tempo, autor de Padua nacido alrededor de 1275. Habiendo estado durante largo tiempo ajena a la invasión alemana, la Toscana nunca sufrió un sistema feudal, por lo que las luchas internas no debilitaron su vida cultural. Después de la caída de los Hohenstaufen en la batalla de Benevento en 1266, se convirtió en la primera provincia de Italia. Desde ese mismo año Florencia comenzó un movimiento de reforma política que en 1282 culminó en el establecimiento del Priorato de las Artes, y el establecimiento de las Artes Menores. Esto fue posteriormente copiado por Siena (con la Magistratura de los Nueve), por Lucca, por Pistoia y otras ciudades güelfas de la Toscana con similares instituciones populares. Los gremios tomaron el control del gobierno en sus manos, dando lugar a una época de prosperidad social y política.

En Toscana también hubo una poesía amorosa, una escuela de imitadores del estilo siciliano encabezada por Dante da Majano, pero su originalidad literaria se basó sobre todo en la poesía de carácter humorístico y satírico. La forma de gobierno democrática creó un estilo poético que se contrapuso a la mística medieval y al estilo caballeresco. Las invocaciones devotas a Dios o a una dama salían del claustro o del castillo, pero en las calles de las ciudades estos temas se trataban ridiculizándolos o con hiriente sarcasmo. Folgore de San Gimignano se ríe y hace reir cuando con sus sonetos cuenta a un grupo de jóvenes sieneses las ocupaciones de cada día del año, o cuando enseña a un grupo de damas florentinas los placeres de cada día de la semana. A su vez, el juglar aretino Cene della Chitarra, que escribió canciones inspiradas en la vida rústica, se expresa sarcásticamente cuando parodia los sonetos de Folgore. Los 58 sonetos de Rustico de Filippo son también mitad entretenimiento y mitad sátira, así como la obra de Cecco Angioleri de Siena, el humorista más antiguo que se conoce, lejano precursor de Rabelais y Montaigne.

Pero no era sólo ésta la única poesía que se hacía en Toscana. Guittone d'Arezzo aunó las formas caballerescas provenzales a los motivos nacionales y las formas latinas. Practicó también la poesía política, y, aunque su obra es a menudo oscura, preparó el camino para la Escuela Boloñesa. Bolonia era la ciudad de la ciencia, y en ella ib a aparecer la poesía filofófica. Guido Guinicelli fue el poeta que siguió este nuevo estilo. En sus obras las temáticas caballerescas se modifican y engrandecen; él cantaba al amor y a la nobleza de pensamiento. Nada del pensamiento que rige las Canzoni de Guinizelli es externo a su propia subjetividad. Su poesía tiene algunos de los fallos de la escuela de Arezzo, pero a pesar de ello, representa un gran avance en la historia del italiano, especialmente por su cercanía con la lírica poética de Dante.

En el S.XIII se escribieron también varios grandes poemas alegóricos. Uno de ellos lo escribió Brunetto Latini, un amigo íntimo de Dante. Su Tesoretto es un poema corto, escrito en versos de siete sílabas rimado en pareados, en el cual el autor dice hallarse perdido en la selva y allí encontrarse con una mujer, que representa la Naturaleza, y de la cual recibe muchas enseñanzas. Aparecen aquí, por lo tanto, una visión, una alegoría y una enseñanza moral, tres elementos que se encontrarán también en la Divina Comedia. Francesco de Barberino, abogado experimentado, secretario de obispos, juez y notario, escribió otros dos pequeños poemas alegóricos, el Documenti d'amore (Documentos de amor) y Del reggimiento e dei costumi delle donne (Del comportamiento y las costumbres de las mujeres). Estos poemas hoy en día no se estudian por su importancia literaria, sino por su contexto histórico. Una cuarta obra de tema alegórico es la Intelligenza, que es atribuida a Compagni pero que probablemente no sea sino una traducción de poemas franceses.

La prosa italiana escrita en el siglo XIII es tan abundante y variada como su poesía. Los primeros ejemplos datan de 1231, y consisten en pequeños avisos sobre entradas y gastos, escritos por Mattasala di Spinello dei Lambertini, de Siena. Por aquél entonces todavía no había rastro de prosa literaria en italiano, aunque sí lo había en francés. A mediados de siglo, un tal Aldobrando o Aldobrandino, originario de Florencia o Siena, escribió un libro sobre Beatriz de Saboya, condesa de la Provenza, llamado “Le Régime du corps”. En 1267 Martino da Canale escribió una historia de Venecia en el mismo “francés antiguo” (lengua de oïl). Rustichello de Pisa, que perteneció durante mucho tiempo a la corte de Eduardo I de Inglaterra, compuso muchos romances caballerescos basados en el ciclo artúrico, así como el conocido “Viajes de Marco Polo”, obra que habría estado dictada en persona por el famoso viajero. Y finalmente, Brunetto Latini, que habría escrito su “Tesoro” en francés. Latini también escribió algunas obras en prosa italiana como “La retórica”, una adaptación del “De inventione” de Cicerón, así como la traducción de tres loas funerarias de este mismo autor:”A Ligario”, “A Marcelo” y “Al rey Deiotaro”. Otro importante escritor florentino fue el juez Bono Giamboni, el cual tradujo la “Historiae adversus paganus” de Orosio, el “Epitoma rei militaris” de Vegetio, hizo una traducción/adaptación del “De inventione” de Cicerón mezclada con la “Retórica a Erenio”, y una traducción/adaptación del “De miseria humane conditionis” de Inocencio III. También escribió un libro alegórico llamado “Libro de los Vicios y las Virtudes”, del cual se conserva una de sus primeras versiones (Trattato delle virtù e dei vizi).

Tras las composiciones originales en la lengua de Oïl llegaron traducciones y adaptaciones de obras en esa misma lengua: algunas narraciones moralizantes basadas en leyendas religiosas, un romance sobre Julio César, algunos relatos cortos sobre antiguos caballeros de la tabla redonda, traducciones de los “Viajes” de Marco Polo y del “Tesoro” de Latini. Al mismo tiempo aparecieron traducciones de obras morales y ascéticas en latín, historias y tratados de retórica y oratoria. Algunas de las obras que tradicionalmente se consideraban las más antiguas en lengua italiana se ha demostrado que son falsificaciones de una época posterior. La prosa más antigua escrita es un libro científico: “La composición del mundo” de Ristoro d’Arezzo, escrito a mediados del siglo XIII. Este libro es un copioso tratado de astronomía y geografía. Ristoro fue un cuidadoso observador de los fenómenos naturales; muchas de las cosas que describe son el resultado de sus investigaciones personales, y por ello sus obras son más fiables que otras de la misma época sobre esos mismos temas.

Fray Paulino, un fraile menor de Venecia y probablemente obispo de Pozzuoli, escribió un tratado corto (“De regimine rectoris”) y una crónica latina. Su tratado está muy relacionado con el de Egidio Colonna titulado “De regimine principum”, y está escrito en lengua veneciana.

El siglo XIII fue una época rica en cuentos y fábulas. Una colección llamada “Cien relatos antiguos” contiene historias pergeñadas a partir de muchas fuentes, tradiciones asiáticas, griegas y troyanas, historias medievales y antiguas, legendas de la Bretaña, Provenza e Italia, la Biblia, tradiciones locales italianas e historias de animales y antiguas mitologías. Este libro tiene un cierto parecido con la colección española llamada “El Conde Lucanor” del infante Don Juan Manuel. La peculiaridad del libro italiano es que sus historias son muy cortas, y parecen ser simples esbozos o guías que debían ser completadas por el orador conforme las fuera narrando. Otros relatos en prosa fueron incluidos por Francesco Barberino en su obra “Del comportamiento y las costumbres de las mujeres”, pero éstos tienen mucha menor importancia.

En general los escritos italiano en prosa del siglo XIII tienen poca originalidad, y son un pálido reflejo de la mucho más rica y legendaria literatura francesa. Merecen resaltarse las “Cartas” de Fra Guittone d’Arezzo, que también escribió poesía, y que tienen una temática moral y religiosa. El cariño de Guittone por la antigüedad y las tradiciones de la Roma clásica y su lengua era tan grande que intentó escribir en italiano pero con el estilo latino. Las cartas son oscuras, enredadas y en general bárbaras. Guittone tomó como modelo a seguir las obras de Séneca, por lo que su prosa resulta ciertamente rimbombante. Aunque Guittone veía su estilo como muy artístico, se suele considerar su obra como extravagante y grotesca.

Es decir, el poder de expresar los sentimientos del alma según el amor los va inspirando, de manera apropiada y grácil, ajustando el fondo a la forma y fusionándolos mediante el arte. Es clara la preeminencia de la escuela lírica toscana en esta fusión artística, por la acción espontánea pero deliberada de la mente.

El nuevo estilo de Gianni no está exento de cierta influencia de las viejas asociaciones de la escuela provenzal. Oscila su estilo entre ambos modos, no apartándose del todo su obra de la compleja y vacía retórica de los sicilianos. A veces, sin embargo, su poesía surge directamente de su corazón, y las sutilezas y oscuridades desaparecen, volviéndose sus versos claros, fluidos y elegantes.

La obra de Cavalcanti refleja claramente a su autor, y de este reflejo deriva su concepción poética. Sus poemas pueden ser divididos en dos grupos: aquellos que retratan al filósofo (il sottilissimo dialettico, como le llamó Lorenzo el Magnífico) y aquellos que son producto de su naturaleza poética imbuida con misticismo y metafísica. Al primer grupo pertenece el famoso poema Sulla natura d'amore, que en realidad es un tratado metafísico sobre el amor, del cual tomaron buena nota renombrados filósofos platónicos del S.XV como Marsilio Ficino. En otros poemas, Cavalcanti tiende a una imaginería poética sofocante bajo una gran carga de filosofía. Por otra parte, en sus Ballate, se muestra a sí mismo ingenuamente y sin afectación, pero con una invariable y profunda consciencia de su arte. Se considera su mejor obra la balada que compuso cuando fue expulsado de Florencia por su pertenencia al partido güelfo Blanco en 1300, refugiándose en Sarzana (Liguria).

El tercer autor que cultiva la forma poética de esta nueva escuela es Cino da Pistoia, de la familia de los Sinibuldi. Sus poemas de amor son dulces, maduros y musicales, superados únicamente por Dante.

Con la expresión toscana Dolce stil novo (=Dulce estilo nuevo) Francesco de Sanctis denominó en el siglo XIX a un grupo de poetas italianos de la segunda mitad del siglo XIII, integrado por Guido Guinizzelli, Guido Cavalcanti, Dante Alighieri, Lapo Gianni, Cino da Pistoia, Guianni Alfani y Dino Frescobaldi. La expresión proviene de la Divina Comedia de Dante, concretamente de Purgatorio, XXIV, v. 57, ("Qual dolce stil nuovo") y de allí es donde el poeta florentino Bonagiunta da Lucca denomina así la obra de Dante en contraposición a la lírica trovadoresca.

Dante está considerado el más grande poeta italiano de la Historia, y en él aparecen reflejadas las mismas tendencias poéticas del resto de escritores del dolce stil nuovo. En su libro La Vita Nuova (escrito en 1231 y cuyo título hace referencia a que su primer encuentro con Beatriz fue el comienzo de una nueva vida) aparece ya perfectamente reflejada su idealización del amor. El poema no tiene nada de terrenal o humano, y en él se aprecia que el poeta tiene permanentemente fijos los ojos en el cielo mientras canta a su dama. Todo es sensual, aéreo, celestial, y la Beatriz real se difumina gradualmente hasta devenir simbólica, surgiendo entonces la divinidad desde su naturaleza humana.

Varios de las canciones de su Canzoniere tratan también el tema de la nueva vida. Sin embargo, no todos los poemas de amor se refieren a Beatriz, algunos son de índole filosófica y sirven de puente hacia su Convito.

La obra que hizo inmortal a Dante y le elevó sobre todos los demás genios italianos fue La Divina Comedia, en la cual se relatan los viajes del poeta por las tres esferas de la muerte: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, viajes en los cuales el poeta latino Virgilio y Beatriz le acompañan. Bajo el significado literal de esta obra épica se esconde una alegoría: Dante, en su viaje a través del Infierno, Purgatorio y Paraíso, simboliza la mente humana en busca de la felicidad, tanto la terrena como la eterna. El bosque en el que el poeta se pierde simboliza la confusión social, tanto civil como religiosa, que se produce cuando la sociedad se encuentra privada de sus dos guías, el emperador y el papa. La montaña iluminada por el sol representa la monarquía universal. Las tres bestias son los tres vicios y los tres poderes que más obstaculizan las intenciones de Dante: la envidia es Florencia, superficial, voluble y dividida entre Blancos y Negros; el orgullo es la casa de Francia; la avaricia es la corte papal. Virgilio, al contrario, representa a la razón y al imperio. Beatriz es el símbolo de la ayuda sobrenatural sin la cual el hombre no puede obtener su fin supremo, que es Dios.

El mérito del poema no radica en este significado alegórico, propio de la literatura medieval. Lo que es realmente novedoso es la destreza individual del poeta, el arte clásico transmitido por primera vez en forma romance. Si bien describe la naturaleza, analiza las pasiones, maldice los vicios y canta a las virtudes, lo más notable es la grandeza y delicadeza de su arte. Dante toma los materiales para su poema de la teología, la filosofía, la historia y la mitología, pero sobre todo de sus propias pasiones, de amor y del odio. Gracias a la pluma del poeta, los muertos vuelven a la vida, se hacen de nuevo hombres y hablan en la lengua de su tiempo de las pasiones que vivieron. Farinata degli Uberti, Bonifacio VIII, el conde Ugolino, Manfredo, Sordello, Hugo Capeto, santo Tomás de Aquino, Cacciaguida, san Benito y san Pedro, aparecen todos como creación objetiva; se nos aparecen con toda la viveza de sus caracteres, sus sentimientos y sus hábitos. El verdadero crítico del pecado y ensalzador de la virtud es el mismo Dante. El interés personal con el que se empeña en la representación histórica de los tres mundos es lo que más nos interesa y lo que más nos incita. Dante reescribe la Historia bajo sus propias pasiones, y así, la Divina Comedia no es sólo una representación de las ideas y sentimientos contemporáneos, sino también un reflejo claro y espontáneo de los pensamientos individuales del poeta, desde la indignación que le produjo su exilio hasta la fe del creyente y el ardor del filósofo. La Divina Comedia definió el destino de la literatura italiana, dando lustre artístico a todas las formas literarias que la Edad Media había producido. Dante, para algunos académicos, es el comienzo del Renacimiento.

Dos son las características principales de la actividad literaria de Petrarca: su interés por los clásicos y la novedad de los sentimientos humanos que se reflejan en su poesía. Y son, además, aspectos indisolublemente unidos, pues el primero es el origen del segundo. El Petrarca que desentierra las obras de los grandes escritores latinos nos permite comprender al Petrarca enamorado de una mujer real – Laura – a la que canta tanto en vida como tras su muerte con poemas llenos de una estudiada elegancia. Petrarca fue el primer humanista y al mismo tiempo el primer poeta lírico moderno. Su carrera fue larga y tempestuosa: vivió muchos años en Avignon, maldiciendo la corrupción de la corte papal; viajó también por casi toda Europa; mantuvo correspondencia con emperadores y papas, y era considerado el escritor más importante de su tiempo.

Sus Canzoniere están divididas en tres partes: la primera contiene los poemas escritos en vida de Laura, la segunda los poemas escritos tras su muerte y la tercera los Trionfi. El único y exclusivo tema de estos poemas es el amor, pero su tratamiento está lleno de variaciones en el concepto, la imaginería y los sentimientos, surgidos de variadas inspiraciones de la naturaleza. La lírica de Petrarca es totalmente diferente, no sólo de la de los trovadores provenzales y de la de los poetas italianos anteriores a él, sino también de la poesía de Dante. Petrarca es un poeta psicológico, que estudia todos sus sentimientos y los muestra con exquisita dulzura. La poesía de Petrarca no es trascendental como la de Dante, sino que se mantiene enteramente dentro de los límites humanos. La segunda parte de sus Canzoniere es la más apasionada y los Trionfi la peor, pues en estos últimos Petrarca intenta imitar la Divina Comedia, pero no lo consigue. En el Canzoniere se incluyen también algunos poemas políticos, uno de ellos supuestamente dirigido a Cola di Rienzi y varios sonetos contra la corte de Avignon. Son interesantes por el vigor del sentimiento, y también por mostrar que, comparado con Dante, Petrarca tiene una conciencia más amplia de Italia. La Italia que el imagina es diferente de cualquier concepción que de ella se tuviera en la Edad Media, y en esto es también precursor de las aspiraciones y de los tiempos modernos. Petrarca no tuvo una ideología política firme: exaltaba a Cola di Rienzi, invocaba al emperador Carlos IV y apoyaba a los Visconti; de hecho, su política se dejaba llevar más por las impresiones que por los principios. Por encima de todo ello situaba su amor por Italia, que en su mente el la imagina como su querida y antigua Roma, la gran ciudad de sus héroes Cicerón y Escipión.

Boccaccio tenía el mismo amor entusiasta por la antigüedad y la misma veneración por la nueva literatura italiana que Petrarca. Fue el primero en hacer una traducción al latín de la Ilíada y , en 1375, de la Odisea. Sus conocimientos de cultura clásica son patentes en su obra De genealogia deorum, en la cual enumera los dioses de acuerdo a su árbol genealógico, obtenido éste de los diversos autores que han escrito sobre las divinidades paganas. La Genealogia deorum es, según A. H. Heeren, una verdadera enciclopedia de saber mitológico, precursora del movimiento humanístico del S. XV.

Boccacio está también considerado el primer historiador de la mujer, por su obra De claris mulieribus, y el primero en narrar la historia de las grandes desdichas en De casibus virorum illutrium. Continuó y perfeccionó trabajos anteriores de investigación geográfica en su interesante De montibus, silvis, fontibus, lacubus, fluminibus, stagnis et paludibus, et de nominibus maris, para el cual se basó seguramente en la obra de Vibius Sequester (escritor latino del siglo IV o V, supuestamente autor de una lista alfabética de los nombres geográficos que aparecen en los poetas romanos, especialmente Virgilio, Ovidio y Lucano).

Respecto a sus obras italianas, aunque su lírica no se acerca a la perfección de la de Petrarca, su narrativa poética es mejor. Si bien no inventó la estancia en octavas, fue el primero en usarla en una obra larga con mérito artístico, su Teseida, considerada el más antiguo poema romántico italiano. En el Filostrato relata los amores de Troilo y Griselda (Troilus y Cressida). Puede ser que Boccaccio conociera el poema francés sobre la guerra de Troya de Benoît de Sainte-Maure, pero el interés de su poema radica sobre todo en su análisis de la pasión amorosa. La Ninfale fiesolano cuenta la historia de amor de la ninfa Mesola y del pastor Africo. La Amorosa Visione es un poema en tercetos que sin duda tiene su origen en la Divina Comedia. El Ameto es una mezcla de prosa y poesía, y es el primer poema pastoral en italiano.

El Filocopo es el primer romance en prosa. En él Boccaccio cuenta los amores de Floro y Blancaflor. Probablemente, para este trabajo recopiló materiales de fuentes populares o de romances bizantinos que Leoncio Pilato le habría dado a conocer. En el Filocopo hay una marcada exuberancia en el contenido mitológico, lo cual tal vez daña el sentido artístico del romance, pero que ayuda a comprender la historia del pensamiento de Boccaccio. La Fiammetta es otro romance acerca de los amores de Boccaccio y María d'Aquino, supuestamente hija natural de del rey Roberto, por lo que la llama siempre por su nombre de Fiammetta.

La obra que ha hecho famoso a Boccaccio es el Decamerón, una colección de cientos de novelas, narradas unas veces por hombres y otras por mujeres que se habrían retirado en una villa cercana a Florencia para escapar de la peste de 1348. Escrito como novela, si bien su tema es abundante en los siglos precedentes, sobre todo en Francia, por primera vez asume una forma artística. El estilo de Boccaccio tiende a imitar al latín, pero con él por primera vez la prosa toma forma de arte elaborado. La rudeza de los antiguos fabliaux da paso al cuidado y el trabajo consciente de una mente con buen sentido de la belleza, que ha estudiado a los clásicos y que se esfuerza en imitarlos todo lo posible. Pero por encima de todo, en el Decamerón, Boccaccio es un dibujante de personajes y un observador de pasiones y es en esto en lo que radica su originalidad. Mucho se ha escrito sobre las posibles fuentes de las narraciones del Decamerón y es probable que Boccaccio utilizara tanto fuentes orales como escritas. La tradición popular debe de haberle surtido de los materiales de muchas historias, como por ejemplo la de Griselda.

Al contrario que Petrarca, persona siempre en eterno desconsuelo, preocupado, cansado de la vida. molesto por las decepciones, Boccaccio era un hombre calmado, sereno. satisfecho de sí mismo y de lo que le rodeaba. A pesar de esta diferencias fundamentales en sus caracteres, los dos geniales autores fueron viejos e íntimos amigos. Sin embargo, su afección a Dante no fue la misma. Petrarca, quien dice haberle visto una vez en su niñez, no parece que guardara un recuerdo agradable de él, y sería inútil negar la envidia que su fama le provocaba. La Divina Comedia le fue enviada por Boccaccio cuando era ya un anciano, tras confesar que nunca la había leído. Por el contrario, Boccaccio sentía por Dante algo más que amor, entusiasmo. Escribió una biografía suya de cuya exactitud muchos críticos dudan, y realizó lecturas públicas de su poema en Santa María del Fiore, en Florencia.

Fazio degli Uberti y Federico Frezzi imitaron la Divina Comedia, pero sólo en la forma externa. El primero escribió el Dittamondo, un poema largo en el cual el autor imagina que es llevado por el geógrafo Solinus a diferentes partes del mundo, en las que el guía de su Commedia le narra su historia. Las leyendas sobre la fundación de las distintas ciudades italianas tienen su importancia histórica. Por su parte, Frezzi, obispo de Foligno, su ciudad natal, escribió el Quadriregio, un poema sobre los cuatro mundos: el Amor, Satán, los Vicios las Virtudes. Este poema tiene muchos puntos de semejanza con la Divina Comedia, y en él Frezzi describe la condición del hombre que asciende desde el estado del vicio al de la virtud, describiendo en este camino el infierno, el limbo, el purgatorio y el cielo. Como compañía el poeta tiene a Palas.

Giovanni Fiorentino escribió, con el título de Pecorone, una colección de cuentos que se suponen contados por un monje y una monja en el locutorio de un monasterio de Forli. Imita claramente al Decamerón de Boccaccio, y se basa en las crónicas de Villani para sus narraciones históricas.

Cervantes debió de conocer en versión manuscrita u oral el cuento de Sacchetti u otro semejante, aunque sin duda lo conoció tarde, tan sólo al escribir la segunda parte del Quijote, donde lo aprovecha.

Un tercer novelista fue Giovanni Sercambi, de Lucca, quien tras 1374 escribió un libro en imitación a Boccaccio, acerca de una reunión de personas que supuestamente huyendo de la peste viajan por diferentes ciudades italianas, parando aquí y allá a contar historias. Finalmente, pero no por ello autores menos importantes, están Massuccio Salernitano (Tommaso Guardato), que escribió el Novellino, y Antonio Cornazzano, cuyos Proverbii fueron extremadamente populares.

Ya se ha dicho que las crónicas antiguamente consideradas del siglo XIII son ahora vistas como falsificaciones de edad posterior. Hacia el final de ese siglo, sin embargo, se encuentra una crónica de Dino Compagni, la cual, no sin rechazar la desfavorable opinión que sobre ella sostienen especialmente algunos autores alemanes, es con toda probabilidad auténtica. Poco se conoce de la vida de Compagni. Aunque noble de nacimiento, sus ideas eran demócratas, y fue partidario de las nuevas ordenanzas de Giano della Bella. Como prior y gonfalonier de justicia siempre tuvo el interés público en su corazón. Cuando Carlos de Valois, el candidato de Bonifacio VIII, era esperado en Florencia, Compagni, previendo los demonios de la discordia civil, convocó en asamblea a los ciudadanos en la iglesia de San Giovanni, intentando calmar sus espíritus excitados. Su crónica relata los hechos de los que tuvo conocimiento personal entre 1280 y 1312, lo que reviste su estampa de una fuerte subjetividad. La narrativa es constantemente personal, alcanzando a veces el mejor estilo dramático. Un fuerte sentimiento patriótico y un deseo exaltado por la rectitud impregnan todo el libro. Compagni es más un historiador que un cronista, pues indaga en las razones de los hechos, haciendo profundas reflexiones sobre ellos. De acuerdo a nuestro juicio es una de las más importantes autoridades para ese periodo de la historia florentina, a pesar de los no insignificantes errores que pueden encontrarse en sus escritos.

Por su parte, Giovanni Villani, nacido en 1300, fue por el contrario más un cronista que un historiador. Relata los hechos hasta 1347, los viajes que hizo por Italia y Francia y la información que recabó en ellos, siendo de realtar el hecho de que su crónica, titulada por él Historie Fiorentine, comprende en realidad sucesos ocurridos por toda Europa. Lo que distingue especialmente la obra de Villani es que habla con largueza no sólo de los acontecimientos en la política y la guerra, sino también de los sueldos de los funcionarios públicos, de las sumas de dinero que se usaban para pagar las soldadas o los festivales públicos, y de otras muchas cosas cuyo conocimiento es muy valioso. Con tal abundancia de información no es de extrañar que la narrativa de Villani a menudo se enturbie con fábulas y errores, particularmente cuando habla de cosas ocurridas antes de su época. Mateo, hermano de Giovanni Villani, continuó su crónica hasta 1363, la cual fue de nuevo continuada por Filippo Villani.

Finalmente, Piero Capponi, autor de los Commentari deli acquisto di Pisa y de la narración del Tumulto dei Ciompi, fue un escritor que vivió entre los siglos XIV y XV.

La Divina Comedia es ascética en su concepción y en muchos aspectos de su ejecución, así como las obras de Petrarca; sin embargo, ni uno ni otro pueden ser catalogados entre los autores puramente ascéticos de su tiempo. Pero otros muchos sí que pueden incluirse en este encabezamiento. El misticismo de Catalina de Siena fue político. Esta extraordinaria mujer aspiraba a devolver a la Iglesia de Roma su virtud evangélica, y dejó una colección de cartas de tono elevado y sublime dirigidas a todo tipo de gente, incluidos los papas. Suyas son las declaraciones más claramente religiosas que se han dejado escuchar en el siglo XIV italiano. Aunque las ideas precisas de reforma no estaban en su cabeza, el deseo de una gran reforma moral puede sentirse en su corazón. Esta autora ocupa un lugar destacado entre aquellos que prepararon el camino de los movimientos religiosos del siglo XVI. Otro sienés, Giovanni Colombini, fundador de la orden de los Jesuati, predicaba la pobreza por precepto y con el ejemplo, proclamando un retorno a las ideas de Francisco de Asís. Sus cartas están entre las más destacadas dentro del ascetismo del siglo XIV. Passavanti, en su Specchio della vera Penitenza, combinó la instrucción con la narrativa. Cavalca tradujo del latín las Vidas de los Santos Padres. Rivalta dejó tras de sí muchos sermones, así como Franco Sacchetti, aunque más famoso como novelista, muchos discursos. En general, no hay duda de que una de las más importantes producciones de la espiritualidad italiana de siglo XIV fue la literatura religiosa.

Como antítesis de la anterior, se desarrolló también una literatura de importante contenido popular. La poesía humorística, de largo desarrollo durante el siglo XIII, fue cultivada en el siglo XIV por Bindo Bonichi, Arrigo di Castruccio, Cecco Nucoli, Andrea Orgagna, Filippo de Bardi, Adriano de Rossi, Antonio Pucci y otro escritores menores. Orgagna fue especialmente cómico; Bonichi también, pero con un propósito moral en sus sátiras. Pucci sobrepasó a los demás en la variedad de su producción, poniendo en tercetos la crónica de Giovanni Villani (Centiloquio), y escribiendo muchos poemas históricos llamados Serventesi, muchos poemas cómicos y no pocas composiciones épico-populares sobre diversos temas. Un pequeño poema suyo en siete cantos trata sobre la guerra entre los florentinos y los pisanos entre 1362 y 1365. Otros poemas surgen de fuentes legendarias y festejan la Reina d'Oriente, Apollonio de Tiro, El Bel Gherardino, etc. Estos poemas, pensados para ser recitados, son los antecesores de la épica romántica que se desarrollaría en el siglo XVI y cuyos principales representantes serían Boiardo y Ariosto.

Muchos poetas del siglo XIV escribieron obras políticas. Fazio degli Uberti, autor del Dittamondo, escribió también un Serventese a los señores y el pueblo de Italia, un poema a Roma, y una feroz invectiva contra Carlos IV, por las que merece ser citado, así como Francesco di Vannozzo, Frate Stoppa y Matteo Frescobaldi. Puede decirse en general que, siguiendo el ejemplo de Petrarca, muchos escritores se dedicaron a la poesía patriótica. De este periodo data también el fenómeno literario conocido como Petrarquismo. Los petrarquistas, o aquellos que cantan al amor a la manera de Petrarca, se pueden encontrar ya en este siglo XIV. Pero otros trataron el tema con más originalidad, en una manera que podríamos denominar semi-popular. Así fue el caso de las Ballate de Giovanni Fiorentino, o de Franco Sacchetti, o de Niccolo Soldanieri, o Guido y Bindo Donati. Las Ballate eran poemas cantados para la danza, y encontramos muchas canciones en la música del siglo XIV. Ya se ha comentado que Antonio Pucci versificó las Crónicas de Filippo Villani. Este caso de versificación histórica no es único, y está evidentemente conectado con el fenómeno similar que sucede en la literatura en latín vulgar. Es suficiente con citar una crónica de Arezzo en terza rima por Gorello de Sinigardi, y la historia, también en terza rima, del viaje del papa Alejandro III a Venecia, escrita por Pier de Natali. Además de esto, cada tipo de tema, tanto histórico, trágico o agrícola, se trataba en verso. Neri di Landocio escribió una vida de santa Catalina; Jacopo Gradenigo puso los evangelios en tercetos; Paganino Bonafede en el Tesoro de rustici dio muchos preceptos sobre agricultura, comenzando ese tipo de poesía geórgica que sería totalmente desarrollado posteriormente por Luigi Alamanni en sus Coltivazione, por Girolamo Baruffaldi en el Canapaljo, por Rucellai en Las abejas, por Bartolomeo Lorenzi en el Cultivos del monte, y por Giambattista Spolverini en el Cultivo del arroz.

No puede haber habido una ausencia absoluta de literatura dramática en italiano durante el siglo XIV, pero todavía no se han encontrado las trazas de ella, aunque sí que se encuentran con profusión en el siglo XV. En este siglo, sin embargo, podemos hablar de un drama único en su clase. En los sesenta años (entre 1250 y 1310) que van desde la muerte del emperador Federico II hasta la expedición de Enrique VII, ningún emperador entró en Italia. En el norte, Ezzelino da Romano, con el título de Vicario Imperial, había tomado posesión de la casi totalidad de la Marca de Treviso, amenazando la Lombardía. Los papas declararon una cruzada contra él a consecuencia de la cual Ezzelini cayó derrotado. Padua pudo entonces respirar tranquila, y comenzó a extender su dominio. Vivía por aquel tiempo en Padua un hombre llamado Albertino Mussato, nacido en 1261, un año después de la catástrofe de Ezzelini, por lo que su infancia transcurrió entre los sobrevivientes de una generación que odiaba el nombre del tirano. Después de escribir en latín la historia de Enrique VII, se dedicó a la escritura de una obra de teatro sobre Ezzelino, la cual escribió también en latín. El Eccerinus, obra que posiblemente no haya sido representada nunca en un escenario, ha sido comparada por algunos críticos a las grandes tragedias griegas. Estaría probablemente cerca de la verdad decir que nada tiene en común con las obras de Esquilo, pero ciertamente su fuerza dramática, la delineación de ciertas situaciones, y la forma en la que se narran ciertos sucesos, es muy original. La obra de Mussato se quedó sola en la historia de la literatura dramática italiana. Quizás esto no hubiera sido así si la hubiera escrito en italiano.

En los últimos años del siglo XIV encontramos ya el enfrentamiento que pronto iba a surgir entre la tradición literaria indígena y la vuelta a los clásicos. Como representantes de este enfrentamiento, de este antagonismo, podemos considerar a Luigi Marsilio y Coluccio Salutati, ambos personas cultivadas que hablaban y escribían en latín, que aspiraban al humanismo, pero que al mismo tiempo también amaban a Dante, Petrarca y Boccaccio, y sentían y celebraban en sus escritos la belleza de la literatura italiana.

Las principales figuras intelectuales del siglo XV fueron Niccolo Niccoli, Giannozzo Manetti, Palla Strozzi, Leonardo Bruni, Francesco Fidelfo, Poggio Bracciolini, Carlo D'arezzo y Lorenzo Valla. Manetti se enterró entre sus libros, dormía sólo unas pocas horas de noche, nunca salía al exterior, utilizando todo su tiempo en traducir del griego, estudiar hebreo y comentar las obras de Aristóteles. Strozzi viajó a Grecia por sus propios medios a la búsqueda de libros antiguos, y con él se trajo a Plutarco y Platón. Bracciolini fue al Concilio de Constanza y encontró en un monasterio Oraciones de Cicerón. Copió a Quintiliano con sus propias manos, descubriendo por él a Lucrecio, Plauto, Plinio y otros muchos autores latinos. Guarino viajó por oriente en busca de antiguos códices. Giovanni Aurispa volvió a Venecia con cientos de manuscritos ... ¿Qué pasión animaba a estos hombres? ¿Qué es lo que buscaban? ¿Cuáles eran sus miras? Estos italianos no estaban sino imbuidos por la solemne tradición que, aunque latente en parte, era el principio director de la Italia medieval, y que ahora al fin salía a la luz triunfante. Esta tradición era esa tenaz y sagrada memoria de Roma, esa misma adoración por su lengua y sus instituciones, que si un tiempo había retardado el desarrollo de la literatura italiana, ahora injertaba la vieja rama del antiguo clasicismo latino en el floreciente tronco de la literatura italiana. Todo esto no es sino la continuación de un fenómeno que había existido durante siglos. Es la idea de Roma que siempre había dominado a los italianos, la idea que aparece de continuo desde Boecio a Dante Alighieri, desde Arnoldo de Brescia a Cola di Rienzi, que gana fuerza con Petrarca y Boccaccio, y que finalmente surge triunfante en la literatura y la vida, porque el espíritu moderno se ha nutrido de las obras antiguas. Los hombres alcanzan a tener una idea más justa de la naturaleza: el mundo ya no está maldito ni es despreciable; la verdad y la belleza unen sus manos; el hombre renace y la razón humana retoma sus derechos. Todo, tanto el individuo como la sociedad, cambia bajo la influencia de los nuevos sucesos.

En primer lugar se había formado la individualidad humana, algo ya deseado en la Edad Media. Como dice Jakob Burckhardt, el hombre se había convertido en individuo. Comenzaba a sentir y asumir su propia personalidad, la cual constantemente pugnaba por una más completa realización. Como consecuencia, surge la idea de la fama y el deseo de alcanzarla. Se forma una verdadera clase cultural, en el sentido moderno de la palabra, y aparece la idea (completamente desconocida hasta entonces) de que la valía de una persona no dependía en absoluto de su nacimiento sino de sus cualidades personales. Poggio, en su diálogo De nobilitate declara que está de acuerdo con sus interlocutores Niccolo Niccoli y Lorenzo de Médicis en la opinión de que no hay otra nobleza sino la del mérito personal. La vida social crecía más refinada en todos sus detalles; se había creado al hombre social; se hacían reglas sobre comportamientos civilizados; se incrementó el deseo por los entretenimientos suntuosos y artísticos. La idea medieval de la existencia había sido derrocada; hombres que hasta ahora habían dirigido sus pensamientos exclusivamente a las cosas divinas, y creían exclusivamente en el derecho divino, ahora empezaban a pensar en el embellecimiento de su existencia terrena, en hacerla feliz y agradable, y volvían a creer en sus derechos humanos. Esto significó un gran avance, pero trajo consigo la semilla de muchos peligros. El concepto de moralidad se hizo cada vez más débil. El “fay ce que vouldras” de Rabelais se convirtió en el principal sentido de la vida. El sentimiento religioso se debilitó y cambió, volviéndose pagano de nuevo. Por último, la Italia del Renacimiento, con sus cualidades y sus pasiones, se convirtió en la más notable representación de las grandezas y las miserias, de las virtudes y los vicios, de la humanidad. La corrupción se asoció a todo lo que es más ideal en la vida; un profundo escepticismo se adueñó de las mentes; la indiferencia hacia dios o el diablo alcanzó su cenit.

Además de esto, un gran peligro literario se cernía sobre Italia. El humanismo amenazaba con sofocar su joven literatura nacional. Había autores que laboriosamente trataban de dar a la literatura las formas latinas, para hacer así de nuevo, tras los peligrosos tiempos de Dante, lo que Guittone d'Arezzo había tan tristemente hecho de Laliaen el siglo XIII. Los dialectos provinciales intentaron reafirmarse en la literatura. Los grandes autores del siglo XIV, Dante, Petrarca, Boccaccio, fueron olvidados y despreciados por muchos.

Fue Florencia la que salvó la literatura, reconciliando los modelos clásicos con los sentimientos modernos, Florencia la que tuvo éxito al asimilar las formas clásicas en el arte vulgar. Aun ganando vigor y elegancia del clasicismo, aun tomando de las antiguas fuentes todo lo que ellas podían aportar de bueno y útil, fue capaz de preservar su verdadera vida, mantener sus tradiciones nacionales, y guiar la literatura por el camino que habían abierto los escritores del precedente siglo. En Florencia, los humanistas más célebres escribieron también en la lengua vulgar, comentaron a Dante y Petrarca, y los defendieron de sus enemigos. Leone Battista Alberti, sabio erudito en griego y latín, escribió en lengua vernácula, y Vespasiano da Bisticci, al mismo tiempo que se sumergía en los manuscritos griegos y latinos, escribió en italiano la Vida de hombres ilustres, obra valiosa por su contenido histórico que rivaliza con las mejores obras del siglo XIV por su candor y simplicidad. Andrea da Barberino escribió la hermosa prosa de Reali di Francia, dando un barniz romano a los romances caballerescos. Belcari y Benivieni, por su parte, nos devuelven al idealismo místico de anteriores épocas.

Pero es en Lorenzo de Médicis donde la influencia de Florencia en el Renacimiento se aprecia particularmente. Su pensamiento se forjó en los antiguos: asistió a las clases del griego John Argyropulos, versado en los banquetes platónicos, se esforzó en la búsqueda de códices, esculturas, vasos, pinturas, gemas y dibujos para ornamentar los jardines de San Marcos y crear la biblioteca que luego llevaría su nombre. En los salones de su palacio florentino, en sus villas de Careggi, Fiesole y Anibra, se encuentran los magníficos cofres decorados por Dello con historias de Ovidio, el Hércules del Pollaiuolo, la Pallas de Botticelli, los trabajos de Filippino (pintor hijo de Fra Filippo Lippi) y el Verrocchio. Los Medici vivieron totalmente en el mundo clásico; y ahora si leemos sus poemas sólo vemos al hombre de su tiempo, al admirador de Dante y de los antiguos poetas toscanos, al quien tomó su inspiración de la musa popular, y a quien consiguió dar a su poesía los colores del más pronunciado realismo así como del idealismo más sutil, pasando desde el soneto platónico a los apasionados tercetos del Amores de Venus, de la grandiosidad de la Salve a Nencia y a Beoni, del Canto carnavalesco a las loas. En él es fuerte el sentimiento por la naturaleza; unas veces dulce y melancólico y otras profundo y vigoroso, como un eco de los pensamientos, los dolores, las ambiciones de una vida tan profundamente agitada. Le gustaba mirar a su corazón con ojos severos, pero al mismo tiempo era capaz de mostrarse en tumultuosa plenitud. Describe con la destreza de un escultor, satiriza, ríe, reza, suspira, siempre elegante, siempre florentino, pero un florentino que ha leído a Anacreonte, Ovidio y Tibullus, que desea disfrutar de la vida, pero al mismo tiempo saborea los refinamientos del arte.

Cercano a Lorenzo está Poliziano, quien también reúne, y con más arte, lo antiguo y lo moderno, lo popular y lo clásico. En sus Rispetti y en sus Baladas la frescura de su imaginería y la plasticidad de su forma son inimitables. El, el gran erudito en griego, escribió versos italianos de deslumbrantes colores; la más pura elegancia de las fuentes griegas invade su arte en todas sus formas, así en el Orfeo como en su Stanze per la giostra.

Como consecuencia de los movimientos intelectuales en el Renacimiento, aparecieron en Italia en el siglo XV tres academias: la de Florencia, la de Nápoles y la de Roma.

La academia florentina fue fundada por Cósimo I de Médicis. Habiendo oído las alabanzas a la filosofía platónica cantadas por Gemistus Pletho, el cual en 1439 se encontraba en el Consejo de Florencia, tomó tal gusto por dichas opiniones que pronto trazó un plan para celebrar un congreso literario sobre ellas. Marsilio Ficino ha descrito las ocupaciones y entretenimientos de estos académicos. Aquí, dice, los jóvenes aprenden, como en un pasatiempo, los preceptos de conducta y la práctica de la elocuencia; aquí los hombres maduros estudian el gobierno de la república y de la familia; aquí los ancianos se consuelan en la creencia de un mundo futuro. La academia se dividía en tres clases: la de los mecenas, que eran miembros de la familia Médicis; la de los asistentes, entre los cuales se encontraban los más famosos personajes de la época, como Pico della Mirandola, Angelo Poliziano y Leon Battista Alberti; y la de los discípulos, jóvenes ansiosos de distinguirse en la práctica filosófica. Es sabido que la Academia Platónica se empeñó en promover, con respecto al arte, una segunda y más exaltada vuelta a la antigüedad.

La academia romana fue fundada por por Giulio Pomponio Leto, con el objeto de promover el descubrimiento e investigación de antiguos monumentos y libros. Era una especie de religión del clasicismo, mezclada con aprendizaje y filosofía. Platina, el conocido autor de las vidas de los cien primeros papas, perteneció a ella.

En Nápoles se instituyó una academia conocida como la Pontaniana. Su fundador fue Antonio Beccadelli, apodado El Panormita, y tras su muerte su director fue Il Pontano, que le dio su nombre y animó con su pensamiento.

Los romances en verso fueron el producto del escepticismo moral y el gusto artístico. Italia nunca tuvo una auténtica poesía épica, pero tuvo, sin embargo, muchos poemas llamados cantari porque contenían historias que se cantaban a la gente; y además había poemas románticos, como el Buovo d'Antona, el Regina Ancroja y otros. Pero el primero en revivir este estilo fue Luigi Pulci, quien creció en la casa de los Médicis, y que escribió el Morgante Maggiore a petición de Lucrezia Tornabuoni, madre de Lorenzo el Magnífico. El tema del Morgante está casi totalmente tomado de un oscuro poema caballeresco del siglo XV, redescubierto por Pío Rajna. Pulci construyó una estructura propia, a veces ridiculizando el tema, burlándose de los personajes, introduciendo muchas digresiones, ora caprichosas, ora científicas, ora teológicas. Pulci elevó la épica romántica a la categoría de obra de arte, unificando lo serio con lo cómico.

Con una intención más seria, Matteo Maria Boiardo, conde de Scandiano, escribió el Orlando enamorado, en el cual parece haber aspirado abarcar todas las leyendas carolingias; pero no pudo completar su tarea. Encontramos aquí también una amplia vena humorística y burlesca. Incluso el poeta Ferrarese se adentra en el mundo del romance por su simpatía hacia las maneras y sentimoentos caballerescos; esto es, el amor, la cortesía, el valor y la generosidad. Un tercer poema romántico del siglo XV fue el Mambriano de Francisco Bello (Cieco de Ferrara). Escribió tanto a partir del ciclo carolingio, como de los romances de la Tabla Redonda y de la antigüedad clásica. Fue un poeta de genio poco común y de pronta imaginación, muy influenciado por el Boiardo, especialmente en la parte fantástica que introduce en sus obras.

El desarrollo del teatro en el siglo XV fue muy importante. Este tipo de literatura semi-popular nació en Florencia, y se asoció a ciertas festividades populares normalmente en honor de Juan el Bautista, santo patrón de la ciudad. Las Sacra Rappresentazione en esencia no son más que la evolución de los Misterios medievales. Aunque pertenecen a la poesía popular, algunos de sus autores fueron personajes literarios de renombre. Es suficiente citar a Lorenzo de Medici, que escribió San Giovanni e Paolo, y a Feo Belcari, autor del San Panunzio, el Abramo e Isaac y otras. A partir del siglo XV algunos elemento cómico-profanos encontraron su sitio en las representaciones sacras. Así, liberándose del convencionalismo bíblico y legendario, el Poliziano escribió el Orfeo, que, aunque en su forma externa pertenece a las representaciones sacras, se aparta sustancialmente de ellas en su contenido y en los elementos artísticos que introduce.

A partir de Petrarca las églogas eran un tipo de literatura que agradaba mucho a los italianos. En ellas, sin embargo, el elemento pastoral es sólo aparente, pues no hay nada realmente campesino en ellas. Así es la Arcadia de Jacopo Sannazzaro de Nápoles, autor del espeso poema latino De Parvu Virginis, y de algunas églogas pastorales. La Arcadia está dividida en diez églogas, en las cuales se describen las festividades, los juegos, los sacrificios y las costumbres de un grupo de pastores. Están escritas en versos elegantes, pero sería vano buscar en ellas ni el más remoto parecido con la vida en el campo. Por otra parte, incluso en el estilo, Lorenzo de Médicis fue superior. Su Nencia da Barberino, como dijo un moderno escritor, es como si fuera una nueva y clara reproducción de las canciones populares de los ambientes florentinos, fundidos en una majestuosa ola de estancias en octavas. Lorenzo se sumergió en el espíritu del desnudo realismo de la vida campestre. Hay un marcado contraste entre su trabajo y la obra convencional de Sannazzaro y otros autores. Un posible rival del Medici en este estilo, pero siempre inferior a él, fue Luigi Pulci con su Beca di Dicomaco.

La poesía amorosa de este siglo no tiene gran importancia. En su lugar vemos aparecer un estilo completamente nuevo, los cantos carnavalescos, los cuales fueron un tipo de canciones corales, acompañadas de mascaradas simbólicas, habituales en los carnavales de Florencia. Estaban escritos en metros similares a los de las baladas, y en su mayor parte se ponían en boca de fiestas de trabajadores y comerciantes, los cuales, con alusiones no muy castas, cantaban alabanzas a sus oficios. Estos triunfos y mascaradas fueron dirigidos por el mismo Lorenzo. Por la noche, entraban en la ciudad grandes compañías a caballo, actuando y cantando estas canciones. Algunas eran del mismo Lorenzo, las cuales sobrepasan a las demás por su maestría. Aquellas tituladas Baco y Ariadna son las más famosas.

Girolamo Savonarola, tras llegar a Florencia en 1489, se levantó contra el movimiento literario y social del Renacimiento. Hay quien ha querido hacer de Savonarola un apóstol de la libertad, otros lo consideran un precursor de la Reforma. La verdad, sin embargo, es que no fue ni lo uno ni lo otro. En su enfrentamiento con Lorenzo, él dirigió más sus ataques contra el promotor de los estudios clásicos, el mecenas de la literatura pagana, que contra el tirano político. Animado de un entusiasmo místico, adoptó el estilo de un profeta, predicando contra la lectura de autores voluptuosos, contra la tiranía de los Medici, y llamando a un gobierno popular. Esto, sin embargo, no lo hizo animado por el deseo de mayores libertades cívicas, sino porque Savonarola vio en Lorenzo y su corte el mayor obstáculo contra el retorno a la doctrina católica, que era su íntimo deseo; pensaba que este retorno se produciría fácilmente si, tras la caída de los Medici, la república florentina fuese controlada por sus seguidores. Puede haber más justicia en ver a Savonarola como el precursor de la Reforma. Si fue así, fue más de lo que él intentó. El fraile de Ferrara nunca pensó en atacar el dogma papal, y siempre mantuvo que deseaba permanecer dentro de la iglesia de Roma. No tuvo ninguna de las grandes aspiraciones de Lutero, él simplemente repetía las quejas y exhortos de Santa Catalina de Siena, deseaba una reforma de las costumbres, simplemente de las costumbres, no de la doctrina. Si preparó el camino a los movimientos religiosos alemanes e ingleses del siglo XVI, fue de manera inconsciente. En la historia de la civilización italiana él representa un retroceso, esto es, la desaparición de los grandes hechos del Renacimiento y la vuelta a las ideas medievales. Su intento de oponerse a su tiempo, de detener el curso de los hechos, de devolver a la gente a la fe del pasado, la creencia de que todos los males sociales provenían de los Medici y los Borgia, su ceguera ante la realidad histórica, y su aspiración de fundar una república con Jesucristo como rey, muestran a Savonarola más como un fanático que como un pensador. No tuvo tampoco gran mérito como escritor. Escribió sermones en italiano, himnos (laudi), tratados de ascética y política, pero todos ellos groseramente escritos, y centran su importancia en aportar luz a la historia de sus ideas. Los poemas religiosos de Girolamo Benivieni son mejores que los suyos, estando escritos a partir de la misma inspiración. En estos versos, a veces dulces, siempre cálidamente religiosos, Benivieni y con él Belcari nos devuelven a la literatura del siglo XIV.

La historia no tuvo ni muchos ni buenos estudiosos en el siglo XV. Su despertar pertenece más a épocas posteriores. En su mayoría escribieron en latín, como Leonardo Bruni de Arezzo que escribió la historia de Florencia, o Gioviano Pontano la de Nápoles. Bernardino Corio escribió la historia de Milán en italiano, pero de una manera muy ruda.

Leonardo da Vinci escribió un tratado de pintura, Alberti uno sobre escultura y arquitectura. Pero los nombres de ambos son importantes, no como autores de dichos tratados, sino por personificar otra de las características del Renacimiento: la versatilidad del genio, su aplicación a muchos y variados temas, resultando excelentes en todos ellos. Leonardo fue arquitecto, poeta, pintor, ingeniero hidráulico y distinguido matemático. Alberti fue músico, estudió jurisprudencia, fue arquitecto y delineante, alcanzando fama como literato. Tenía una íntima atracción por la naturaleza, y una facultad casi única de asimilar todo lo que oía y veía. Leonardo y Alberti son los representantes y casi un compendio en sí mismos de todo el vigor del Renacimiento, que durante el siglo XVI desarrolló cada una de sus partes individuales, abriendo camino a lo que muchos llaman la edad de oro de la literatura italiana.

La característica fundamental del periodo literario que siguió al Renacimiento es que se perfeccionaron todas los tipos de arte, en particular unificando el carácter esencialmente italiano de su lenguaje con el clasicismo en el estilo. Este periodo se sitúa entre 1494 y 1560, siendo 1494 el año en el que Carlos VIII de Francia entró en Italia, marcando el comienzo de la decadencia política de Italia y de la dominación extranjera.

Los hombres más famosos de la primera mitad del siglo XVI fueron educados en el siglo precedente. Pietro Pomponazzi nació en 1462, Marcello Adriani Virgilio en 1464, Baltaser de Castiglione en 1468, Maquiavelo en 1469, Pietro Bembo en 1470, Miguel Angel y Ludovico Ariosto en 1474, Jacopo Nardi en 1476, Trissino en 1478 y Francesco Guicciardini en 1482. La actividad literaria que se produce desde el final del siglo XV hasta la mitad del siguiente fue el producto de las condiciones sociales y políticas de la edad anterior.

Maquiavelo y Francesco Guicciardini fueron los creadores iniciales de la ciencia histórica. Las principales obras de Maquiavelo son la Historia florentina, el Discurso sobre la primera década de Tito Livio, el Arte de la guerra y El príncipe. Su mérito consiste en haber sido el creador de la ciencia experimental en política, al haber observado los hechos, estudiado la historia y obtenido consecuencias a partir de ello. Su historia es a veces inexacta en los hechos, siendo una obra más política que histórica. La peculiaridad del genio de Maquiavelo descansa, como es sabido, en su sentido artístico para el tratamiento y la discusión de la política en y por sí misma, sin mirar a un fin inmediato en su capacidad de abstracción desde las apariencias parciales del transitorio presente, con la intención más de imbuirse del reino eterno e innato, y hacerlo sujeto en sí mismo.

Cercano a Maquiavelo tanto como historiador que como hombre de estado se sitúa Guicciardini, persona muy observadora, y empeñada en reducir sus observaciones a una ciencia. Su Historia de Italia, que va desde la muerte de Lorenzo de Médicis hasta 1534, está llena de sabiduría política, tiene partes diestramente distribuidas, da una vívida imagen del carácter de los personajes que trata y está escrita con gran estilo. Muestra un profundo conocimiento del corazón humano, y describe con realismo los temperamentos, las capacidades y los hábitos de las diferentes naciones europeas. Retrocediendo hacia las causas de los sucesos, busca la explicación de los divergentes intereses de los príncipes y de sus recíprocos celos. El hecho de haber sido testigo de muchos de los hechos que relata, y haber tomado parte en ellos, añade autoridad a su trabajo. Las reflexiones políticas son siempre profundas; en el Pensieri, como dice Gino Capponi, parece intentar extraer a través de un auto-examen una quintaesencia, como si dijéramos, de las cosas observadas y hechas por él, empeñado así en formar una doctrina política todo lo adecuada posible en todas sus partes. Maquiavelo y Guicciardini pueden ser considerados como distinguidos historiadores así como los creadores de la ciencia histórica basada en la observación.

Inferiores a ellos, pero aun así dignos de mención, están Jacopo Nardi (historiador justo y fiable, hombre virtuoso que defendió los derechos de Florencia contra los Médicis antes de Carlos V), Benedetto Varchi, Giambattista Adriani, Bernardo Segni, y ya fuera de la Toscana, Camillo Porzio (que relató la Conjura de los Barones y la historia de Italia desde 1547 a 1552), Angelo di Costanza, Pietro Bembo, Paolo Paruta y otros.

El Orlando Furioso de Ariosto fue una continuación del Orlando Enamorado del Boiardo. Su principal característica es que asimiló el romance caballeresco al estilo y los modelos del clasicismo. Ariosto fue ya un artista sólo por el amor a su trabajo, por su épica. Su única intención fue hacer un romance que agradara tanto a él como a su generación. Su Orlando no tiene un propósito grave o serio, al contrario, crea un mundo fantástico en el que el poeta divaga, indulgente con su capricho, y a veces sonriéndose por su propio trabajo. Su gran deseo es describirlo todo con la mayor perfección posible; el cultivo del estilo es lo que le ocupa más. En sus manos el estilo se hace maravillosamente plástico con todos los conceptos, tanto los elevados como los bajos, los serios o los divertidos. La estancia en octosílabos alcanza en él la más alta perfección en gracia, variedad y armonía.

Mientras tanto, mano a mano con el romance, hubo intentos para una épica histórica. Gian Giorgio Trissino de Vicenza compuso un poema titulado Italia liberada de los Godos. Muy versado en las formas antiguas, se formó en éstas, al objeto de cantar las campañas de Belisario; decía que se había forzado a observar las reglas de Aristóteles, y que había imitado a Homero. Vemos en él, de nuevo, uno de los productos del Renacimiento, y aunque la obra de Trissino es de pobre inventiva y no tiene ningún color poético original, nos permite comprender mejor cuáles eran los esquemas de pensamiento del siglo XVI.

La poesía lírica no es ciertamente una de las cosas que se alza a gran altura en el siglo XVI. Con una falta absoluta de originalidad, pareciera que en este siglo no hubo nada mejor que hacer que copiar a Petrarca. Sin embargo, incluso en esta pobre empresa hubo poetas vigorosos. Monsignore Giovanni Guidiccioni de Lucca (1500 – 1541) demostró un generoso corazón. En elegantes sonetos dio expresión a su pena por el deplorable estado al que se había reducido a su país. Francesco Molza de Módena (1489 – 1544), estudioso del griego, latín y hebreo, escribió con agradable estilo y con emoción. Giovanni della Casa (1503 – 1556) y Pietro Bembo (1470 – 1547), aunque pretrarquista, fueron elegantes. Incluso Miguel Angel se hizo petrarquista en ocasiones, y en sus poemas dejó la marca de su extraordinario y original genio. E incluso encontramos un buen número de damas junto a estos poetas, como Vittoria Colonna (amada por Miguelangel), Veronica Gambara, Tullia d'Aragona y Giulia Gonzaga, poetisas de gran delicadeza y superiores en genio a muchos de los literatos de su tiempo.

Muchas tragedias se escribieron en el siglo XVI, pero todas fueron bastante flojas. La causa fue la indiferencia moral y religiosa de los italianos, la falta de fuertes pasiones y caracteres vigorosos. El primero en ocupar el escenario trágico fue Trissino con su Sofonisba, siguiendo escrupulosamente loas reglas técnicas del arte, pero escrita en versos pesados, sin el calor del sentimiento. El Oreste y el Rosmunda de Giovanni Rucellai no fueron mucho mejores, ni la Antigona de Luigi Alamanni. Sperone Speroni en su Canace y Giraldi Cintio en su Orbecche intentaron convertirse en los innovadores de la literatura trágica, pero sólo consiguieron hacerla grotesca. Decididamente superior a todas ellas fue el Torrismondo de Torcuato Tasso, especialmente por los coros, que a veces recuerdan los coros de las tragedias griegas.

La comedia italiana del siglo XVI fue prácticamente una copia de la comedia latina. Casi siempre tenían la misma trama, los mismos personajes ancianos, los sirvientes, la solterona, y el argumento era a menudo el mismo. Así, el Lucidi de Agnolo Firenzuola, y el Vecchio Amoroso de Donato Giannotti fueron copias de comedias de Plauto, lo mismo que el Sporta de Giambattista Gelli, el Marito de Lodovico Dolce y otros. Parece que solamente tres escritores pueden distinguirse entre los muchos que escribieron comedias: Maquiavelo, Ariosto y Giovan Maria Cecchi. En su Mandragora Maquiavelo, al contrario que los otros, compuso una comedia con carácter, creando personajes que se mantienen vivos incluso ahora, porque fueron copiados de la realidad gracias a una fina y observadora mirada. Ariosto, por su parte, se distinguió más por la descripción de los hábitos de su tiempo, en especial las de los nobles de Ferrara, que por la descripción objetiva de sus personajes. Finalmente, Cecchi dejó en sus comedias un tesoro de lenguaje hablado, que en la actualidad nos permite de forma magnífica tener conocimiento de aquella época. El notable Pietro Aretino puede ser también incluido en la lista de los mejores escritores de comedias.

En el siglo XV también se dio algo de poesía amorosa. Antonio Cammelli, apodado el Pistoian, merece especial mención, debido a sus acres bonhomie, como Saint-Beuve las llamó. Pero fue Franceso Berni quien llevó este tipo de literatura a su perfección en el siglo XVI. A partir de él a ese estilo se le denomina también poesía bernesca. En los berneschi escontramos casi el mismo fenómeno del que ya habíamos tenido noticia en relación con el Orlano furioso. Era el arte por el arte mismo lo que inspiró e impulsó a Berni a escribir, así como a Anton Francesco Grazzini, llamado Il Lasca, y a otros escritores menores. Puede decirse que no hay nada en su poesía, y es cierto que tienen especial predilección en alabar las cosas bajas y ruines y en mofarse de lo que es noble y serio. La poesía bernesca es el más claro reflejo del escepticismo moral y religioso que fue una de las características de la vida social italiana del siglo XVI, y que se encuentra más o menos en todas las obras de ese periodo, ese escepticismo que paró la Reforma religiosa en Italia, y que por su parte fue consecuencia de las condiciones históricas. Los berneschi, y en especial Berni mismo, a veces adoptan un tono satírico, pero lo suyo no puede llamarse sátira con propiedad. Quienes sí cultivaron la sátira pura fueron, por otra parte, Antonio Vincinguerra, veneciano, Ludovico Alamanni y Ariosto, éste último superior a todos ellos por la ática elegancia de su estilo, y por una cierta franqueza con tendencia a la malicia, que es particularmente interesante cuando el poeta habla de sí mismo.

En el siglo XVI hubo no pocas obras didácticas. En su poema Api, Giovanni Rucellai se acerca a la perfección de Virgilio. Su estilo es claro y luminoso, y añaden interés a su libro las frecuentes alusiones a los sucesos de su tiempo. Pero la obra didáctica que sobrepasa a las demás en importancia es El Cortesano de Baltasar Castiglione, en la cual imagina una discusión en el palacio de los duques de Urbino entre caballeros y damas sobre cuales son las cualidades que se requieren para ser un perfecto cortesano. Este libro es una valiosa ilustración de la situación moral e intelectual de la alta sociedad italiana en la primera mitad del siglo XVI.

De los novelistas del siglo XVI, los dos más importantes fueron Grazzini y Matteo Bandello; el primero tan juguetón y estrafalario como grave y solemne el segundo. Bandello fue fraile dominico y obispo, no obstante lo cual sus novelas son de tema relajado, y en ellas a menudo se pone en ridículo a los eclesiásticos de su tiempo.

En un tiempo como el siglo XVI en el que eran tan fuertes la admiración por las cualidades del estilo y el deseo de una clásica elegancia, es natural que se pusiera gran atención en la traducción de autores griegos y latinos. Entre las muchas traducciones de la época son aún famosas las de la Eneida y de las Pastorales de Longus el Sofista realizadas por Annibale Caro, así como las traducciones de las Metamorfosis de Ovidio por Giovanni Andrea dell'Angillare, la de El puente de oro de Apuleyo hecha por Firenzuola, y las de las Vidas y la Moralia de Plutarco por Marcello Adriani.

Los historiadores de la literatura italiana dudan en si Torquato Tasso debería ser situado en el periodo de más alto desarrollo del Renacimiento, o si debería formar un periodo él solo, intermedio entre el citado y el posterior a él. Ciertamente fue una persona en clara disarmonía con la época en la que vivió. Su fe religiosa, la seriedad de su carácter, la profunda melancolía que habitaba su corazón, su continua aspiración a la perfección ideal, todo le sitúa fuera del periodo literario representado por Maquiavelo, Ariosto y Berni. Como dice bien Carducci, Tasso es el legítimo heredero de Dante: él cree, y justifica su fe con la filosofía; él ama, y escribe de su amor con culto estilo; él es un artista, y escribe diálogos de especulación escolástica que podrían considerarse platónicos. Sólo tenía dieciocho años cuando, en 1562, se atrevió con la poesía épica y escribió el Rinaldo, en el cual se dijo que había intentado reconciliar el esquematismo aristotélico con la variedad de Ariosto, A continuación escribió el Aminta, un drama pastoral de exquisita gracia. Pero el trabajo al que se dedicó por más tiempo fue un poema heroico, el cual le absorbió por completo. Él mismo explica su intención en los tres Discursos escritos mientras componía su Jerusalem: elegiría un tema grande y atrayente, no tan antiguo como para haber perdido todo su interés, ni tan reciente que le impidiera inventarse situaciones; lo trataría rigurosamente de acuerdo a las reglas de la unidad de acción observadas por los poemas griegos y latinos, pero con mucha mayor variedad y esplendor de episodios, de manera que en este punto no se alejara mucho del romance; y finalmente los escribiría con altisonante y recargado estilo. Y esto es lo que hizo Tasso en su Jerusalem liberada, el tema de la cual es la liberación del sepulcro de Cristo en el siglo XI por Godofredo de Bouillón. El poeta no sigue fielmente los hechos históricos, pero nos coloca ante sus principales motivaciones, incluyendo en ellas la actuación sobrenatural de Dios y Satán. La Jerusalem es el mejor poema heroico que Italia ha dado. Se aproxima a la perfección clásica. Sus episodios son sobre todo hermosos. Está escrito con profundo sentimiento, y todo en él refleja el alma melancólica del poeta. Respecto al estilo, sin embargo, aunque Tasso se empeñó aplicadamente en ceñirse a los modelos clásicos, no puede dejar de notarse que hace excesivo uso de metáforas, de antítesis, de conceptos rebuscados; y es justo desde este punto de vista que algunos historiadores han situado a Tasso en el periodo literario conocido genéricamente con el nombre de Secentismo, aunque otros, más moderados en su crítica, afirman que él sólo preparó el camino.

Desde aproximadamente 1559 comienza un periodo de decadencia en la literatura italiana. Bajo la dominación española, los escritores vieron limitadas sus actividades. Tommaso Campanella fue torturado por la Inquisición y Giordano Bruno fue quemado en la hoguera. Cesare Balbo dijo que si la felicidad de las masas consiste en la paz sin esfuerzo, si la nobleza consiste en tener el título sin el poder, si los príncipes están satisfechos en la aquiescencia de su ley sin verdadera independencia, sin soberanía, si literatos y artistas se contentan con escribir, pintar y construir con el aplauso de sus contemporáneos, pero sin la aprobación de la posteridad, si una nación entera es feliz en el bienestar sin dignidad y con el tranquilo ascenso de la corrupción, entonces no ha habido periodo más feliz para Italia que los 140 años que van desde el Tratado de Cateau-Cambresis hasta la Guerra de Sucesión Española. Este periodo es conocido en la historia de la literatura italiana como el Secentismo. Sus escritores recurrieron a la exageración, intentando producir el efecto de lo que en arte se conoce como manierismo o barroquismo, rivalizando unos con otros en el uso de metáforas, afectaciones, hipérboles y otras rarezas, eliminando toda sustancia del pensamiento.

A la cabeza de la escuela secentista estaba Giambattista Marini, de Nápoles, nacido en 1569, conocido principalmente por su largo poema Adone. Utilizaba las más extravagantes metáforas, las más forzadas antítesis y los conceptos más rebuscados. Encadenaba antítesis juntas una tras otra, rellenando estancias sin pausa. Alessandro Achillini, de Bolonia, siguió los pasos de Marini, pero de manera incluso más extravagante. Casi todos los poetas del siglo XVII estuvieron más o menos afectados por el “marinismo”. Alessandro Guidi, aunque sin llegar a las exageraciones de su maestro, es rimbombante y pesado, mientras que Fulvio Testi es artificial y afectado. Tanto Guidi como Testi sintieron la influencia de otro poeta, Gabriello Chiabera, nacido en Savona en 1552. Enamorado de los griegos, ideó nuevos metros, especialmente en imitación de Píndaro, tratando en ellos de religión, moral, historia y temas amorosos. Chiabera, aunque elegante en las formas, intenta disimular la falta de sustancia con ornamentos poéticos de todo tipo. A pesar de ello, la escuela de Chiabera representa una mejora, mostrando en ocasiones aptitudes líricas desperdiciadas por su entorno literario.

Vincenzo da Filicaja, florentino, mostró talento lírico, particularmente en sus canciones a la Viena asediada por los turcos, que le elevaron sobre los vicios de su tiempo; pero incluso en él se aprecia claramente el artificio retórico y el concepto vacío. En general, toda la poesía del siglo XVII presenta los mismo defectos pero en diversos grados, pudiendo éstos resumirse en ausencia de sentimiento y exageración de las formas.

Surgió entonces la creencia en que sería necesario cambiar la forma para recuperar la literatura, instituyéndose en 1690 la Academia de la Arcadia. Sus fundadores fueron Giovanni Maria Crescimbeni y Gian Vincenzo Gravina. La Arcadia se denominó así su principal intención fue imitar la simplicidad de los antiguos pastores que se suponía habían vivido en la Arcadia en la época dorada. Como los secentistas erraron en su desmesurado deseo de novedad, así los arcadianos propusieron el retorno a los campos de la verdad, cantando siempre temáticas de pastoril simplicidad. Esto no conllevó sino la mera sustitución de un viejo artificio por otro nuevo, cayendo desde lo rimbombante a lo afeminado, de lo hiperbólico a lo mezquino, de la pesadez al excesivo refinamiento.

La Arcadia fue una reacción al secentismo, pero una reacción que sólo tuvo éxito en empobrecer y marchitar aún más la literatura italiana. Los poemas de la Arcadia llenan varios volúmenes, y están hechos en sonetos, madrigales, canzonette y versos blancos. El más distinguido entre los entre los que cultivaban el soneto fue Felipe Zappi, entre los autores de canciones el más ilustre fue Paolo Rolli, mientras que Innocenzo Frugoni fue el más famoso de todos, hombre de imaginación fructífera pero de escaso intelecto.

Mientras que las condiciones políticas y sociales en la Italia del siglo XVII parecían evidenciar que todo destello de inteligencia había desaparecido, algunos pensadores fuertes e independientes, como Bernardino Telesio, Lucilio Vanini, Bruno y Campanella llevaron el pensamiento filosófico por derroteros originales, preparando el camino a las conquistas de Galileo Galilei, el gran contemporáneo de René Descartes en Francia y de Francis Bacon en Inglaterra. Galileo no fue sólo un gran hombre de ciencia, sino que también ocupó un conspicuo lugar en la historia de las letras. Devoto estudiante de Ludovico Ariosto, parece incorporar a su prosa las cualidades del gran poeta: una libertad expresiva clara y franca, precisa y fácil, pero al mismo tiempo elegante. La prosa de Galileo es la perfecta antítesis de la poesía de su tiempo y es considerada por muchos como la mejor prosa que jamás ha tenido Italia.

Otro síntoma de reactivación, un signo de rebelión contra la vileza de la vida social italiana, se nos ofrece en la sátira, particularmente la de Salvator Rosa y Alessandro Tassoni. El primero, nacido en 1615 cerca de Nápoles, fue pintor, músico y poeta. Como poeta se dolía de la vil condición de su país, y dio rienda suelta a sus sentimientos en lo que otro escritor satírico, Giuseppe Giusti, llamó generosi rabbuffi. Fue un precursor de la literatura patriótica, que inaugura la revitalización del siglo XVIII. Por su parte, Tassoni, un hombre verdaderamente excepcional en su tiempo, fue superior a Rosa. En medio de la neblina servil de la época mostró su juicio independiente, y su Secchia Rapita le probaron como escritor eminente. Éste es un poema heroico y cómico, que es al mismo tiempo épica y sátira personal. Fue lo suficientemente audaz para atacar a los españoles en sus Filípicas, en las cuales urgía al duque Carlo Emanuele de Savoya a persistir en la guerra contra ellos.

Una vez que se hubo liberado de la dominación española en el siglo XVIII, la nueva situación política italiana comenzó a mejorar bajo José II, Emperador del Sacro Imperio Romano, y sus sucesores. Estos príncipes estuvieron muy influenciados por los filósofos, los cuales a su vez estaban bajo la influencia del amplio movimiento ideológico que se expandía por Europa y era conocido como la Ilustración.

Gianbattista Vico representa el despertar de la conciencia histórica en Italia. En su Ciencia Nueva, investigó las leyes que gobiernan el progreso de la raza humana, conforme a las cuales se desarrollarían los hechos históricos. A partir del estudio psicológico del hombre intentó inferir la naturaleza común a todas las naciones, es decir, las leyes universales de la Historia, por las cuales las civilizaciones surgen, florecen y caen. A partir del mismo espíritu que inspiró a Vico surgió un tipo de investigación diferente, la de las fuentes de la historia civil y literaria de Italia.

Ludovico Antonio Muratori, tras recoger en su Rerum Italicarum Scriptores las crónicas, biografías, cartas y diarios sobre historia italiana entre 500 y 1500, y una vez discutidas las más oscuras cuestiones históricas en el Antiquitates Italicae medii aevi, escribió los Anales de Italia, minuciosa narración de hechos a partir de las fuentes originales. Socios de Muratori en su investigación histórica fueron Scipione Maffei de Verona y Apostolo Zeno de Venecia. En su Verona ilustrada, Maffei nos dejó no solo una joya para la lectura sino también una excelente monografía histórica. Zeno añadió erudición a la historia de la literatura, tanto en sus Dissertazioni Vossiane como en sus notas a la Biblioteca de la Elocuencia Italiana de Monseñor Giusto Fontanini. Girolamo Tiraboschi y el conde Giovanni Maria Mazzuchelli de Brescia se dedicaron asimismo a la historia de la literatura.

Al mismo tiempo que el nuevo espíritu de los tiempos llevaba a la investigación de las fuentes históricas, se impulsaba la investigación de los mecanismos que regían las leyes económicas y sociales. Francesco Galiani escribió sobre la moneda; Gaetano Filangieri escribió la Ciencia de la legislación; Cesare Beccaria, en su Tratado de los delitos y las penas, contribuyó enormemente a la reforma del sistema penal, promoviendo la abolición de la tortura.

La figura más importante del renacer literario del siglo XVIII fue Giuseppe Parini. Nació en un pueblo de la Lombardía en 1729, se educó en Milán, y de joven fue conocido entre los poetas de la Arcadia por el nombre de Darisbo Elidonio. Incluso como poeta de la Arcadia, Parini fue muy original. En una colección de poemas que publicó a los 23 años bajo el seudónimo de Ripano Eupilino, demostró su capacidad para captar escenas de la vida real, mientras que en sus piezas satíricas exhibió su franca oposición al espíritu de su tiempo. Estos poemas, aunque poco originales, indican una resuelta determinación de combatir los convencionalismos literarios. Superando sus poemas de juventud, se presentó como un innovador de la lírica, rechazando tanto el petrarquismo como el secentismo y la Arcadia, las tres enfermedades que el pensaba habían debilitado el arte italiano los siglos precedentes. En sus Odas se escucha todavía su tono satírico, pero surge aún más fuerte en su El día, en el cual se imagina a sí mismo como preceptor que enseña a un joven patricio milanés los modos y maneras de la vida galante, descubriendo todas sus ridículas frivolidades y desenmascarando con delicada ironía la futilidad de los hábitos aristocráticos. Dividiendo el día en cuatro partes: La Mañana, El Mediodía, La Tarde y La Noche, describe las banalidades de las que están compuestas, asumiendo así el libro un valor histórico y sociológico mayor. Como artista, volviendo a las formas clásicas, aspirando a la imitación de Virgilio y Dante, abrió el camino a la escuela de Vittorio Alfieri, Ugo Foscolo y Vincenzo Monti. Como obra de arte, La Mañana es extraordinaria por su delicada ironía. El verso tiene armonías nuevas, a veces un poco duras y rotas, como una protesta contra la monotonía de la Arcadia.

La sátira de Gasparo Gozzi es menos elevada, pero tiene la misma finalidad que la de Parini. En su Observatorio, similar al Espectador de Joseph Addison, en su Gazeta Veneciana y en su Mundo Moral, por medio de alegorías y originalidades, ataca los vicios con delicado toque, presentando una práctica moral. La sátira de Gozzi tiene un cierto parecido con el estilo de Luciano. La prosa de Gozzi es grácil y viva, a pesar de imitar a los escritores del siglo XIV. Otro escritor satírico de la primera mitad del siglo XVIII fue Giuseppe Baretti de Turín. En un periódico llamado La Fusta Literaria critica sin compasión las obras que se publican en ese momento en Italia. Sus viajes le enseñaron mucho; su larga estancia en Gran Bretaña contribuyó al carácter independiente de su pensamiento. La Fusta fue el primer libro de crítica independiente dirigido contra la Arcadia y los pedantes.

Este movimiento de reforma buscaba el abandono de lo convencional y artificioso, volviendo a la veracidad. Apostolo Zeno y Metastasio (el nombre arcadiano de Pietro Trapassi, nacido en Roma) tuvieron como empeño el hacer compatibles el melodrama y la razón. Metastasio mostró frescura en la expresión de los afectos, un desarrollo natural de los diálogos y algo de interés en la trama; si no hubiera caído en el refinamiento artificial y empalagoso, así como en frecuentes anacronismos, estaría considerado el principal reformador del teatro del siglo XVIII. Carlo Goldoni, veneciano, superó las viejas formas populares de la comedia, con sus personajes de pantalone, el doctor, arlequín, Brighella, etc. retomando la Commedia dell'Arte según el ejemplo de Moliere. Los personajes de Goldoni son a menudo superficiales, pero los diálogos son muy vivos. Escribió cerca de 150 comedias, sin tiempo para pulirlas y perfeccionarlas, continuando así la comedia de personajes que inició Maquiavelo con su Mandrágora. La aptitud dramática de Goldoni se refleja en el hecho de que tomó casi todos sus personajes de la sociedad veneciana, consiguiendo dotarles de una inacabable variedad. Muchas de sus comedias las escribió en dialecto veneciano.

Las ideas que impulsaron la Revolución Francesa de 1789 dieron un sentido especial a la literatura italiana en la segunda mitad del siglo XVIII. El amor a la libertad y el deseo de igualdad crearon una literatura con propósito nacional, que buscaba mejorar la situación del país liberándolo del doble yugo del despotismo político y del religioso. Los italianos que aspiraban a una redención política consideraban ésta inseparable de una recuperación intelectual, que al mismo tiempo creían sólo podía llevarse a efecto volviendo al antiguo clasicismo. Este fenómeno fue una repetición de lo que ya había ocurrido en la primera mitad del S. XV.

Patriotismo y clasicismo, por lo tanto, fueron los dos principios que inspiraron la literatura que comienza con Vittorio Alfieri. Este autor adoraba las idea griega y romana de la libertad del pueblo en armas contra la tiranía. Tomó los temas de sus tragedias de la historia de dichas naciones e hizo hablar a los antiguos personajes como si fueran revolucionarios de su tiempo. La escuela de la Arcadia, con su verborrea y trivialidad, fue rechazada. Su intención fue ser escueto, conciso, fuerte y amargo, aspirando a lo sublime como oposición a lo bajo o pastoral. Salvó la literatura de la vacuidad arcadiana, encaminándola hacia una motivación nacional, armada solamente con el patriotismo y el clasicismo.

Ugo Foscolo fue a su vez un patriota entusiasta, inspirado también en los modelos clásicos. Las Cartas de Jacopo Ortis, inspiradas en el Werther de Goethe, son una historia de amor mezclada con patriotismo; contienen una violenta protesta contra el Tratado de Campo Formio, junto a un arrebato sentimental del propio Foscolo fundado en sus propios problemas amorosos. Sus pasiones fueron repentinas y violentas, y a una de ellas es a la que debe el Ortis su origen, siendo quizás ésta la mejor y más sincera de todas sus obras. En ella es a veces pomposo y retórico, pero mucho menos que, por ejemplo, en sus lecciones Del origen y del oficio de la literatura. En general, la prosa de Foscolo es ampulosa y afectada, reflejando el carácter de un hombre que siempre gustó de posar en actitud dramática. Este fue, en efecto, el principal defecto de la época napoleónica, en la que causaba repulsión todo lo común, lo simple o lo natural; todo debía asumir siempre un aspecto heroico. En Foscolo esta tendencia fue excesiva. Los Sepulcros, que es su mejor poema, está marcado por los elevados sentimientos y la maravillosa maestría en la versificación. Hay pasajes oscurísimos en él, hasta el punto de parecer como si incluso el autor mismo no se hubiera formado una clara idea de ellos. Dejó incompletos tres Himnos a las Gracias, en los cuales cantó a la belleza como fuente y origen de la cortesía, de todas las cualidades elevadas y de la felicidad. Entre sus obras en prosa ocupa un lugar relevante su traducción del Viaje Sentimental de Laurence Sterne, escritor del cual Foscolo estuvo profundamente influenciado. Tras exiliarse en Inglaterra, murió allí, pero con tiempo de escribir para el público inglés algunos ensayos sobre Petrarca, textos del Decamerón y Dante, los cuales son notables por la época en la que están escritos, y que bien puede decirse que inician un nuevo tipo de crítica literaria en Italia. Foscolo es todavía muy admirado, y no sin razón. Aquellos que hicieron la revolución de 1848 crecieron con sus obras.

Vincenzo Monti también fue un patriota, pero a su manera. No tuvo un sentimiento profundo que le guiara, o más bien, la volubilidad de sus sentimientos fue su principal característica, pero todos ellos fueron formas distintas de patriotismo que tomaban el lugar del anterior. Vio un peligro para su país en la Revolución Francesa, y escribió el Peregrino Apostólico, el Bassvilliana y el Feroniade; las victorias de Napoleón le impulsaron a escribir el Pronreteo y la Mussagonia; en su Fanatismo y en su Superstición atacó al papado; posteriormente cantó alabanzas a los austriacos. Así, con cada gran acontecimiento cambiaba sus ideas, con una facilidad que podría parecer increíble, pero que es fácilmente explicable. Monti fue sobre todo un artista; todo lo demás en él era factible de cambio. Sabiendo más bien poco de griego, tuvo éxito al hacer una traducción de la Iliada que es notable por su sentimiento homérico, mientras que en su Bassvilliana alcanza cotas cercanas a Dante. En él la poesía clásica pareció revivir en toda su florida grandeza.

Monti nació en 1754, Foscolo en 1778; cuatro años más tarde todavía nacería otro poeta de la misma escuela: Giambattista Niccolini. En literatura fue un clasicista y en política un Ghibelino, una rara excepción en la güelfa Florencia, su ciudad natal. Al imitar a Esquilo, así como al escribir el Discurso sobre la tragedia griega o el Sublime Miguelangel, Niccolini mostró su devoción apasionada hacia la literatura clásica. En sus tragedias se liberó de la excesiva rigidez de Alfieri, acercándose en parte a los autores trágicos ingleses y alemanes. Casi siempre eligió temas políticos, esforzándose por mantener vivo en sus compatriotas el amor a la libertad. Así, escribió el Nabucco, Antonio Foscarini, Giovanni da Procida, Ludovico el Moro y otros. Asedió la Roma papal en Arnaldo de Brescia, una larga pieza trágica no susceptible de escenificación, más épico que teatral. Las tragedias de Niccolini muestran una rica vena lírica más que genio dramático. Tiene el mérito de haber reivindicado las ideas liberales, y en haber abierto un nuevo camino para la tragedia italiana.

Carlo Botta, nacido en 1766, fue testigo del espolio francés en Italia y de la dominación napoleónica. Escribió una Historia de Italia desde 1789 a 1814, continuando posteriormente la Historia de Guicciardini hasta 1789. Escribió siguiendo los modos de los autores latinos, intentando imitar a Livy, poniendo juntos largos y sonoros periodos en un estilo que intenta ser como el de Boccacio, pero teniendo poco cuidado en lo que constituye el material crítico de la historia, solo intentando declamar con su académica prosa a mayor gloria de su país. Botta quería ser clásico en un estilo que ya no podía ser considerado así, fallando por lo tanto en la consecución de su objetivo literario. Su fama es sólo la de un hombre de noble y patriota corazón. No tan mala como las dos historias de Italia es su Guerra de la Independencia americana.

Junto a Botta aparece Pietro Colletta, napolitano nacido nueve años después de él. Él también tiene, en su Historia del Reino de Nápoles entre 1734 y 1825, la idea de defender la independencia y libertad de Italia en un estilo calcado al de Tácito, pero con mejor fortuna que Botta. Posee un estilo nervioso, escueto y directo, que hace muy atractiva la lectura de su libro. Se comenta que Pietro Giordani y Gino Capponi lo corrigieron para él. Lazzaro Pappi, de Lucca, autor de los Comentarios a la revolución francesa de 1789 a 1814, no es del todo simiar a Botta y Coletta. El también fue un historiador al estilo clásico, y trata los temas con sentimiento patriótico, pero como artista tal vez sea más excelso que ellos.

Mientras las más ardientes pasiones políticas se enfrentaban, y mientras los más brillantes hombres de genio en la nueva escuela clásica y patriota eran puristas a la altura de sus influencias, surgió la polémica sobre la pureza del lenguaje. En la segunda mitad del siglo XVIII la lengua italiana estaba llena de expresiones francesas. Había una gran indiferencia hacia la forma, y aún más hacia la elegancia del estilo. La prosa necesitaba de una recuperación por el bien de la dignidad nacional, y se pensó que esto no podría conseguirse si no era a través de la vuelta a los grandes escritores del siglo XIV, a los aurei trecentisti, como eran conocidos, o en su defecto a los clásicos de la literatura italiana. Uno de los promotores de esta nueva escuela fue Antonio Cesari de Verona, quien reeditó los antiguos autores y publicó una nueva edición, con añadidos, del Vocabolario della Crusca (N. del T.: lo que en español sería llamado un Vocabulario de la Academia). Escribió un discurso titulado Sobre el estado actual de la lengua italiana, empeñándose en establecer la supremacía del toscano y de sus tres grandes representantes: Dante, Petrarca y Boccaccio. Siguiendo este principio escribió varios libros, esforzándose en copiar a los trecentistas tan fielmente como fuera posible. Pero el patriotismo en Italia tiene siempre algo de provinciano, y así, contra esta supremacía toscana proclamada y defendida por Cesari, surgió una escuela lombarda que no quería saber nada del toscano y que, siguiendo la De vulgari eloquentia de Dante, volvían a la idea de una lingua illustre.

Aunque la polémica era ya vieja, amplia y ácidamente argumentada en el Cinquecento por Varchi, Muzio, Lodovico Castelvetro, Speroni y otros, ahora surgía con nuevas fuerzas. A la cabeza de la escuela lombarda estaba Vincenzo Monti y su hijastro el conde Giulio Perticari. El primero escribió Proposta di alcune correzioni ed aggiunte al vocabolario della Crusca, en el cual atacaba el toscanismo de la Crusca con estilo grácil y simple, al punto de conseguir una de las más bellas prosas de la literatura italiana. Perticari, con muchos menos conocimientos, estrechó y exasperó la cuestión en dos tratados: Sobre los escritores del Trecento y Sobre el amor a la patria en Dante. La disputa sobre el lenguaje se unió a la polémica literaria y política, tomando parte en ella toda Italia: Basilio Puoti en Nápoles, Paolo Costa en la Romagna, Marco Antonio Parenti en Módena, Salvatore Betti en Roma, Giovanni Gherardini en la Lombardía, Luigi Fornaciari en Lucca y Vincenzo Nannucci en Florencia.

Patriota, clasicista y purista, todo al mismo tiempo, fue Pietro Giordani, nacido en 1774; él encarna un compendio del movimiento literario de su tiempo. Su vida entera fue una batalla por la libertad. Versado en griego y latín, así como en los trecentistas italianos, dejó sólo unos pocos escritos, pero están redactados en un estilo tan cuidadosamente elaborado que le hizo ser muy admirado en su tiempo. Con él se cierra el periodo literario de los clasicistas.

La escuela romántica tuvo en el periódico Il Conciliatore (o Foglio Azzurro) su principal órgano. Este periódico salió por primera vez el 3 de septiembre de 1818, en Milán, y en su plantilla estuvieron Silvio Pellico, Lodovico de Breme, Giovile Scalvini, Tommaso Grossi, Giovanni Berchet, Samuele Biava y Alessandro Manzoni. Todos ellos estuvieron muy influenciados por las ideas que, especialmente en Alemania, constituyeron el movimiento que se denominó Romanticismo. En Italia, el devenir de la reforma literaria tomó otra dirección, siendo Manzoni el principal instigador de esta reforma. El formuló los objetivos de la nueva escuela, estableciendo que aspira a descubrir y expresar la verdad histórica y la verdad moral, no solo como fin, sino como la más amplia y eterna fuente de belleza. El realismo en el arte es lo que caracteriza la literatura italiana a partir de Manzoni. Su obra I promessi sposi (en español Los novios) es la que le ha dado fama inmortal. Sin duda la idea de la novela histórica le llegó de Walter Scott, pero Manzoni logró algo más que una novela histórica en sentido estricto, logró una auténtica obra de arte realista. La atención del lector es absorbida por completo en la poderosa y objetiva construcción de los personajes. Desde el más grande al más accesorio, todos ellos tienen una increíble verosimilitud. Manzoni es capaz de desarrollar un personaje en todos sus detalles y continuarlo en todas sus diferentes etapas. Don Abbondio y Renzo son tan perfectos como Azzeccagarbugli y El Sarto. Manzoni se sumerje en los más profundos rincones del corazón humano, y dibuja a partir de ello la más sutil de las realidades psicológicas. Ahí radica su grandeza, que fue reconocida por primera vez por otro genio contemporáneo suyo, Goethe. Como poeta también tiene destellos de genialidad, especialmente en su oda napoleónica El cinco de mayo, y allí donde describe afectos humanos, como en ciertos versos de los Himnos y en el coro del Adelchi.

El gran poeta de esa época fue Giacomo Leopardi, nacido trece años después de Manzoni en Recanati, en el seno de una familia noble. Se interesó tanto en los autores griegos que solía comentar que el modo de pensamiento griego se le aparecía más claro y vívido en la mente que el latín o incluso el italiano. La soledad, la enfermedad y la tiranía familiar le impulsaron a una profunda melancolía. Se sumergió además en un escepticismo religioso, por lo que el arte fue para el una evasión. Todo es terrible y grandioso en sus poemas, los cuales pueden considerarse como los más agonizantes lamentos de la moderna literatura, envueltos en una solemne quietud que eleva tanto como aterroriza. Fue también un admirable prosista. En sus Obritas morales – diálogos y discursos marcados por una fría y amarga sonrisa hacia el destino humano que hiela al lector – la claridad de su estilo, la simplicidad del lenguaje y la profundidad de los conceptos son tales que quizás pueda considerársele no sólo como el mayor poeta lírico italiano después de Dante, sino también como el más perfecto escritor en prosa que ha dado la literatura italiana.

Conforme el realismo ganaba terreno en arte, el método positivo en criticismo se afirmaba con él. La Historia volvía a su espíritu de búsqueda erudita, tal y como aparece en obras como el Archivo histórico italiano, fundado en Florencia por Giampietro Vieusseux, la Historia de Italia en el medievo de Carlo Troya, un notable tratado del Manzoni mismo titulado Sobre algunos puntos de la historia longobarda en Italia, y la estupenda Historia de las Vísperas sicilianas de Michele Amari. Junto a los grandes artistas – Leopardi y Manzoni – y los eruditos académicos, se desarrolló también en la primera mitad del siglo XIX una literatura de tipo patriótico. Vieusseux tuvo un evidente objetivo político cuando en 1820 fundó la revista mensual Antología. Su Archivo histórico italiano (1842) fue, bajo una forma diferente, una continuación de la Antología, la cual fue clausurada en 1833 por causa del gobierno ruso. Florencia fue aquellos días el refugio de todos los exiliados italianos, y todos ellos se encontraban y estrechaban sus manos en los salones de Vieusseux, donde se hablaba más de literatura que de política, pero en donde una y solo una idea animaba todas las mentes: la idea de Italia.

El movimiento literario que precede y asiste a las revoluciones políticas de 1848 puede considerarse representado por cuatro escritores: Giuseppe Giusti, Franceso Domenico Guerrazzi, Vincenzo Gioberti y Cesare Balbo. Giusti escribió sátiras epigramáticas en lenguaje popular en las que con incisivas frases azotaba a los enemigos de Italia. Fue un reconocido escritor político, pero un mediocre poeta. Guerrazzi tuvo una gran reputación y mucha influencia. pero sus novelas históricas, aunque ávidamente leídas antes de 1848, fueron pronto olvidadas. Gioberti, un poderoso y polémico escritor, tuvo un gran corazón y una amplia mente; sus obras filosóficas están actualmente más bien muertas, pero su Primato morale e civile degli italiani quedará para siempre como un importantísimo documento de aquella época, mientras que su Jesuita moderno es la más tremenda acusación que se haya escrito nunca contra la Compañía de Jesús. Balbo fue un competente estudiante de Historia que la hizo útil para los políticos. Como Gioberti en su primera época, Balbo fue un entusiasta del papado, y promotor de una federación de estados italianos presidida por él. Su Sumario de la historia de Italia es un excelente epítome.

Después de 1850 la literatura política perdió importancia, siendo uno de los últimos poetas de este género Francesco dall'Ongaro, con sus stornelli politici. Giovanni Prati y Aleardo Aleardi continuaron con las tradiciones románticas. La figura dominante de este periodo, sin embargo, es Giosué Carducci, opuesto a los románticos y restaurador del antiguo espíritu y los antiguos metros, quien, aunque grande como poeta, fue mucho menos importante como crítico literario e historiador. Otros poetas clásicos fueron Giuseppe Chiarini, Domenico Guoli, Arturo Graf, Guido Mazzoni y Giovanni Marradi, de los cuales los dos últimos pueden quizás considerarse como los principales discípulos y seguidores de Carducci, mientras que otro de los grandes de esa época, Giovanni Pascoli, muy conocido por sus Myricae y Poemetti, sólo fue su seguidor en los comienzos de su carrera. Enrico Panzacchi fue un romántico de corazón. Olindo Guerrini (que escribió bajo los seudónimos de Lorenzo Stecchetti, Argia Sbolenfi, Marco Balossardi, Giovanni Dareni, Pulinera, Bepi y Mercutio) es el principal representante del verismo en poesía, y, aunque sus primeros libros tuvieron mucho éxito popular, es el autor de muchas poesías de valor intrínseco. Alfredo Baccelli y Mario Rapisardi son distinguidos poetas épicos. Felice Cavallotti es el autor de la agitadora Marcia de Leonida. Entre los escritores en dialecto, el gran poeta romano Giuseppe Gioacchino Belli, encontró muchos sucesores, como Renato Fucini (Pisa), Berto Barbarini (Verona) y Cesare Pascarella (Roma). Entre las poetisas, Ada Negri con su socialista Fatalitá y Tempeste, alcanzó una gran reputación, mientras que otras, como Vittoria Aganoor, A. Brunacci-Brunamonti y Annie Vivanti, gozan de alta estima en Italia.

Entre los dramaturgos, Pietro Cossa en la tragedia; Gherardi del Testa, Ferdinando Martini y Paolo Ferrari en la comedia, representan a la vieja escuela. Métodos más modernos los encontramos en Giuseppe Giacosa y Gerolamo Rovetta. En cuanto a la narrativa, el romance histórico cayó en desgracia, aunque Emilio de Marchi produjo algunos buenos ejemplos en ese género. La novela de intriga fue cultivada por Anton Giulio Barrili y Salvatore Farina; la novela psicológica por Enrico Annibale Butti; los cuentos y narraciones locales de estilo realista por Giovanni Verga; y la novela mística filosófica por Antonio Fogazzaro. Edmundo de Amicis, quizás el autor más leído de aquella época, es mejor conocido por sus trabajos morales y sus viajes que por su obra. Entre las mujeres realistas, Matilde Serao y Grazia Deledda fueron muy populares.

Gabriele D'Annunzio posee una obra poética original, así como obras dramáticas y de ficción de extraordinaria calidad. Sus primeras poesías se distinguieron no sólo por su exquisita belleza formal, sino también por su tono licencioso, características éstas que reaparecerán en el resto de su obra, poética o narrativa. Finalmente, el canon de la literatura italiana se introdujo en el postmodernismo del siglo XX con la figura de Italo Calvino.

Durante este periodo de grandes cambios en la sociedad y la cultura italiana, La creencia positivista ha caido,se rechaza la ciencia,lo real,...Es en esta época cuando surge en la Literatura el movimiento conocido como :El Decadentismo corriente artística, filosófica y, principalmente, literaria que tuvo su origen en Francia en las dos últimas décadas del siglo XIX y se desarrolló por casi toda Europa y algunos países de América. El termino Decadentismo fue tomado de la revista "Le Decadente", surgida en francia en los años 80,la denominación de decadentismo surgió como término despectivo e irónico empleado por la crítica académica, sin embargo, la definición fue adoptada por aquellos a quienes iba destinada. En Francia se mezclo y confundio con otro movimiento; el Simbolismo, cuyo padre espiritual fue Charles Baudelaire, tuvo también influencias de Mallarme, Rimbaud, Verlaine. En Italia este movimiento tuvo una vida más larga y su maximo representante fue Gabriele D`Annunzio con su obra El Placer ( Il Piacere). Los decadentes se sientes atrapados en un mundo vulgar, en el cual han perdido toda la esperanza; el Decadentismo es una huida hacia el interior, se rechaza la realidad, esta en contra de la moralidad de la época, de la sociedad burguesa. El Decadentismo a diferencia del positivismo y las expresiones artísticas del naturalismo de las décadas anteriores, inspiradas en una cultura del progreso, los fundamentos filosóficos del decadentismo son de carácter irracionalista, y sus aspiraciones aristocráticas y sus tendencias culturales contrastan claramente con los procesos de democratización social de la época. El esteticismo se acompañó, en general, de un exotismo e interés por países lejanos, orientales, que ejercieron gran fascinación en autores de la época.

Algunos escritores italianos contemporáneos son Umberto Eco y Stéfano Benni.

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Cultura de Estados Unidos

Bandera de Estados Unidos.

El desarrollo de la cultura de los Estados Unidos de América — música, cine, baile, arquitectura, literatura, poesía, gastronomía y artes visuales — ha sido marcada por dos fuentes principales de inspiración: la cultura europea y la originalidad doméstica.

La música estadounidense es popular en todo el mundo, a través de canales de televisión como Channel V, VH1 y por cantantes como Michael Jackson, Tina Turner, Madonna, Whitney Houston, Cyndi Lauper, Mariah Carey, y los Backstreet Boys; las películas y los programas televisivos del país pueden ser vistos en casi cualquier región del planeta, incluyendo íconos como Star Wars, Titanic y The Matrix; las figuras deportivas son ampliamente reconocidas, tales como Michael Jordan, Tiger Woods, Venus Williams, Mike Tyson y Michael Johnson, al igual que los actores y actrices de Hollywood, como Tom Hanks, Julia Roberts, Brad Pitt, Marilyn Monroe, Leonardo DiCaprio y Tom Cruise. Esto marca un contraste muy grande con los primeros días de la República de Estados Unidos, cuando el país era visto como un lugar apartado basado en la agricultura con poco que ofrecer a los centros avanzados como Europa y Asia. Al principio de su tercer siglo, casi todas las principales ciudades del país ofrecen música clásica y popular, centros de investigación histórica y científica, museos, musicales y obras teatrales, además de proyectos artísticos y obras arquitectónicas de nivel internacional. Este desarrollo es el resultado de las contribuciones de filántropos particulares, como del gobierno.

En el siglo XVIII y principios del XIX, el arte y la literatura estadounidenses tomaron la mayor parte de su inspiración de Europa. Escritores tales como Nathaniel Hawthorne, Edgar Allan Poe, y Henry David Thoreau establecieron una reputación distintiva a mediados del siglo XIX. Mark Twain y el poeta Walt Whitman fueron las principales figuras de la segunda mitad del siglo; Emily Dickinson, prácticamente desconocida durante su vida, sería reconocida como una de las poetisas más importantes del país. Cinco ciudadanos estadounidenses han ganado el Premio Nobel de Literatura, siendo el más reciente Toni Morrison en 1993. Ernest Hemingway, el ganador del Nobel de 1954 Nobel, ha sido nombrado como uno de los escritores más influyentes del siglo XX. Las obras que han capturado aspectos fundamentales de la cultura nacional (basándose en sus protagonistas) son Moby-Dick de Herman Melville (1851), Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain (1885), y el libro de F. Scott Fitzgerald The Great Gatsby (1925), principales exponentes de la "Gran Novela Americana". Los géneros literarios populares, tales como la literatura western y las novelas de misterio han tenido un gran desarrollo en Estados Unidos.

La poesía de Estados Unidos afloró naturalmente durante sus comienzos como trece colonias (aunque antes de esto existía una fuerte tradición oral, a menudo calificadas como poesía, entre las sociedades de los americanos nativos). La mayor parte de las primeras obras de los colonos eran similares a los modelos ingleses en lo que respecta a métrica, dicción y temática. Sin embargo, en el siglo XIX, comenzó a emerger un modismo americano distintivo. A finales del siglo, cuando Walt Whitman empezaba a ser aclamado por las audiencias, los poetas de Estados Unidos habían comenzado a tomar su lugar en el avant-garde del idioma inglés.

Esta posición se mantuvo durante el siglo XX, siendo Ezra Pound y T. S. Eliot tal vez los poetas en idioma inglés más influyentes del período durante la Primera Guerra Mundial. En la década de 1960, los jóvenes poetas del British Poetry Revival vieron a sus contemporáneos americanos y a sus predecesores como modelos para la poesía que deseaban escribir. Hacia el final del milenio, la consideración de la poesía americana se ha diversificado, y los historiadores pusieron un énfasis mayor en la poesía femenina, la hispánica, la afroamericana y otros grupos culturales.

Desde la invención del formato de historietas surgido en 1930, Estados Unidos ha albergado la mayor producción de revistas de historietas, sólo comparado con los libros británicos (durante el período comprendido entre las dos guerras mundiales y hasta la década de 1970) y el manga japonés en términos de cantidad.

Las ventas de historietas comenzaron a caer luego de la Segunda Guerra Mundial, cuando el medio comenzó a competir con la televisión y con los libros de bolsillo de impresión masiva. Durante la década de 1960, la audiencia consumidora de los libros de historietas comenzó a ampliarse, incluyendo estudiantes universitarios que favorecieron la tendencia de publicaciones basadas en "superhéroes del mundo real", iniciada por Stan Lee en Marvel Comics. La década de 1960 también fue el escenario de los cómics underground.

La televisión es uno de los medios más masivos de los Estados Unidos. Un 99% de la población posee como mínimo un televisor en su hogar, y la mayoría tiene más de uno.

Existe una gran variedad de bailes en los Estados Unidos, ya que es la cuna del Lindy Hop y su derivado, el Rock and Roll. También se caracteriza por el square dance (asociado con Estados Unidos debido a su desarrollo histórico en dicho país) y es uno de los principales centros mundiales de baile moderno. Existe una variedad de bailes de salón y de conciertos que han derivado de los nativos americanos.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas americanos han pintado principalmente paisajes y retratos en un estilo realista. Un desarrollo paralelo que va tomando forma en las partes rurales del país son las artesanías, las cuales comenzaron como una reacción a la Revolución Industrial. Las primeras muestras de arte moderno de Europa llegaron a Estados Unidos y fueron exhibidas en la ciudad de Nueva York en 1913. Luego de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como el centro del mundo artístico. La pintura en los Estados Unidos cubre, hoy en día, una amplia gama de estilos.

Estados Unidos tiene una historia de arquitectura que incluye una amplia variedad de estilos.

Estados Unidos es un país relativamente joven, y los nativos americanos no crearon edificios que puedan compararse con el tamaño de los tallados en México y en Perú. Por esta razón, la temática primordial de la arquitectura norteamericana es la modernidad: los rascacielos del siglo XX son el principal símbolo de esta modernidad.

La arquitectura en el país varía según las regiones y ha sido moldeada a partir de varios países, además de Inglaterra. Por lo tanto, puede decirse que es ecléctica, ya que representa a una sociedad multicultural.

La historia de la escultura en los Estados Unidos refleja la fundación del país en el siglo XVIII, mezclando los valores civiles de la República de Roma y el Cristianismo Protestante.

El teatro en Estados Unidos está basado en la tradición del lejano oeste, tomada de las actuaciones de Europa, especialmente de Inglaterra. Hoy en día está relacionado con la literatura, las películas, la televisión y la música americana, y es muy común que una misma historia sea representada en todas las formas antedichas. Las regiones con una amplia gama musical han desarrollado también academias de teatro y comedia. El teatro musical es posiblemente su forma más popular; la calle Broadway en la ciudad de Nueva York es considerada, por lo general, el centro del teatro comercial americano, a través de sus formas artísticas imitadas a lo largo del país. Otra ciudad particular es Chicago, la cual posee la escena teatral más diversa y dinámica de Estados Unidos. El teatro regional en el país son compañías teatrales profesionales fuera de la ciudad de Nueva York que producen sus propias temporadas. También existe el teatro comunitario y el de vitrina. Incluso las comunidades rurales en ocasiones sorprenden a las audiencias con producciones extravagantes.

La gastronomía predominante en Estados Unidos es similar a la de otros países occidentales. El trigo es el principal grano de cereal. La cocina americana tradicional utiliza ingredientes tales como el pavo, el venado, el ciervo, las papas, las batatas, el maíz y el jarabe de maple, alimentos consumidos por los nativos americanos y por los primeros habitantes de Europa. La carne de cerdo y las barbacoas, las papas fritas y las galletitas con chispas de chocolate son marcas características de la comida americana. La comida denominada soul food, creada por los esclavos provenientes de África, es popular entre los americanos del sur y entre la mayor parte de los afroamericanos. La cocina Sincrética, tales como la cocina de Louisiana, cajún, y la Tex-Mex, son las más importantes en la región. Los platos americanos más representativos, como el pastel de manzana, el pollo frito, las hamburguesas (véase: Historia de la hamburguesa) y los hot dogs derivan de recetas de varios inmigrantes. Además, las papas fritas, los platos mexicanos tales como los burritos y los tacos, y las pastas italianas han sido incorporadas al mercado. Los estadounidenses suelen beber café o té, y más de la mitad de la población adulta bebe al menos una taza al día. El mercado de las industrias norteamericanas es el que ha provocado que el jugo de naranja y la leche sean las bebidas que se consumen en el desayuno. Durante las décadas de 1980 y 1990, el promedio de calorías consumidas al día por los americanos se incrementó en un 24%; esto se debe a la creación de locales de comidas rápidas, desatando también la llamada "epidemia de obesidad". Las bebidas sin alcohol también son muy populares; las azucaradas proveen un 9% de las calorías que se consumen al día.

Además del negocio y las distintas empresas textiles, la moda en los Estados Unidos es ecléctica y predominantemente informal. Los jeans se popularizaron como prendas de trabajo en la década de 1850 por el comerciante Levi Strauss, un inmigrante alemán de San Francisco, y fue adoptado por varios adolescentes estadounidenses un siglo más tarde. Actualmente son una prenda utilizada en todos los continentes por individuos de todas las edades y todas las clases sociales. Junto con la moda informal en general, los jeans son la principal contribución de la cultura estadounidense a la moda mundial. El país también es el hogar de los creadores de varias empresas textiles, tales como Ralph Lauren y Calvin Klein. Las empresas tales como Abercrombie & Fitch, American Eagle, Hollister, y Eckō son consideradas los nichos del mercado.

La cultura popular americana se ha expresado a través de casi todos los medios, incluyendo las películas, la música y los deportes. Mickey Mouse, Barbie, Elvis Presley, Madonna, Aerosmith, Babe Ruth, el béisbol, el fútbol americano, el básquetbol, G.I. Joe, el jazz, el blues, el Rap y el Hip Hop, Los Simpson, Michael Jackson, Superman, Lo que el viento se llevó, Marilyn Monroe, Michael Jordan, Indiana Jones, Plaza Sésamo, Catch-22—estos nombres, géneros y frases se relacionan con productos americanos que han sido expandidos a lo largo y ancho del mundo.

Es importante notar que Estados Unidos tiende a ser exportador de cultura, y además absorbe otras tradiciones culturales con relativa facilidad, tales como el origami, el fútbol, el animé, y el yoga.

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Source : Wikipedia