Blindness

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Publicado por roy 19/03/2009 @ 22:10

Tags : blindness, películas y estrenos, cine, cultura

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Blindness

Rodaje de la película Blindness en São Paulo.

Blindness, conocida en español como Ceguera o A ciegas, es una película perteneciente al género dramático y al suspense. Este filme es una adaptación de la novela de 1995 titulada “Ensayo sobre la ceguera” del escritor portugués José Saramago, la cual trata de una sociedad que sufre una epidemia de ceguera. El guión de esta producción cinematográfica fue escrito por Don Mckellar, y la dirección estuvo a cargo de Fernando Meirelles. Además, “Blindness” cuenta con la participación estelar de los actores estadounidenses Julianne Moore y Mark Ruffalo.

En un principio, el autor de la novela rehusó a vender los derechos para una adaptación cinematográfica, debido a que tenía temor de que cayera en las manos equivocadas. Sin embargo, Meirelles logró adquirir los derechos con la condición de que la película se desarrollase en una ciudad irreconocible. De esta manera, el director eligió la ciudad de São Paulo como el principal telón de fondo para "Blindness", a pesar de que varias escenas también fueron rodadas en Toronto, Canadá y Montevideo, Uruguay.

Todos los personajes a excepción de Julianne Moore, fueron entrenados para simular la ceguera. Meirelles también estilizó el filme para reflejar la falta de punto de vista que los personajes experimentan. El preestreno de "Blindness" fue el 14 de mayo de 2008 en el Festival Internacional de Cine de Cannes, y su estreno comercial limitado para los Estados Unidos fue el 3 de octubre, de 2008.

La Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) le otorgó la clasificación por edades "R" (que restringe el visionado de la película a los adultos o menores de 17 acompañados) debido a su lenguaje explícito, las escenas sexuales y la violencia.

Esta película está basada en la novela “Ensayo sobre la ceguera” (1995) del Nobel de la literatura, José Saramago, y que trata sobre una epidemia que causa la ceguera de los habitantes de una ciudad moderna, resultando en el colapso de la sociedad.

El director Fernando Meirelles eligió un elenco internacional. El productor Niv Fichman explicó la intención de Meirelles: El estaba inspirado en la obra maestra de Saramago de crear un microcosmos del mundo. El deseaba que el filme tuviera un reparto que representara a todo la humanidad.

Los derechos de la novela Ensayo sobre la ceguera publicada en el año 1995 han pertenecido a su autor, el cual en reiteradas ocasiones ha rehusado que se realice una adaptación cinematográfica. Saramago ha expresado, “Yo siempre me he resistido porque es un libro violento sobre la degradación social, la violación, y porque no quería que caiga en las manos equivocadas”. A pesar de esto, el director Fernando Meirelles deseaba realizar la adaptación de esta novela al cine, porque percibía que “… es una alegoría sobre la fragilidad de la civilización”. En un principio, Saramago declinó vender los derechos de adaptación de la novela al cine, a Meirelles, a Whoopi Goldberg y a Gael García Bernal. Por esta razón, el autor recibió la visita en las Islas Canarias del productor Niv Finchman y el guionista Don McKellar, quienes eventualmente convencieron a José Saramago para que vendiese los derechos. Una de las condiciones impuesta por el autor fue que el escenario de la película se realizara en un país que no sea reconocible para la audiencia y que se empleara un can grande como el descrito en la novela, para que representase al perro de las lágrimas.

Al principio, Meirelles imaginó que dirigiría la película en idioma portugués, siguiendo el lenguaje propio de la novela, pero al final decidió realizar el filme en inglés porque pensó, "Sí tu lo haces en inglés lo puedes vender al mundo entero y puedes tener una mayor audiencia". Además, uno de los cambios intencionales del director fue establecer la película en un escenario contemporáneo, opuesto al contexto original en el que se desarrolla la novela, y que Meirelles estimó que se lleva a cabo entre los años 1930 a 1940. De esta manera, el decidió crear un filme del siglo XXI, para que los espectadores puedan identificarse a los personajes y buscó un enfoque alegórico distinto. Meirelles describió que la novela era “muy alegórica, como una fantasía afuera del espacio, afuera del mundo”, y que él al contrario prefirió tomar una dirección naturalista para comprometer a la audiencia y realizar una película menos "fría".

En septiembre del año 2006, Fernando Meirelles fue elegido como director del filme, y la novela fue adaptada por el guionista Don Mckellar. El presupuesto de Blindness fue de 25 millones de dólares, y la producción fue realizada por empresas canadienses y brasileñas.

Meirelles ha reconocido el reto de realizar una película que simula la experiencia de la ceguera al público, y explicó, “Cuando uno hace una película, todo está relacionado con un punto de vista, la visión. Cuando tienes dos personajes en un dialogo, la emoción es expresada mediante la forma en que se miran las personas, a través de los ojos. Especialmente cuando uno corta las escenas y edita. Usualmente se corta la escena cuando alguien alza la mirada. El cine es sobre puntos visuales, y en esta película no hay.” De igual forma que en el libro, la ceguera en el filme sirve como una metáfora para el lado oscuro de la naturaleza humana, prejuicio, envidia violencia e indiferencia.

El reparto y equipo técnico del filme incluyó 700 extras que tuvieron que ser entrenados para simular la ceguera. El actor Christian Duuvoort que formó parte la película de Meirelles, Ciudad de Dios ejecutó varios talleres de entrenamiento para los miembros del reparto. Duuvoort investigó las expresiones y gestos de las personas ciegas, para comprender como perciben el mundo y como atraviesan el espacio. Duuvoort no sólo enseñó a los actores extras los gestos, pero también les infundió los estados emocionales y sicológicos de los invidentes. Meirelles describió, “Cuando tú hablas con alguien, tú ves una reacción. Cuando tú eres ciego, la respuesta es más ilusoria".

La película también contiene alusiones visuales de algunas obras artísticas, como la pintura de Pieter Brueghel el Viejo, titulada la Parábola de los ciegos (1568). También se hace mención a otras obras de arte famosas. Meirelles describió su intención: “Es sobre la imagen, la película, y la visión. Entonces pensé que tenía sentido crear, no una historia de la pintura, porque no lo es, pero ver los objetos de forma diferente, desde Rembrandt a otros artistas contemporáneos. Pero es algo usado sutilmente".

El rodaje de la película comenzó en la ciudad de São Paulo en Brasil, y Toronto en Canadá, a principios del mes de julio de 2007, y continúo hasta el otoño del mismo año. La filmación también se realizó en Montevideo, Uruguay. Entre las escenas filmadas en Uruguay, se distingue el centro histórico, especialmente en una escena en la que varios invidentes se agolpan y desesperadamente asaltan un supermercado. Sin embargo, Sao Paulo sirvió como el principal escenario de Blindness, debido a que el director percibió que esta ciudad tenía todas las características necesarias.

Antes del lanzamiento público de la película, el director realizó varias pruebas cinematográficas para examinar la reacción de la audiencia. Meirelles describió el impacto de este análisis, Si tu sabes cómo usarlo, cómo preguntar las preguntas correctas, puede ser muy útil. Una prueba cinematográfica de Meirelles que fue realizada en la ciudad de Toronto tuvo como resultado el abandono temprano de la sala de cine del 10% del público, que equivaldría a aproximadamente 50 personas. El director atribuyó el problema a una escena de violencia sexual en el filme, y decidió editar la escena acortando su tiempo de duración. Meirelles explicó su meta, Cuando rodé y edité esas escenas, yo lo hice de una forma muy técnica, me preocupé solo de la iluminación y ese tipo de cosas, y perdí el sentido de la brutalidad. Algunas mujeres estaban realmente enojadas con la película, y yo pensé “¡Caramba! posiblemente atravesé el límite”. Yo regresé no para complacer a la audiencia sino para que se involucren hasta el final de la historia. En una prueba realizada en Nueva York, los resultados demostraron una preocupación única del público estadounidense, acerca de una víctima que no logra cometer su acto de venganza. Meirelles cree que esta preocupación refleja lo que los estadounidenses han aprendido a anticipar en su cine.

La productora y distribuidora de películas llamada Focus Features, obtuvo el derecho de manejar las ventas internacionales del filme Blindness. Asimismo, la productora francesa Pathé adquirió los derechos de distribución de Blindness en Francia e Inglaterra. La empresa de cine Miramax Films consiguió los derechos de distribución de Blindness en Estados Unidos, con una oferta de $5 millones.

La película Blindness tuvo su preestreno el 14 de mayo de 2008, en la 61ª edición del Festival de Cannes, donde recibió una “recepción regular”. Una de las revistas cinematográficas más importantes de las noticias del espectáculo llamada "Variety", criticó duramente la película, y del mismo modo, las votaciones de los críticos en Cannes también fueron desfavorecedoras. El lanzamiento comercial limitado de Blindness en los Estados Unidos está previsto para el 12 de septiembre de 2008.

Al principio



Uma Thurman

Uma Thurman en el Festival de Cine de Cannes en 2000.

Uma Karuna Thurman (n. Boston, 29 de abril de 1970); actriz de cine estadounidense.

Comenzó como modelo profesional para luego dedicarse a la actuación en 1988. Realiza roles como actriz principal tanto en producciones de bajo presupuesto como en superproducciones de grandes estudios. Ha participado en dramas, ciencia ficción y películas de acción o thrillers. Últimamente se ha sentido atraída hacia la comedia romántica.

Sus filmes más conocidos incluyen varios con el director Quentin Tarantino. Entre ellos: Las amistades peligrosas (Dangerous Liaisons, 1988), Pulp Fiction (1994), Gattaca (1997), y Kill Bill (2003–2004).

Nació en Boston, Massachusetts. Sus padres son Robert Thurman y Nena von Schlebrugg.

Robert Thurman es profesor de budismo indo-tibetano en la Universidad de Columbia y educó a sus hijos en la filosofía budista. Según algunos, el nombre Uma viene de Uma Chenpo ('El gran camino del centro' en tibetano, término que en sánscrito se dice mahā-madhyamaka). Umā es la diosa hindú de la luz y de la belleza, y consorte del dios Shivá.

Uma tiene una media hermana de nombre Taya, de un matrimonio anterior de su padre, y tres hermanos: Ganden, Dechen y Mipam. Cuando eran niños todos pasaron largas temporadas en la India y recibían ocasionales visitas del Dalái Lama en su hogar.

Durante su niñez, su familia se mudó constantemente, debido a que su padre enseñaba en diferentes universidades. Creció principalmente en Amherst (Massachusetts) y Woodstock (Nueva York). Uma fue una joven desmañada e introvertida que era frecuentemente molestada por su elevada estatura, su nombre raro (a veces usaba el nombre Uma Karen en lugar del verdadero Uma Karuna), y la talla de sus pies. Cuando tenía 10 años una amiga de su madre sugirió hacerle una rinoplastia, sugerencia que la mortificó durante años. Fue sin duda uno de los muchos incidentes que la llevaron a sufrir dismorfobia, un desorden mental que implica una imagen distorsionada del cuerpo, condición que ella discutió en una entrevista con la revista Talk en 2001.

Asistió al Northfield Mount Hermon, un internado en Massachusetts, y tuvo sus primeras experiencias en actuación en obras escolares. No era hábil en los deportes y sus calificaciones eran sólo regulares, pero destacó en actuación desde muy joven. Después de aparecer en una representación de The Crucible (El crisol) fue llamada por cazatalentos que la convencieron de actuar profesionalmente. Dejó la escuela para buscar una carrera en actuación en Nueva York y para asistir a la Professional Children's School, la cual abandonó antes de graduarse.

Empezó su carrera como modelo a la edad de 15 años, siguiendo en esto los pasos de su madre y su abuela, que también habían sido modelos. Con una talla de 1.84 m y una figura espigada, fue una modelo exitosa y llegó a aparecer en un reportaje gráfico de la revista Glamour. En 1989, apareció en la portada de la revista Rolling Stone para el anual Hot issue.

Hizo su debut cinematográfico en 1988 participando en cuatro filmes. El primero fue la comedia estudiantil Johnny Superstar (Johnny Be Good) y luego el film de suspense juvenil Kiss Daddy Goodnight. Tenía sólo 17 años. Ambas películas tuvieron solo un éxito marginal.

Su siguiente papel fue en la película Las aventuras del Barón Munchhausen (The Adventures of Baron Munchhausen), del director Terry Gilliam, que fue un fracaso comercial, ya que costó 46 millones de dólares y sólo recaudó 8 millones.

Su rol como Cecile de Volanges en Las amistades peligrosas (Dangerous Liaisons) en 1988, fue el que le dio la fama y atrajo la atención de la industria cinematográfica y del público. Glenn Close y Michelle Pfeiffer fueron candidatas al Oscar por sus papeles.

Uma recibió una desmedida atención -especialmente por su escena de desnudo-, mucha más de la que una tímida e insegura adolescente podía soportar. Se sintió perturbada por esta situación y se trasladó a Londres donde pasó casi un año, durante el cual solo usó ropas holgadas.

Poco después del estreno de Las amistades peligrosas, revistas y otros medios comenzaron a entrevistarla y las productoras de cine le ofrecieron nuevos papeles. Recibió también elogios de sus colegas en la película, por su profesionalidad. John Malkovich dijo: “En ella no hay nada de adolescente nerviosa, no he conocido a nadie que fuera como ella a esa edad. Su inteligencia y compostura destacan. Pero hay algo más. Tiene algo más que es muy fascinante”.

En 1990 protagonizó junto a Fred Ward el sexualmente provocativo drama Henry y June (Henry & June), la primera película en recibir una calificación cinematográfica de mayores de 17 (NC-17) en los Estados Unidos. Debido a esta calificación la película nunca se distribuyó ampliamente, pero atrajo más atención hacia su carrera cinematográfica, obteniendo críticas positivas: The New York Times escribió: “Thurman, como June —la chica con acento de Brooklyn—, toma un personaje grandioso y lo hace todavía más grande, aunque su actuación es frecuentemente tan peculiar como dominante”.

También protagonizó en 1993 con Robert De Niro, la comedia La chica del gángster (Mad Dog and Glory), otra desilusión de taquilla. Ese mismo año hizo una prueba de cámara para Stanley Kubrick que estaba entrevistando actores para un argumento llamado Wartime Lies, que nunca llegó a producirse. Ella describió este encuentro de trabajo con Kubrick como “una experiencia verdaderamente mala”.

Posteriormente hizo una prueba de cámara para Quentin Tarantino, que estaba preparando Pulp Fiction. Tarantino inicialmente no tenía intención de darle el papel después de haber visto su actuación en La chica del gánster. Finalmente decidió contratarla tras cenar con ella: “Uma y yo estabamos haciendo una escena. Estabamos viviendo la película, ¿de acuerdo? Y me quedé pensando: «¡Dios, ella podría ser Mia»!”.

En 1994, Pulp Fiction (Tiempos Violentos) se convertiría en una de las más taquilleras películas de culto de todos los tiempos, al recaudar más de 107 millones de dólares , con solo un coste de 8 millones de dólares.

El Washington Post escribió que estaba “serenamente irreconocible con una peluca negra, está maravillosa como una desenfadada esposa de gánster”.

Se convirtió en la actriz favorita de Tarantino, quien afirmó en un número de 2003 de la revista Time: “Thurman está a la par con Garbo y Dietrich en el terreno de las diosas”.

Películas de diversa calidad y éxito siguieron a Pulp Fiction. Protagonizó con Janeane Garofalo la medianamente taquillera comedia romántica La verdad sobre perros y gatos (The Truth About Cats & Dogs) actuando como una rubia y boba supermodelo.

En 1998 protagonizó con el que sería luego su esposo Ethan Hawke la película de ciencia ficción Gattaca. Aunque Gattaca no fue un gran éxito de taquilla, recibió muchas críticas positivas y consiguió gran recaudación en el mercado del vídeo.

Algunos críticos no quedaron muy impresionados, como Los Angeles Times, que opinó que ella estuvo “tan emocionalmente ausente como siempre”.

Los dos más grandes fracasos de su carrera llegaron en 1997 y 1998. Primero interpretó a la villana Hiedra Venenosa (Poison Ivy) en Batman y Robin (Batman & Robin), la cuarta película de la popular saga. Batman y Robin resultó un gran fracaso de taquilla y se convirtió en uno de los candidatos perennes a las listas de los peores filmes de todos los tiempos. Su actuación recibió críticas variadas, favorables y adversas, y algún crítico la comparó a Mae West.

The New York Times escribió: “como Mae West, mezcla auténtica femineidad con el pícaro afeminamiento de un travesti”.

Una comparación similar fue hecha por Houston Chronicle: “Thurman, para llegar a mujer fatal de los años 40 parece a veces interpretar a Mae West vía Jessica Rabbit”.

Su segundo revés fue al año siguiente en Los Vengadores (The Avengers), otro gran fracaso de público y crítica considerado uno de los peores filmes de la historia del cine.

CNN la describió como: “tan distanciada que uno siente como si la estuviera viendo a través del lado equivocado del telescopio”. Recibió candidaturas al Razzie por ambos filmes.

Cerró el año 1998 con el poderoso relato Los Miserables (Les Misérables), una adaptación del clásico libro de Victor Hugo, dirigida por Bille August, en el cual interpretó el papel de Fantine.

Después del nacimiento de su primer hijo en 1998, tomó un descanso de papeles principales para concentrarse en la maternidad.

Sus siguientes trabajos fueron en películas de bajo presupuesto de cine y televisión incluyendo Acordes y desacuerdos (Sweet and Lowdown), Tape (La cinta), Vatel y Ciegas de amor (Hysterical Blindness).

Ganó un Globo de Oro por esta última, un telefilme en el que también trabajó como productora ejecutiva. En esta película interpreta a una mujer emocionalmente inestable en el Nueva Jersey de los años 1980, que busca el amor en un lugar equivocado.

El San Francisco Chronicle comentó: “Thurman se compromete tanto con el papel, con ojos flameantes y los brazos en jarra, que uno empieza a creer que una criatura como esa puede existir: una mujer de apariencia exquisita tan torpe y necesitada que repele a los tipos comunes y corrientes. Thurman ha sometido el papel a su voluntad”.

Después de cinco años alejada de papeles principales, reapareció en 2003 en el filme de John Woo Paycheck, y en su nueva colaboración con Quentin Tarantino, Kill Bill. Paycheck fue discreta con los críticos y la taquilla, pero Kill Bill relanzaría su carrera.

En Kill Bill interpretó a una eficiente asesina profesional en búsqueda de venganza contra su ex amante. El rol le fue ofrecido por Tarantino -quien lo había escrito especialmente para ella- el día de su 30 cumpleaños. Tarantino también ha dicho que ella fue su musa mientras escribía el guión, compartiendo formalmente el crédito por el personaje de Beatrix Kiddo, el cual fue concebido por ambos en el set de Pulp Fiction a partir de la sola imagen de una novia cubierta de sangre.

La producción fue postergada varios meses debido a que quedó encinta. Se consideró darle el papel a otra actriz, pero Tarantino decidió demorar la producción.

La filmación tomó nueve meses y fue hecha en cinco países diferentes. El rol fue el más exigente para ella hasta ese momento, ya que pasó tres meses aprendiendo artes marciales, manejo de la espada e idioma japonés.

Esta película épica, presentada en dos partes, fue un éxito de taquilla y logró buenas calificaciones con los críticos. Le significó candidaturas al Globo de Oro por ambas películas, y tres MTV Movie Award uno por mejor actuación femenina y dos por la mejor pelea.

Rolling Stone la comparó con: “un angel vengador salido de un melodrama de Hollywood de los años cuarenta”.

La principal inspiración para realizar el rol de la novia fueron varias heroínas de acción de películas de segunda categoría. Las más notables fueron el personaje principal de Coffy (interpretado por Pam Grier) y el personaje de Gloria Swenson en Gloria (protagonizado por Gena Rowlands).

Dijo que estos dos personajes son: “las dos únicas mujeres que he visto ser verdaderamente mujeres esgrimen un arma”. Coffy le fue proyectada por Tarantino antes de empezar la producción del filme, para ayudarla a modelar el personaje.

Para 2005, se había convertido en una de las actrices mejor pagadas de Hollywood ganando un salario de 12,5 millones de dólares por película.

Su primera película del año fue Be Cool, continuación de la película de 1995 Get Shorty (El Nombre del Juego), en la cual se reunió de nuevo con su compañero de reparto en Pulp Fiction John Travolta. En ella, interpreta a la viuda de un fallecido ejecutivo de la industria de la música.

Más tarde ese mismo año protagonizó el filme Secretos compartidos (Prime) con Meryl Streep, interpretando a una mujer cercana a los cuarenta años, que enamora a un joven de 20 años.

Su último filme ese año fue la nueva versión de Los productores (The Producers) en el que interpreta a Ulla, una actriz sueca esperanzada en conseguir un papel en un musical de Broadway. Originalmente, los productores del filme planeaban usar una doble de voz para las canciones en los números musicales en que ella intervenía , pero insistió en usar su propia voz. Sin embargo no se confirmó si efectivamente ella interpretó todas sus canciones, aunque así se indica en los créditos del filme.

Con una exitosa carrera en el cine, volvió a convertirse en una solicitada modelo. La compañía de cosméticos Lancôme la escogió como la imagen de sus productos. En 2005, fue contratada para una función similar por la casa de modas francesa Louis Vuitton.

El 7 de febrero de 2006, recibió la condecoración de Caballero de la Orden de las Artes y Letras de Francia, que se otorga en reconocimiento a logros en los campos del arte y la literatura.

Ese mismo año estrenó la comedia Mi super ex-novia, por la que cobró la cifra de 14 millones de dólares.

Sus próximos proyectos serán The Life Before Her Eyes de Vadim Parelman, un drama en el cual Uma interpreta a una mujer madura tratando de superar un trauma de adolescente. También la veremos en la comedia romántica The Accidental Husband, en la cinta para televisión My Zinc Bed en donde interpretara a una adicta a la cocaìna. Participara en la adaptación de Eoise In Paris en el papel de Nanny. Se confirmó su participación el film Motherhood, al lado de Minnie Diver, haciendo de una madre que vence los obstáculos para festejar los seis años de su hija.

Posiblemente la veamos en las 2 secuelas prometidas de Kill Bill, en una drama al lado de Nicole Kidman, "Heartswap", y en otro drama èpico con Johnny Depp, Daniel Day-Lewis y John Malkovich titulado Man's Fate. Se rumora su participación en Thundercats: The Movie, interpretando a Cheetara.

Mientras vivía en Londres para evitar el alboroto causado por Las amistades peligrosas, empezó a salir con el director Phil Joanou, quien acababa de producir el aclamado filme documental Rattle and Hum del grupo U2.

Mientras visitaba a Joanou en el set de su película, State Of Grace, conoció al actor británico Gary Oldman. Los dos congeniaron enseguida. Incluso Joanou dijo después que era obvio que Oldman y Thurman estaban hechos el uno para el otro, de manera que se hizo a un lado. La pareja se casó en 1990, pero el matrimonio sólo duró dos años; según se informó, afectado por el poco tiempo que pasaban juntos a causa de sus apretadas agendas como actores.

El 1 de mayo de 1998, se casó con el actor Ethan Hawke, después de haberlo conocido en el set de Gattaca. Antes del compromiso, él le había propuesto matrimonio dos veces sin ser aceptado. Ella reconoció que apuraron su matrimonio debido a que había quedado embarazada. En el momento de la boda llevaba siete meses de gestación.

Tuvieron dos hijos: una niña, Maya Ray (n. 8 de julio de 1998) y un niño, Levon Roan (n. 15 de enero de 2002). Hawke le dedicó su novela For Karuna.

En 2003 se separaron y en 2004 se divorciaron. Muchos medios de comunicación informaron que la causa del divorcio fue la infidelidad de Ethan Hawke con la modelo canadiense Jen Perzow, después de sospechar que ella lo engañaba con Tarantino.

Hawke negó que la causa del divorcio fuera la infidelidad y dijo que el motivo era sus apretados horarios de trabajo.

Reside actualmente en Hyde Park (barrio de la ciudad de Nueva York). En 2004 empezó a salir con el hotelero neoyorquino André Balazs. Convivieron en un apartamento en el vecindario del Soho, en Manhattan, cerca del Mercer Hotel, propiedad de Balazs.

En marzo de 2006, su encargado de relaciones públicas anunció que la pareja se había separado.

Ahora Thurman parece más calmada, ya que está saliendo con el banquero Arki Busson, ex novio de la modelo Elle McPherson. Mantienen una relación a larga distancia, aunque él ha declarado que está dispuesto a abandonar su vida en Londres, para vivir junto la actriz y sus hijos en New York.

También se dedica a una serie de causas políticas y sociales. Apoya al Partido Demócrata y ha hecho donativos a las campañas de John Kerry, Hillary Clinton y Joseph Driscoll.

Es una partidaria decidida del control sobre las armas de fuego y en el año 2000 participó en la campaña de la revista Marie Claire: “Acaben con la violencia armada ahora”.

También participó en 2004 en la “Marcha por la vida de las mujeres” que apoyaba la legalidad del aborto.

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Fernando Meirelles

Fernando Meirelles (nacido en São Paulo, el 9 de noviembre de 1955) es un director y productor de cine brasileño.

Meirelles nació en una familia de clase media. Interesado por la arquitectura, ingresó a la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo (FAU-USP). Fue en la Facultad que comenzó su carrera cinematográfica con varios filmes amateur. Junto con el grupo de amigos con quienes trabajó en estos filmes, fundó la compañía productora Olhar Eletrônico. En los años 1980, Meirelles produjo una serie de proyectos para la televisión brasileña, entre otros la TvMix, y la serie infantil Rá-Tim-Bum, la cual está en su tercera década al aire.

Participó en varios proyectos experimentales e innovadores durante la década de 1990, con nombres conocidos en el medio, como Marcelo Tas. Durante esa década, Meirelles fundó la compañía productora O2 Filmes, junto con Paulo Morelli y Andrea Barata Ribeiro.

En 1997, Fernando Meirelles terminó la lectura de la novela Cidade de Deus, de Paulo Lins, y quiso transformar la novela en película, a pesar de que ésta involucraba una compleja historia con más de 350 diferentes personajes. Fue hasta tener el guión cinematográfico escrito por Bráulio Mantovani, que la producción comenzó, codirigida por el propio Meirelles y Kátia Lund. Cuando la película fue estrenada en Brasil en 2002, Meirelles saltó al primer plano de la fama. La película fue enviada ese mismo año al Festival de Cine de Cannes. Después del estreno internacional, se decidió enviar al filme Cidade de Deus como representante brasileño en el concurso por los premios Oscar en 2004. La película recibió cuatro nominaciones, incluyendo Mejor Edición, Mejor fotografia, Mejor Guión Adaptado y Mejor Dirección. Su siguiente película, El jardinero fiel le otorgó el Oscar de Mejor Actriz Secundaria a Rachel Weisz. Su próxima intervención en el cine será con la película Blindness a estrenarse en septiembre del 2008. El elenco está conformado por Don McKellar, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Gael Garcia Bernal y Danny Glover. Fernando Meirelles ya ha consolidado con paso firme su carrera cinematográfica.

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John Milton

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John Milton (Londres, 9 de diciembre de 1608 - ibídem, 8 de noviembre de 1674) fue un poeta y ensayista inglés, conocido especialmente por su poema épico El paraíso perdido (Paradise Lost). Políticamente fue una figura importante entre los reclutadores de la Guerra Civil Inglesa, ya que cuando ocupó el puesto de ministro de lenguas extranjeras bajo el mandato de Cromwell era el encargado de responder a los ataques a la república. Sus tratados políticos fueron consultados para la redacción de la Constitución de los Estados Unidos de América.

Poéticamente, Milton es una de las figuras más importantes del panorama literario inglés, siendo en ocasiones situado al mismo nivel que Shakespeare. La influencia de Milton en la literatura posterior es amplia y variada: se atribuye a la influencia de su obra la aceptación y difusión del verso blanco en poesía, y, especialmente durante el Romanticismo, las alusiones a su obra alcanzaron un nivel similar al gozado por las referencias clásicas. La propia personalidad de Milton ha sido en ocasiones debatida y criticada, en especial, la forma en la que se dibujó a sí mismo en algunas de sus obras, en especial en las "Defensio".

La reina Isabel I murió sin dejar descendencia, cesando así la dinastía Tudor, e iniciando la de los Estuardo, al pasar la corona a Jacobo I, que era también rey de Escocia e Irlanda; los protestantes comenzaron a preocuparse, pues le consideraban demasiado tolerante con el catolicismo. Con el ascenso al trono de su hijo, Carlos I de Inglaterra, las tensiones entre el parlamento y el monarca comenzaron a amenazar a la monarquía; Carlos I quería unificar los tres reinos (Inglaterra, Escocia e Irlanda) bajo un solo reinado, pero el parlamento temía que esto modificara las tradiciones de la corona inglesa, disminuyendo el poder parlamentario. El matrimonio del rey con una mujer católica también generó preocupación en los anglicanos, quienes temían que el futuro Príncipe de Gales fuera educado en el catolicismo. Por otro lado, Carlos I buscaba la gloria en las guerras Europeas, lo cual requería de fuertes tasas de impuestos que el parlamento se negó a permitir por más de un año. Las tensiones entre el rey y el parlamento se acrecentaron cuando éstos intentan procesar a su favorito, el duque de Buckingham, por lo que decide disolver el parlamento. Después de 11 años de tiranía, se inicia una revuelta en Escocia, que constituye el comienzo de las Guerras de los tres reinos. Después de la derrota en Newcastle, vuelve a convocar al parlamento, que se muestra más hostil de lo que había sido años atrás. Comenzaron a tomar medidas para subsanar la economía del país, que había quedado diezmada por las guerras en Europa y Escocia. El 3 de enero de 1642, Carlos envió al Fiscal General del Estado a la Cámara de los Lores para procesar por alta traición a varios Comunes. El intento de arresto precipitó la guerra civil: en Londres se produjeron manifestaciones y altercados públicos. En mayo, el Parlamento asumió el poder de realizar nombramientos militares. En julio, constituyó su propio ejército y en agosto el rey formó el suyo en Nottingham.

Después de ésta primera guerra, Cromwell tomó poder en el lado parlamentario, sofocando sublevaciones e invadiendo a Escocia. Dentro del propio bando parlamentario muchos creían que se había ido demasiado lejos. Cuando el parlamento decide negociar con Carlos I, Cromwell inicia un golpe militar, separando así al bando parlamentario en dos e instaurando la Commonwealth. Carlos I de Inglaterra fue decapitado el 30 de enero de 1649, con lo que se inician los años de la república y el protectorado, hasta la Segunda Guerra Civil Inglesa.

John Milton fue el segundo hijo de John y Sara Milton. Su padre era un próspero escribano, realizando tareas que hoy consideraríamos notariales. Componía también música eclesiástica y tenía vínculos con el mundo del teatro, especialmente el Blackfriars Theatre; había sido desheredado por su padre, ferviente católico, por hacerse protestante. La familia vivía en "The Spreadeagle", su casa de Cheapside, cerca de la Catedral de San Pablo en Londres, en cuya escuela estudió Milton. Desde una muy temprana edad, Milton había comenzado a aprender las lenguas clásicas de la mano de tutores, entre ellos Thomas Young.

En 1625, fue admitido al Christ's College en Cambridge, donde comenzó a prepararse para entrar en la Iglesia de Inglaterra. Era muy buen estudiante, pero le gustaba discutir y fue expulsado temporalmente por reñir con su tutor, William Chappell, por lo cual a su regreso le fue asignado otro. Su profesor favorito fue Thomas Young (que ya había sido tutor suyo en Londres), el cual reaparecería en otros momentos de su vida desvinculados de la etapa de Cambridge. Se hace amigo de Roger Williams, teólogo disidente americano, al que enseñaría hebreo a cambio de lecciones de holandés. En este periodo compuso varios poemas, entre ellos "On the Morning of Christ's Nativity". Sabemos que los primeros años de su estancia en Cambridge no fueron agradables. Milton se sentía alienado pues consideraba su intelecto superior al de sus compañeros y éstos, haciendo referencia a su pelo largo y rubio, y su aspecto afeminado le pusieron el apodo de "Lady of Christ's" (college). Sin embargo, es posible que una vez sus obras poéticas comenzaron a publicarse en los periódicos de la universidad, la situación cambió, como parece indicar su último escrito universitario, Oratorio pro Arte, que trata entre otras cosas de lo bello y valioso de una amistad entre iguales.

En 1632, se graduó cum laude y regresó a Londres, donde se dedicó durante cinco o seis años al estudio intensivo y la composición literaria en su casa de Hammersmith. En esta época escribe principalmente poemas, como "On Shakespeare", "L'Allegro" e "Il Penseroso".

Contrario a la educación de Cambridge, que entonces se basaba principalmente en la memorización, Milton dedicó este tiempo a la lectura de las obras de los antiguos y los contemporáneos sobre teología, filosofía, historia, política, literatura y ciencia. Como guía para trazar los estudios a los que Milton se dedicó en estos años se recurre a su "commonplace book", algo así como su cuaderno de notas, que hoy puede encontrarse en la Biblioteca Británica. La educación de Milton fue amplia y variada; conocía el latín, el griego y el hebreo. Era un fluido hablante del francés, el español y el italiano, y se aplicó también en aprender inglés antiguo y holandés. Gracias a esta educación, Milton es considerado como uno de los escritores más instruidos de la literatura inglesa.

En abril de 1637 muere su madre, y unos meses después Edward King, amigo de Milton de la época de Cambridge, muere ahogado, por lo que sus compañeros deciden escribir elegías en su honor. En noviembre Milton compone Lycidas para añadir en esta colección en memoria de King, y ésta se publica en 1638. Escribe también mascaradas como Arcades o Comus, las cuales compone para John Egerton (primer conde de Bridgewater), al ser éste instaurado "Lord President of Wales". Los manuscritos de estas obras tempranas se conservan en el Trinity College de Cambridge, por lo que se conocen como "los manuscritos de Trinity".

Como era costumbre entre los jóvenes pudientes en la época, Milton emprendió un viaje por Europa en la primavera de 1638; fue a París y después a Italia, donde, durante su estancia en Florencia, muy probablemente conoció a Galileo Galilei, el cual se encontraba bajo arresto domiciliario por orden de la Inquisición. En Roma fue invitado por el Cardenal Barberini, sobrino del Papa Urbano VIII, a visitar la Biblioteca Vaticana. Se traslada a Ginebra, donde había ido con la esperanza de conocer al célebre teólogo calvinista Giovanni Diodati. Allí, tiene que cancelar el proyectado viaje a Grecia al descubrir rumores cada vez más insistentes de que una guerra civil arreciaba Inglaterra y que un amigo suyo de infancia, Charles Diodati (sobrino del anterior) había muerto. Regresó a Inglaterra en julio de 1639, tras lo cual comenzó a escribir "Epitaphium Damonis", un poema en latín en memoria de su amigo.

En Londres, establece una especie de academia, a la que atienden sus sobrinos, Edward y John Phillips, y a la que acuden más adelante jóvenes de familias aristocráticas. La Guerra civil se estaba fraguando (su prefacio, las guerras de los obispos ya se estaban librando). El rey Carlos I había invadido Escocia y disuelto el parlamento. Milton, activo en política, comenzó a redactar panfletos antiepiscopales. Debemos tener en cuenta que política y religión estaban fuertemente enlazadas en esta época (el rey es la cabeza de la iglesia anglicana), algo que se puede apreciar en los escritos de Milton: Of Reformation, sobre la disciplina en las iglesias de Inglaterra; Animadversions, Of Prelatical Episcopacy (que es una defensa de Smectymnuus, una organización protestante liderada por Thomas Young) y The Reason for Church Government, en la que se sitúa en contra de la prelación (jerarquía) y ataca a la Iglesia alta, especialmente a su líder William Laud, Arzobispo de Canterbury.

En 1642, Milton se casa con Mary Powell, que tenía entonces 17 años. La relación no duró mucho, y poco después Mary le abandonó, regresando a la casa de sus padres en Oxford, pues Milton tenía un carácter huraño. Esta situación dio lugar a los famosos "Tratados sobre el divorcio", donde se argumentaba a favor del divorcio por incompatibilidad de personalidades: en 1643, publica la Doctrina y disciplina del divorcio y en 1644, El juicio sobre el divorcio de Martín Bucer. La publicación de estos textos causó un escándalo en el parlamento y entre el clero, que intentó censurarlos; a causa de esto, durante el verano de 1643 Milton escribió su Areopagítica, una apología de la libertad de prensa. Por otro lado, Milton, que había quedado en cierta medida desencantado de la educación de Cambridge, escribe Sobre la educación, un tratado que propone establecer un estudio riguroso para los jóvenes de Inglaterra. En 1645, se publican otras tres obras: Tetrachordon, Colasterion, y una colección de Poemas de Mr. John Milton, en inglés y en latín.

Alrededor de 1645 Mary Powell regresó al hogar conyugal y se reconciliaron, su primera hija, Anne nació al año siguiente. Cuando la guerra civil estalló, los Powell se declararon monárquicos, mientras que Milton era republicano. En Oxford, los monárquicos estaban siendo expulsados, así que la familia de su mujer se trasladó a la casa de Milton, en Hammesmith, Londres. En 1647 mueren su padre y su suegro. Un año después los Powell abandonan la casa, y nace su segunda hija, Mary Milton. El 30 de enero de 1649 el rey, Carlos I es ejecutado en una plaza pública, acto del que probablemente Milton fue testigo. Dos semanas después se publica El ejercicio de la magistratura y el reinado, que aborda cuestiones institucionales.

Una vez establecida la Commonwealth tras la victoria parlamentaria, el gobierno de Cromwell hace de Milton ministro de lenguas extranjeras (marzo de 1649) y la familia se traslada a Westminster, donde nace su primer hijo, John. En los años subsiguientes Milton sería el encargado de traducir al latín las actas oficiales y responder a los ataques literarios contra la república; también serviría como censor y es muy posible que también redactara discursos para Cromwell. Con El ejercicio de la magistratura y el reinado defiende el republicanismo y al regicida, que estaba siendo atacado por los presbiterianos (principalmente escoceses) y los royalistas. Entre sus tratados más notables se encuentra el Eikonoklastes (demoledor de imágenes), publicado en octubre de 1646 y que es una respuesta al Eikon Basilike (Imagen Real), un tratado muy difundido que se atribuía a Carlos I y que mostraba al rey asesinado como un mártir cristiano. Un mes después, los partidarios de Carlos II publican la Defensio Regia, escrita por el conocido orador Claudius Salmasius, a lo que Milton responde con Defensio pro populo Anglicano (o la Primera defensa), un texto muy cuidadosamente redactado, en latín, que sirvió para dar a conocer las facultades oratorias de Milton en la Europa continental.

En 1652, Milton pierde la vista, probablemente a causa de glaucoma, lo que le lleva a componer el soneto "When I Consider How My Light is Spent.". En mayo, su mujer, Mary muere por complicaciones en el parto y en junio, su único hijo, John, de quince meses, muere también.

En 1654 publica la Defensio Secunda, respuesta al Regii sanguinis clamor (Clamor por la sangre del rey) de Pierre du Moulin, en la que elogia a Cromwell, a la vez que lo exhorta a mantenerse fiel a los principios republicanos. Continúa trabajando gracias a la ayuda de Andrew Marvell, al que ha hecho su asistente, y dictando las líneas a amanuenses. Aun así, sus labores como traductor son ampliamente recortadas. Se modifica su sueldo (288£) a una pensión vitalicia de 150£.

Con la muerte del Lord Protector Oliver Cromwell, la Commonwealth estaba condenada a caer; Milton, sin embargo, continúa aferrándose a los principios republicanos y a principios de 1659 publica A Treatise of Civil Power, tratado en que ataca la unión de Iglesia y estado, Considerations touching the likeliest means to remove hirelings, denunciando la corrupción en la Iglesia y una serie de propuestas destinadas a mantener la supremacía del parlamento sobre el ejército: A Letter to a Friend, Concerning the Ruptures of the Commonwealth (tras la disolución del Rump Parliament), Proposals of certain expedients for the preventing of a civil war now feared (cuando estaba a punto de restaurarse la monarquía Estuardo y, finalmente, Ready and Easy Way To Establish a Free Commonwealth, una fútil reprimenda a los ingleses por flaquear en la causa de la libertad.

A causa de su trabajo como propagandista, Milton tiene que esconderse de los monárquicos, por miedo a una posible retribución. En enero, tanto la Defensio pro populo Anglicano como el Eikonoklastes fueron quemados públicamente. En octubre, Milton es arrestado y metido en prisión, aunque más tarde fue liberado por orden del parlamento gracias la influencia de algunos amigos ahora poderosos como Andrew Marvell.

En 1663, Milton se casa con Elizabeth Minshull, de 24 años, pese a la opinión desfavorable de sus hijas y vuelve a trabajar como tutor de jóvenes pudientes. Termina su obra épica El paraíso perdido. Por su ceguera, Milton componía los versos en su cabeza por la noche y los dictaba por la mañana a sus asistentes. El paraíso perdido se publicó finalmente en 1667, en diez libros, siendo ampliado en 1668 con material adicional. La obra fue un éxito instantáneo. En 1670 publica History of Britain y en 1671 El paraíso recobrado y Sanson Agonista, en 1673 Of True Religion and Poems, &c. upon Several Occasions. Y en el verano de 1674 aparece la segunda edición del El paraíso perdido, esta vez en doce libros.

Milton murió de fallo renal en noviembre de 1674, y se encuentra enterrado en la iglesia de St. Giles en Cripplegate; existe un monumento en su honor en la esquina de los poetas de la Abadía de Westminster.

La reputación de Milton ha estado en constante cambio, tanto en vida de éste como después. De la lectura de sus escritos políticos no podemos discernir un carácter amable, ya simplemente por la fuerza e intensidad de sus convicciones, y el destino particular de éstos (la propaganda política), que por fuerza requiere de cierta aspereza. Entre otras cosas ha sido acusado de ser políticamente oportunista, de ser inmoral (por los tratados sobre el divorcio, y sus tres matrimonios—que irónicamente, nunca acabaron en divorcio), y también de ser un clasicista arrogante con demasiada estima de su propio valor como poeta, — algo que, quizá puede legitimarse en declaraciones suyas de juventud, como la siguiente de la época de Cambridge, en la que tras observar a sus compañeros tratar de representar una comedia en el teatro de la facultad, comentó, más tarde: “Ellos se creían hombres galantes, yo les creía idiotas”. Más recientemente también ha tenido fuertes acusaciones de misoginia por parte del feminismo, tanto por los tratados sobre el divorcio como por la descripción de la poco redimible Eva de El paraíso perdido.

También se le ha acusado de no ocuparse la educación de sus hijas como se ocupó de la de sus sobrinos y otros jóvenes. Su relación con ellas era, al parecer, bastante fría después de la muerte de su madre, especialmente cuando Milton decidió casarse por tercera vez. Las pocas referencias existentes sobre la vida familiar de Milton sugieren que éste ignoró las necesidades emocionales y educativas de sus hijas, las cuales, por su parte se sintieron explotadas por las necesidades de Milton, especialmente cuando se quedó ciego; conocida es la anécdota que cuenta cómo Milton enseñó a sus hijas a leer en alto el griego, pero sin enseñarlas a entender el idioma, por lo que pasaban horas recitando algo que no entendían.

Sus hijas Anne y Mary nunca hicieron las paces con su padre, pero Deborah —la más joven y más parecida a su padre— sirvió como fuente para las primeras biografías del poeta, y le describe como un hombre afable y excelente compañía. La rigidez y austeridad de sus costumbres, parece, han sido fuertemente exageradas posteriormente. Apreciaba pasear por los jardines, incluso después de quedar ciego, y también el tabaco y el vino moderadamente.

En cuanto a la opinión de los estudiosos de las épocas siguientes, cabe el ejemplo de lo proclamado por G. K. Chesterton, el cual llama a un contraste entre Milton el poeta y Milton el hombre: "me temo que el modo más corto y más satisfactorio de decirlo es que, una vez todo ha sido dicho y hecho, (Milton) es un poeta que no podemos dejar de apreciar y un hombre al que no podemos apreciar".

Las creencias idiosincrásicas de Milton tienen su base en gran parte en el mandato puritano de la inviolabilidad de la conciencia. El pensamiento de Milton puede estudiarse a través de dos fuentes, sus tratados, y sus poemas recogidos en Poems of Mr. John Milton both in English and Latin. Excluyendo los tratados sobre el divorcio, encontramos dos vertientes principales, por un lado la crítica al episcopalismo de la iglesia anglicana, y por otro la defensa del republicanismo.

Milton culpa a la iglesia anglicana, y en concreto a los obispos de haber provocado una guerra contra Escocia y de haber forzado a "ingleses libres, fieles y buenos cristianos a abandonar su hogar, sus amistades y las cosas que les son afines para buscar refugio en los salvajes desiertos de América". Por otro lado, la controversia suscitada por sus tratados sobre el divorcio y posterior censura provocaron que escribiera la Aeropagítica, una llamada a la libertad de expresión en la que Milton pide una mayor libertad constitucional, y que alberga una de sus frases más célebres: "Pues los libros no son en absoluto cosas muertas, sino que contienen un potencial de vida en ellos que los hace tan activos como el alma de la cual provienen; no, preservan como en un tubo de ensayo los extractos más puros del intelecto vivo que los engendró".

En filosofía, Milton fue un proponente de Monismo, o materialismo animista, esto es, la noción de que es una sola sustancia material, que es "animada, autoactiva, y libre", la que compone todo lo existente en el universo, desde las piedras, los árboles, los cuerpos y las almas a Dios y los ángeles. Milton prefiere de esta manera evitar el dualismo cuerpo-alma de Platón y de Descartes, así como el determinismo mecánico de Hobbes. Esta teoría puede encontrarse principalmente en El paraíso perdido, en la que Milton permite a los ángeles comer o tener relaciones sexuales (8.622-29).

Quizá mucho más conocida sea su faceta de defensor del republicanismo, que puede encontrarse en obras como El ejercicio de la magistratura y el reinado, Milton afirma en este escrito que los reyes obtienen su poder del pueblo, y por lo tanto, es el derecho de éste el destituirlo, encarcelarlo, e incluso condenarlo a muerte. En los siglos posteriores, comenzó a reconocerse a Milton como uno de los precursores del liberalismo.

La poesía y la prosa de Milton reflejan unas profundas convicciones religiosas, que a menudo chocan o son una reacción contraria a aquellas de sus contemporáneos. Como funcionario del gobierno de Cromwell y por su oficio de escritor no siempre podemos distinguir sus opiniones reales de licencias poéticas o intereses políticos (como ocasionar polémica).

A pesar de que podemos decir sin rodeos que Milton es claramente protestante, también muestra conocimientos en otras teorías políticas que lo separan de los cristianismos más ortodoxos; un ejemplo de esto puede ser el rechazo que profesa al concepto de la trinidad al considerar que el hijo era subordinado al padre, una doctrina conocida como Arrianismo y que a su vez está muy relacionada con el Socinianismo (la creencia de que Jesús no tiene naturaleza divina, que hoy se puede encontrar en el Unitarismo). Otra de las opiniones "heréticas" de Milton, ilustrada en El paraíso perdido, es la creencia que el alma muere con el cuerpo.

Por otro lado, Milton abandonó su campaña de legitimización del divorcio después de 1645, aunque defendió la poligamia en De doctrina christiana, un tratado que no fue publicado y que expone muchas ideas heréticas.

Como muchos autores del Renacimiento, Milton integró la teología cristiana con los modelos clásicos. En sus poemas tempranos, el poeta-narrador muestra una tensión entre el vicio y la virtud, lo cual los relaciona fuertemente con el protestantismo. En la mascarada Comus Milton emplea la ironía para elevar las nociones de pureza y virtud sobre las convenciones cortesanas de fiesta y superstición. En los poemas posteriores, estas cuestiones religiosas se hacen más explícitas, así en On Reformation, Milton expresa su aversión hacia el catolicismo y especialmente hacia la jerarquía eclesiástica.

Las primeras obras poéticas compuestas por Milton son L'Allegro e Il Penseroso (1631), dos pastorales, que reflejan el disfrute de un día en el campo desde dos puntos de vista distintos: L'Allegro (El alegre) invoca la alegría de la diversión más pura, mientras Il Penseroso (El pensativo), refleja una diversión más melancólica, enfocada a la contemplación interior. Esta representación de opuestos sería luego retomada por poetas como William Blake, en obras como Canciones de inocencia y de experiencia, o El matrimonio del cielo y el infierno.

El nombre Lycidas, (el del protagonista del poema del mismo nombre), es típico de los pastores dóricos, por lo que Milton lo consideró apropiado para su elegía pastoral. En ella rinde homenaje a su amigo Edward King, que había muerto ahogado cuando el barco en el que viajaba se hundió cerca de la costa irlandesa. En este poema un pastor llora la muerte de otro pastor que ha muerto ahogado. Juega Milton aquí con la metáfora del pastor-poeta de las pastorales (pues King escribía también poesía) y la del pastor de almas, pues la muerte de un buen pastor causa una gran pérdida para el rebaño.

Milton escribió también una mascarada, Comus en la que hace honor a la castidad. En esta obra una joven es raptada y tentada por Comus, una versión parodiada del dios festivo griego del mismo nombre, pero la joven resiste a las proposiciones del dios, y finalmente es rescatada por sus hermanos. La obra fue representada en honor a John Egerton, como celebración tras haber sido éste proclamado Lord President de Gales.

El paraíso perdido recupera los temas de la caída de Lucifer y de la desobediencia del hombre, y el posterior exilio de ambos (del Cielo para el primero o del Paraíso para los segundos), creando un equilibrio entre ambas, así como una serie de contrastes. Se trata de un poema épico en el que Milton trata de «justificar las acciones de Dios ante los hombres» y de revelar el mensaje esperanzador que trae el hijo de Dios tras la pérdida del paraíso. Tras la publicación de esta obra, Milton se dedicó a escribir El paraíso recobrado y Sansón agonista. A pesar de que el Paraíso recobrado es una secuela de la anterior, tiene más similitudes con Sansón agonista, pues ambas tienen un carácter menos épico y fueron publicadas en un mismo tomo en 1671. El paraíso recobrado trata el tema de la tentación de Cristo en el desierto, siguiendo el evangelio de San Lucas; mientras que Sansón agonista trata la angustia de Sansón tras haber sido condenado y haber quedado ciego por haber roto su promesa a Dios (al revelar el origen de su fuerza), y haber sido traicionado por Dalila.

Los escritos en prosa de Milton pueden dividirse en tres temáticas principales: los tratados sobre el divorcio, los escritos antiespiscopales y las defensas de la república.

Los tratados sobre el divorcio son cuatro, La doctrina y disciplina del divorcio, El juicio de Martin Bucer, Tetrachordon, y Colasterion, todos escritos entre 1643-45. En ellos Milton argumenta a favor de legitimar el divorcio en caso de incompatibilidad de personalidades. En La doctrina y disciplina del divorcio, Milton argumenta que Cristo no condenaba el divorcio, pues en Mateo:19 se está dirigiendo a un grupo concreto de fariseos, no a todos los discípulos. El juicio de Martin Bucer es principalmente una traducción de De Regno Christi, del reformista protestante Martin Bucer. Tetrachordon, y Colasterion fueron publicados a la vez. El segundo es una defensa de La doctrina y disciplina del divorcio, que había sido atacada en un panfleto anónimo. El tetrachordon (cuatro lazos) es un intento de unificar las posturas sobre el divorcio que aparecen en los cuatro evangelios, lo que hace de la obra una densa exégesis bíblica.

Uno de los mayores detractores de Milton fue William Laud, Arzobispo de Canterbury. Dado que Milton estaba a favor de la reforma, que abolía la jerarquía eclesiástica, como puede apreciarse en sus escritos antiepiscopales, para Laud era una amenaza. On reformation es uno de los primeros ejemplos de las opiniones de Milton en esta área. La obra emplea un lenguaje lleno de latinismos, y recursos retóricos; opina Milton que la jerarquía eclesiástica es una corrupción de las prácticas igualitarias de la iglesia primitiva, que esto va en contra de las escrituras, y es además incompatible con la libertad civil. En On Prelatical Episcopacy, Milton retoma los mismos argumentos, refutando además los propuestos por los obispos Hall y Usher. Ese mismo año publicó The Reason of Church Government, que fue contestado por Hall con Defence of the Remonstrance, que a su vez Milton respondió con Animadversions. Este último se presenta como un diálogo y posee un carácter más satírico que ninguno de los anteriores. A principios de 1642 apareció una respuesta anónima a Animadversions: se trataba de A Modest Confutation of a Slanderous and Scurrilous Libel, en la que se instaba a no dejar impune el atrevimiento de Milton, pues merecía ser “lapidado hasta la muerte". Respondió a este abuso parcialmente en Apology for Smectymnuus, tratado en el que defiende al grupo presbiteriano al que pertenecía Thomas Young. A principios de 1642, la jerarquía eclesiástica inglesa fue abolida por el parlamento.

Milton escribió además dos obras defendiendo el regicidio de Carlos I: Eikonoklastes y El oficio de la magistratura y el reinado en las que defiende el derecho de los súbditos a condenar a muerte a un monarca al que consideran culpable. Este texto está muy ligado al origen de la Commonwealth, pues ilustra como las personas se unen para formar un gobierno, para el que eligen a un líder. Explica Milton cuales deben ser las obligaciones de este líder, contrastando éstas con los abusos de un tirano. Después de estos dos tratados, Milton comenzó a trabajar como propagandista para la república. (Véase Ministro de lenguas extranjeras).

Los años invertidos en el estudio de la literatura de varios países y la amplitud de los conocimientos alcanzados por Milton hacen que los intentos de trazar los textos y escritores que le influyeron se desvirtúen centrándose en uno u otro aspecto. Es evidente que Milton conocía bien la Biblia, y especialmente los libros del Génesis, Job y los Salmos. Por su educación clásica conocía también las obras de Homero, Virgilio, y Marco Anneo Lucano, como puede entenderse de la producción de una épica moderna como es El paraíso perdido. Por otro lado, aunque su obra refleja más bien estos conocimientos clásicos, también podemos encontrar alusiones a otros autores más contemporáneos, como Giovanni Andreini, Phineas Fletcher, Thomas Heywood, George Sandys, Edmund Spenser, Philip Sidney, John Donne, o William Shakespeare.

Las obras de Milton, y particularmente El paraíso perdido tuvieron gran repercusión en la literatura de los siglos posteriores, lo que instantáneamente lo incluyó entre los grandes clásicos de la literatura inglesa, junto con Shakespeare. Las primeras notas de su influencia pueden verse en obras como el poema épico de Lucy Hutchinson Order and Disorder (1679), o la ópera de John Dryden The State of Innocence and the Fall of Man: an Opera (1677).

En 1787, Mary Wollstonecraft se queja de oír constantemente hablar de lo sublime de Milton "I'm sick of hearing of the sublimity of Milton", lo que nos puede dar una idea de lo extendido que estaba ya su reconocimiento como uno de los clásicos en el siglo XVIII. Según R.D. Havens, El paraíso perdido, El progreso del peregrino y la Biblia fueron los libros más leídos durante ese siglo. Extractos de El paraíso perdido fueron utilizados en panfletos y discusiones políticas para ilustrar puntos de vista a veces contradictorios. Por otro lado, con la naciente industrialización, las imágenes miltónicas del cielo y el infierno comenzaron a emplearse crecientemente como metáforas del "paraíso" rural frente al "infierno" de las ciudades. Milton era el tema favorito de discusión en los salones ingleses de los siglos XVIII y XIX. También se atribuye a la amplia recepción de la obra de Milton la gradual aceptación del verso blanco.

El estilo de Milton fue ampliamente imitado, especialmente en el Romanticismo, con mejores o peores resultados, mientras otros poetas le rendían tributo mediante alusiones. William Blake ilustra El paraíso perdido, y compone The Marriage of Heaven and Hell, que está fuertemente inspirado en el anterior. La obra de Mary Shelley, Frankenstein, tiene también fuertes influencias miltónicas. William Wordsworth, en el tercer libro de The Prelude nos cuenta las vivencias de un compañero de Cambridge que habita la misma habitación que en su día ocupó Milton. En esta obra Wordsworth quiere marcar su propia falta e mérito, lo indigno de su posición como heredero de Milton. Si bien esto no deja de ser una tendencia compartida también con sus contemporáneos, la fuerza de los elogios de escritores como Pope, que mantenía siempre una imagen suya, de Dryden y de Shakespeare en su lugar de trabajo, o Cowper que cuenta como una vez soñó con Milton, sintiéndose hacia él como un hijo hacia un padre afectuoso, han llevado a críticos como Harold Bloom, en The Anxiety of Influence, a pensar que la influencia de Milton puede verse como la de un padre que domina a sus herederos poéticos mediante el exceso de su influencia y de la dependencia de los otros. Esto parece corroborarse si analizamos el "Hyperion" de Keats; después de escribir "On Seeing a Lock of Milton's Hair", Keats pasó por un proceso de creatividad durante el cual se dedicó a escribir Hyperión, a imitación de sus precursores; sin embargo, no pudo finalizarlo, en sus propias palabras por "el poder opresivo de la influencia miltónica".

También en ésta época se publicaron varias biografías de Milton, que en cierta manera contribuyeron a crear esta "deificación" de su persona poética, siendo la más destacable la Vida de Milton de Samuel Johnson. En 1747 Milton fue acusado por varios artículos de William Lauder de plagiar los contenidos de El paraíso perdido de Adamus Exul (1601) de Hugo Grotius, del Sarcotis (1654) de Jacob Masen (Masenius, 1606-1681), y de las Poemata Sacra (1633) de Andrew Ramsay (1574-1659). La lista de Lauder continuó extendiéndose hasta incluir casi una centena de posibles plagios. Sin embargo se demostró que toda la investigación había sido un fraude que Lauder pretendía demostrar insertando en sus citas fragmentos de una traducción al latín de El paraíso perdido.

La era victoriana muestra una continuación a la anterior en la influencia de Milton. George Eliot y Thomas Hardy en particular muestran su inspiración en la poesía y la biografía de Milton. Por el contrario, y quizá por las razones expuestas anteriormente sobre la opresión de esta influencia, a principios del siglo XX aparecieron nuevas críticas a la obra de Milton; Ezra Pound y especialmente T.S. Eliot fueron especialmente críticos con Milton. En 1941, C.S. Lewis publicó A Preface to Paradise Lost, con lo que trata de recuperar la deslustrada imagen de Milton. Responde especialmente en esta obra a las críticas vertidas por T.S. Eliot el cual creía que, aún siendo Milton un gran poeta, había causado una mala influencia. La poesía de Milton, dice Eliot, "puede solo ser una influencia negativa para cualquier poeta", "una influencia contra la que todavía tenemos que luchar". Más recientemente, el interés por El paraíso perdido ha recobrado fuerza tras la publicación de La materia oscura, de Philip Pullman, que está fuertemente basada en esta obra.

Los escritos políticos de Milton, como la Areopagitica fueron consultados durante la redacción de la Constitución de los Estados Unidos de América, y una cita de éste mismo libro: "A good book is the precious lifeblood of a master spirit, embalmed and treasured up on purpose to a life beyond life" ("Un buen libro es la precidada sangre que palpita de un espíritu maestro, embalsamada y cuidada a propósito para tener una vida más allá de la vida") puede verse en muchas bibliotecas públicas anglosajonas, por ejemplo, en la New York Public Library.

La recepción de la obra de Milton en la literatura en español fue bastante tardía. Hasta 1777 no se llevó a cabo la primera traducción, fragmentaria (sólo el Libro I), por parte de Gaspar Melchor de Jovellanos, de El Paraíso Perdido. La obra fue por primera vez traducida íntegramente al español entre 1802 y 1807 por Benito Ramón de Hermida. Esta traducción, en verso rimado, no se publicó hasta después de la muerte del autor, ocurrida en 1814. Se anticipó en la imprenta una traducción que, sin embargo, había sido realizada posteriormente, aparecida en Bourges (Francia), en 1812, obra de Juan de Escoiquiz. A diferencia de la anterior, esta traducción no fue hecha directamente del inglés, sino a partir de la versión francesa de Jacques Delille, publicada en 1805, y es bastante menos fiel a la obra original. Han seguido después otras muchas traducciones, algunas de ellas en prosa, como la que llevó a cabo en 1849 Santiago Ángel Saura Mascaró.

Ya a finales del XVIII se encuentran en España imitadores del poeta inglés. Menciona Esteban Pujals los casos de Félix José Reinoso y Alberto Lista, autores de sendos poemas que son claras imitaciones de la obra capital de Milton, titulados ambos La inocencia perdida. Otro destacado poeta neoclásico, Juan Meléndez Valdés, escribió un poema épico con evidentes huellas de lecturas del autor inglés, titulado La caída de Luzbel.

José Cadalso menciona a Milton en su conocida obra Los eruditos a la violeta, en la que exhorta irónicamente a aquellos que quieren exhibir un barniz de cultura a abominar de los poetas ingleses "diciendo que su épico Milton deliró, cuando puso artillería en el cielo, cuando hizo hablar a la muerte, al pecado, etc.".

Se ha señalado también una posible influencia del Lucifer de Milton en la configuración de personajes característicamente satánicos del primer romanticismo español, como el don Félix de Montemar de El estudiante de Salamanca de José de Espronceda.

En la segunda mitad del siglo XIX, Milton apareció como personaje dramático en una obra teatral, titulada El Paraíso de Milton (1878), de Francisco Pérez Echevarría y Arturo Gil de Santiváñez.

El argentino Jorge Luis Borges escribió un soneto titulado "On his blindness" ("Sobre su ceguera"), incluido en su libro El oro de los tigres (1972) en el que toma como referencia otro soneto de Milton del mismo tema y de idéntico título (aunque el soneto de Milton, que lleva el número XIX en su producción, es a menudo nombrado por su primer verso, "When I consider how my light is spent"). La analogía existente entre ambos sonetos refleja las similares circunstancias vitales con que ambos autores tuvieron que enfrentarse ya que ambos perdieron la vista en su ancianidad. Otro poema de Borges se titula "Una rosa y Milton".

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Pablo Rueda

Actor, escenoturgo y educador uruguayo.

En 1998 comienza a participar en el Encuentro de Teatro Joven con el Grupo "Pintados al Òleo", poniendo en escena la creación colectiva "Vaivén". En 1999 sigue colaborando con este grupo, pero participa en el 9 Encuentro de Teatro Joven como actor en "Rompecabeza" un collage de Ana Magnabosco, dirigido por Marisa Bentancur y destacado con la Mención al Mejor Espectáculo, también colabora con el grupo "Mil y un pájaros" como asistente de dirección, el cual obtiene la Mención a la Propuesta.

En el terreno audiovisual Pablo Rueda ha participado en proyectos como actor en “Brait an Yaining” de Fabián Centurión, Medalla de oro en 3e International Diaporama Festival FIAP, video-clips de La Vela Puerca (Zafar, Un frasco y Doble filo) con dirección de Gustavo Hernandez y del grupo "Vinilo" (Visible) de Rodrigo Zapiola, todos destacados en los Premios Grafiftti, "Promo-barbie" de Martín Brignoni y por último en el 2006 en "La cuchara" de Juan Carlos Mullin.

En el 2007 se presenta como actor y re-escritor de "No retornable" creación colectiva del Grupo Pintados en la Sala del Museo Torres García y como actor en el proyecto cinematográfico "Blindness" con dirección de Fernando Meirelles, sobre la novela "Ensayo sobre la ceguera" de José Saramago.

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Zoo TV Tour

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La Zoo TV Tour (escrito alternamente como ZooTV, ZOO TV y ZOOTV) fue gira de conciertos multimedia con una puesta en escena muy elaborada realizada por el grupo de rock U2 en estadios y arenas entre 1992 y 1993. Era un espectáculo que operaba en muchos niveles, diseñado para provocar un sentimiendo de «sobrecarga sensorial» en la audiencia.

Las diferentes fases de la gira también fueron conocidas como Zoo TV – The Outside Broadcast, Zooropa y Zoomerang. La gira comenzó en Lakeland (Florida) el 29 de febrero de 1992 y terminó en Tokio (Japón) el 10 de diciembre de 1993. Incluyó cinco mangas, 157 actuaciones, fue visto por cerca de 5,4 millones de personas y fue la gira con mayores ingresos de 1992 en Norteamérica.

Si el álbum de U2 de 1991 Achtung Baby era, como el vocalista Bono dijo, el sonido de cuatro hombres que talaban The Joshua Tree, entonces Zoo TV era la vista de cuatro hombres que intentaban rechazar el ondear de la bandera blanca y las actuaciones en directo más dolorosamente sinceras que habían caracterizado sus giras anteriores de los años 1980. La gira demostró su inmensa confianza en el nuevo álbum, abriéndose cada actuación típicamente con seis a ocho nuevas canciones consecutivas antes de tocar cualquier material anterior, arropando las canciones con desconcertantes efectos visuales y una toma subversiva en el personaje colectivo de la banda.

El escenario fue diseñado por el colaborador habitual de U2 Willie Williams e incluía 36 monitores de vídeo, numerosas cámaras de televisión, dos puestos de mezcla separados, 26 micrófonos en el escenario, 176 altavoces y 11 Trabants laboriosamente pintados, varios de ellos suspendidos sobre el escenario, todo los cual necesitaba 1 millón de vatios para funcionar: lo suficiente para abastecer 2.000 hogares.

Se necesitaba un total de 52 camiones para transportar las 1.200 toneladas de equipo, casi 5 km de cables, 200 trabajadores, 12 carretillas elevadoras y una grúa de 40 toneladas necesarios para montar el escenario.

La gira, inspirada en parte por la aparentemente interminable cobertura de la CNN de la Guerra del Golfo, era en un primer nivel una sátira directa de la sobrecarga mediática que definió a los años 1990. Las pantallas de televisión del espectáculo exhibían una mezcla ecléctica de imágenes aparentemente aleatorias y lemas creados por los artistas como Kevin Godley, Brian Eno, Mark Pellington, Carol Dodds, Philip Owens y los artistas multimedias de Emergency Broadcast Network en un esfuerzo por reflejar el efecto de desensibilización de los medios de comunicación modernos.

Las imágenes usadas durante la representación de Zoo Station se crearon mezclando ruido de video con secuencias de animación stop-motion de los miembros de la banda «filmadas» en una fotocopiadora, e incluían —para aquellos con un ojo penetrante y botón de pausa— imágenes del pene de Adam Clayton presionando contra el cristal. Algunos de los mensajes fundidos en The Fly incluían «El gusto es el enemigo del arte», «La religión es un club», «La ignorancia es felicidad», «La rebelión está preenvasada», «Cree» (Believe, desvaneciéndose las letras para dejar lie, ‘mentira’) y «Todo lo que sabes está mal».

Mysterious Ways incluía una danza del vientre en vivo. One era acompañada por la palabra del título mostrada en muchos idiomas, así como videoclips dirigidos por Mark Pellington de bisontes que llevaban a una imagen fija de la fotografía Falling Buffalo de David Wojnarowicz. Los espectadores hallaban en la canción, al igual que en la gira, muchos niveles del significado, y en parte debido a su papel en el espectáculo, One se convirtió rápidamente en una de las canciones más populares de U2. Durante Until the End of the World Bono daba rienda suelta a una serie de poses ególatras propias de estrella del rock con un enfoque visual caótico, este vez creado a partir de un barullo de números mostrados rápidamente, muchos de los cuales reflejaban asuntos cercanos al videoartista y la banda, incluyendo los cumpleaños de los miembros del equipo de producción, la fecha del asesinato de Martin Luther King, la del lanzamiento del primer sencillo de 12 pulgadas de U2 en Irlanda, la del Domingo Sangriento, etcétera. Otra ráfaga de vídeo llevaba a Tryin' to Throw Your Arms Around the World, durante la que Bono rociaba champán y hacía su tradicional baile con una joven seguidora sacada del público, salvo cuando se grababan con una videocámara doméstica uno al otro en un vídeo que luego se mostraba a los espectadores, un recurso que había sido usado también en números anteriores.

U2 había utilizado anteriormente pistas de apoyo en sus actuaciones en directo (como las de sintetizador de Bad y Where the Streets Have No Name) pero, debido a la necesidad de sincronizar el espectáculo en directo con los efectos visuales de alta tecnología de Zoo TV, casi toda la actuación estaba sincronizada y secuenciada, incluyendo la mayoría de los números percusión, teclado o elementos de guitarra grabados bajo los intrumentos y voces en directo de los miembros de la banda. Esta práctica ha continuado en sus siguientes giras.

Zoo TV fue uno de los primeros conciertos a gran escala en incluir el «escenario B», un escenario más pequeño en mitad del suelo, destinado «a ser el antídoto a Zoo TV»”. En él, los cuatro miembros realizarían números más tranquilos, tales como arreglos acústicos de Angel of Harlem y Stay (Faraway, So Close!). Tras esto se volvía al escenario principal para algunos clásicos de U2.

Los conciertos solían terminar con una interpretación del Love is Blindness de Achtung Baby, aunque más adelante en la gira era seguida por una versión abreviada de Can't Help Falling in Love de Elvis Presley. Así de daba un final íntimo y sereno a un espectáculo cuyas características principales imitaban las sobrecarga de los medios de información. Mientras que U2, con su final clásico del reflexivo pero participativo 40, nunca había suscrito la fórmula del batería de Queen Roger Taylor de dejar a la audiencia «cegada, ensordecida y pidiendo más a grito» al final, el rugido de Zoo TV caía para terminar con un susurro casi indiferente.

Así, Zoo TV veía a U2 imitar los excesos del rock and roll abrazando irónicamente la avaricia y decadencia, a veces incluso lejos del escenario. Sin embargo, algunos no captaron esta idea de la gira y creyeron que U2 había sucumbido y que Bono se había vuelto egomaníaco.

La ironía pasó a un segundo lugar en la manga europea de Zooropa después de que la banda comenzara a abrir el espectáculo cada noche con conexiones en directo con la gente que vivía en la Sarajevo arrasada por la guerra. Organizado por el trabajador humanitario Bill Carter (quien más rodaría con ayuda de Bono la película documental Miss Sarajevo ), esperaba atraer la atención del mundo sobre el sufrimiento de la gente que vivía en las zonas en guerra de las que se que habían olvidado los medios de comunicación del mundo. Carte vio una entrevista en la MTV donde Bono decía que el tema de la manga Zooropa de la gira era el de una Europa unificada y se sintió obligado a informar a Bono del sufrimiento de los bosnios en Sarajevo, en una Bosnia dividida por fronteras étnicas. Además de lograr la muy necesaria atención sobre el conflicto, las importantes conexiones en directo incluso permitieron a veces a gente que había escapado del conflicto hablar con los miembros de su familia y seres amados en la zona en guerra. El problema que algunos vieron es que Zoo TV era un espectáculo de rock, y ser acusado de inacción y apatía por gente en constante peligro de muerte por un conflicto bélico afectaba a veces el estado de ánimo de la audiencia y la banda.

Otros aspectos destacables de la guerra incluyen un dúo en cada actuación de Bono con un vídeo grabado en directo de Lou Reed cantando su clásico Satellite of Love (con una asistencia real de Reed el 12 de agosto de 1992 en el Giants Stadium) y una llamada telefónica casi en cada actuación a la oficina del presidente estadounidense George H. W. Bush. Aunque Bono nunca consiguió llegar al presidente, Bush reconoció conocer las llamadas durante una rueda de prensa, expresando su confusión sobre por qué el cantante intentaba tenazmente hablar con él.

Cuando Zoo TV se interpretó en el Estadio de Wembley de Londres el 11 de agosto de 1993, el novelista Salman Rushdie se unió a la banda en el escenario. La aparición por sorpresa del autor fue sensacional debido al conocido miedo de Rushdie a la violencia de extremistas islámicos, por quienes estaba amenazado tras la controversia provocada por su novela Los versos satánicos. Cuando se enfrentó al personaje Mr. MacPhisto de Bono, el escritor observó irónicamente que «los auténticos diablos no tienen cuernos».

La gira también tenía un confesionario donde los asistentes al concierto podían grabar una confesión personal ante una cámara. Estas confesiones fueron a menudo incorporadas al espectáculo, siendo exhibidas en las pantallas de televisión principales en los intervalos entre el espectáculo principal y el bis.

Antes del comienzo del espectáculo y entre aperturas, el disc jockey irlandés BP Fallon actuaba como Mc, normalmente intentando añadir más confusión a la mezcla. Fallon también presentaría Zoo Radio, un especial de radio que incluía actuaciones selectas de Zoo TV, rarezas musicales y entrevistas medio serias con miembros U2 así como algunas aperturas de Public Enemy y The Disposable Heroes of Hiphoprisy.

Uno de los platos fuertes de la gira era el conjunto de personajes que Bono interpretaba sobre el escenario, siendo el más prominente The Fly (‘la mosca’), que también fue inmortalizado en el videoclip de la canción homónima. The Fly era una estrella del rock estereotípico con enormes gafas de sol (por lo que Bono se hizo famoso) y un amaneramiento exagerado y claramente sexual. «Ensamblamos una estrella del rock postmoderna. Usamos la pierna de Jim Morrison, el torso de Elvis, Lou Reed, Gene Vincent... lo pegamos todo junto y que la creamos.» El personaje fue inventado en Berlín mientras U2 grababa Achtung Baby. Bono sentía que con las gafas, que le había dado el habitual estilista de U2 Fightin' Fintan Fitzgerald, tenía una sensación de desindividualización y podía «soltarse» realmente cuando las llevaba. Las gafas de sol llegaron a simbolizar al «nuevo U2», con una estética diametralmente opuesta al U2 piadoso y tradicional de la época de The Joshua Tree. The Fly también era interpretado cuando Bono le enseñaba el dedo corazón a todos los críticos que decían que U2 eran asquerosas estrellas de rock ricas que intentaban hacerse pasar por buenos chicos. Afirmó en entrevistas que los críticos «lo quieren, y ahora van a tenerlo».

Otro personaje prominente era The Mirror Ball Man (‘el hombre de la bola de espejos’), que solía aparecer para las últimas canciones del espectáculo principal y los bises. Este personaje pretendía ser una parodia de los telepredicadores estadounidenses. The Mirror Ball Man vestía un traje plateado brillante (de ahí su nombre) con zapatos y sombreo de plata. Solía aparecer en el escenario llevando un gran espejo y hablaba con la versión de Bono del acento estadounidense. Entonces solía llamar al presidente estadounidense George Bush padre, aunque nunca consiguió hablar con él. Pensando que otras partes del mundo no entenderían la parodia del telepredicador, Bono cambió a The Mirror Ball Man por Mr. MacPhisto en las mangas Zooropa y Zoomerang de la gira, que visitaron Europa, Australia, Nueva Zelanda y Japón.

Mr. MacPhisto era imaginado por Bono como una futura versión corrupta del personaje de The Fly, que se había convertido en una amalgama del Diablo (basándose fuertemente en el personaje Pegleg del The Black Rider de Tom Waits) y un crooner del estilo de Elvis Presley en su época de Las Vegas; este personaje figuraría posteriormente de forma prominente en el videoclip de 1995 para Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me extraído de la banda sonora de la película Batman Forever, que incluía una versión animada de Bono como una estrella del rock luchando entre dos personajes, The Fly y Mr. MacPhisto, intentando hacer un paralelo con el conflicto entre el Bruce Wayne playboy y el justiciero Batman. Mr. MacPhisto llevaba un traje dorado, zapatos de oro y cuernos de diablo sobre su cabeza. Su cara lucía abundante maquillaje. Hablaba con un fuerte acento mezcla de muchos, primordialmente británico.

Gentes de la antigua Unión Soviética: os doy el capitalismo, para que todos podáis soñar con ser tan rico y atractivo como yo. Gentes de Sarajevo, sois afortunados... Hay gente por todo el mundo que tiene comida, hogar y seguridad, pero no salen en televisión como vosotros.

U2 volvió al estudio para grabar su próximo lanzamiento durante un descanso al final de la tercera manga de la gira. Inicialmente un EP adicional para Achtung Baby, pronto Zooropa creció hasta ser un LP completo y fue lanzado en julio de 1993. Influenciado enormemente tanto por la gira como por las ideas de avalancha mediática y la ironía con la que eran examinados durante la gira, Zooropa fue una separación incluso mayor del estilo de sus primeras grabaciones, añadiendo el estilo tecno y otros efectos. Algunas selecciones de Zooropa fueron tocadas en las siguientes mangas Zooropa y Zoomerang de la gira, concretamente las canciones Zooropa, Babyface, Dirty Day, Daddy's Gonna Pay for Your Crashed Car, Numb, Stay (Faraway, So Close!) y Lemon.

El especial Zoo Radio incluyó grabaciones en directo de los espectáculos de 1992 de Toronto, Dallas, Tempe y Nueva York. Partes de otra actuación de 1992 fueron grabadas y más tardes emitidas como un especial de una hora en el canal Fox. El concierto de Zoomerang del 27 de noviembre de 1993 fue emitido en todo el mundo en directo en pago por visión y posteriormente lanzado en video como Zoo TV: Live From Sydney'. Es difícil capturar en vídeo todos los efectos del espectáculo Zoo TV, debido a que la naturaleza de sobrecarga sensoral del mismo se pierde en cuanto la cámara enfoca algún detalle concreto.

Más de una década después, durante la gira de 2005 Vertigo Tour, U2 tocó a menudo (normalmente como primer bis) una versión reducida de Zoo TV incluyendo las canciones Zoo Station, The Fly y Mysterious Ways, usando algunos de los efectos de video originales contra las cortinas de agua de Vertigo Tour. Zoo Station incluía la interferencia de fondo. The Fly tenía las palabras parpadeando en la pantalla, al principio parecidas a las de Zoo TV, pero luego cambiando a unas frases nuevas. A medida que la gira avanzó, añadieron Until the End of the World con sus efectos originales de números parpadeantes. Love is Blindness hizo su primera aparición en Zoo TV en un concierto de la cuarta manga. Who's Gonna Ride Your Wild Horses también se tocó algunas veces, tanto acústica como eléctricamente. One había sido una habitual, pero no se incluyó en el homenaje original, con excepción de la actuación de U2 en los premios Grammy.

Durante este tour el bajista de la banda, Adam Clayton, tuvo diversos problemas de tipo amoroso con la modelo Naomi Campbell y con la bebida y las drogas blandas, lo que le llevaron a no presentarse a una fecha de la gira en Oceanía, haciendo que U2 por única vez en su historia tocara en directo con un integrante diferente a los cuatro originales, en concreto su técnico Stuart Morgan. Este hecho inédito ocurrió en Sydney, el 26 de noviembre de 1993. Este concierto es conocido por los seguidores de la banda como Where is Adam? (‘¿Dónde está Adam?’).

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César Charlone (cineasta)

César Charlone

César Charlone es un cineasta nacido en Montevideo, Uruguay, que actualmente reside en Brasil.

Comenzó su carrera filmando comerciales y documentales en Brasil y Suecia. Charlone filmó las películas Palace II, Ciudad de Dios, El jardinero fiel y Blindness de Fernando Meirelles.

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Source : Wikipedia